4801 - AMADAS E VIOLENTADAS (1975)

 

AMADAS E VIOLENTADAS (Brasil, 1975) – O filme de Jean Garret traz à tona a brutalidade enfrentada por mulheres em situações de vulnerabilidade. A narrativa não se esquiva da representação da violência e do sofrimento feminino, o que provoca uma reflexão sobre a condição das mulheres na sociedade brasileira dos anos 1970. O filme propõe uma crítica à misoginia e à cultura de violência que permeava (e ainda permeia) as relações de gênero, posicionando as personagens em situações extremas que exigem resiliência e força. Garrett utiliza a narrativa para expor as desigualdades e injustiças sociais, colocando um foco particular nas experiências vividas por mulheres, muitas vezes relegadas a papéis subalternos. Embora a representação gráfica da violência possa ser vista como gratuita por alguns críticos, muitos argumentam que essa abordagem é uma forma de chamar a atenção para a gravidade do tema tratado. A atuação de David Cardoso é uma coisa inacreditável de tão ruim. Jean Garret's film brings to light the brutality faced by women in situations of vulnerability. The narrative does not shy away from the representation of violence and female suffering, which provokes a reflection on the condition of women in Brazilian society in the 1970s. The film proposes a critique of misogyny and the culture of violence that permeated (and still permeates) gender relations, positioning the characters in extreme situations that require resilience and strength. Garrett uses storytelling to expose social inequalities and injustices, placing a particular focus on the lived experiences of women, who are often relegated to menial roles. While the graphic depiction of violence may be seen as gratuitous by some critics, many argue that this approach is a way of drawing attention to the seriousness of the subject matter. Canal Brasil. 

4800 - SUPERMAN (2025)

 

SUPERMAN (USA, 2025) - O filme dirigido por James Gunn apresenta uma guinada significativa no tom e na abordagem do filho de Jor-El, trazendo uma versão mais colorida, leve e esperançosa, em contraste com os filmes anteriores, especialmente os de Zack Snyder, cujo clima mais sombrio e melancólico dava sempre uma sensação de derrota. David Corenswet interpreta Clark Kent/Superman com uma humanidade marcante, mostrando um herói que erra, aprende e cresce, tornando-o mais vulnerável e próximo do público. A narrativa explora o equilíbrio entre sua identidade kryptoniana e sua vida humana, aprofundando temas como a bondade revolucionária em um mundo atual marcado pela desconfiança, violência e corrupção, o que confere uma relevância social ao filme. O Lex Luthor de Nicholas Hoult é destacado como um antagonista complexo, com motivações que o posicionam como um contraponto ideológico ao otimismo do Superman. A trama envolve múltiplas subtramas e personagens secundários, como a "Gangue da Justiça" e o cachorro Krypto, que rouba várias cenas. Visualmente, o filme é elogiado pela explosão de cores, uso de lentes ultra grande-angulares para as cenas de voo e pela combinação de efeitos especiais com efeitos práticos, que aumentam o dinamismo sem prejudicar a fluidez das cenas de ação. Porém, há alguns problemas no roteiro, especialmente o segundo ato, que sofre com excesso de personagens e subtramas que acabam desviando o foco do protagonista principal, além de falhas e conveniências narrativas enfraquecendo a coesão do filme. No geral, Superman (2025) pode ser visto como um recomeço ousado e promissor para o Universo DC no cinema, valorizando o simbolismo de esperança e bondade do herói, com uma mistura de diversão e sinceridade afeita tanto aos fãs antigos quanto aos novos espectadores, apesar de suas imperfeições, pois assim é a vida. SUPERMAN (USA, 2025) - The film directed by James Gunn presents a significant turn in the tone and approach of Jor-El's son, bringing a more colorful, light and hopeful version, in contrast to previous films, especially those by Zack Snyder, whose darker and more melancholic atmosphere always gave a sense of defeat. David Corenswet plays Clark Kent/Superman with a remarkable humanity, showing a hero who makes mistakes, learns, and grows, making him more vulnerable and closer to the audience. The narrative explores the balance between her Kryptonian identity and her human life, delving into themes such as revolutionary kindness in a current world marked by mistrust, violence, and corruption, which gives the film a social relevance. Nicholas Hoult's Lex Luthor is highlighted as a complex antagonist, with motivations that position him as an ideological counterpoint to Superman's optimism. The plot involves multiple subplots and secondary characters, such as the "Justice Gang" and the dog Krypto, who steals several scenes. Visually, the film is praised for the explosion of colors, the use of ultra-wide-angle lenses for the flight scenes, and the combination of special effects with practical effects, which increases the dynamism without harming the fluidity of the action scenes. However, there are some problems in the script, especially the second act, which suffers from an excess of characters and subplots that end up diverting the focus from the main protagonist, in addition to flaws and narrative conveniences weakening the cohesion of the film. Overall, Superman (2025) can be seen as a bold and promising restart for the DC Universe in cinema, valuing the hero's symbolism of hope and kindness, with a mix of fun and sincerity suited to both old and new fans, despite its imperfections.    

4799 - FRANKENSTEIN (2025)

FRANKENSTEIN (FRANKENSTEIN, USA, 2025) - Dirigido por Guillermo del Toro, FRANKENSTEIN oferece uma perspectiva mais próxima da clássica história de Mary Shelley, concentrando-se nas complexas questões existenciais que cercam o monstro criado por Victor Frankenstein (Oscar Isaac). Del Toro, conhecido por sua habilidade em explorar temas sombrios e humanistas, mergulha profundamente na psique da criatura, transformando-a de um mero experimento científico em um ser que anseia por identidade, amor e pertencimento (quem nunca?). A crise existencial do monstro é o coração pulsante do filme: desde o seu nascimento, ele é rejeitado por seu criador e pela sociedade, uma rejeição que o submete a um profundo sentimento de solidão e desespero. A humanidade que reside em sua forma grotesca é um tema recorrente que del Toro explora com sensibilidade (vide A FORMA DA ÁGUA e O LABIRINTO DO FAUNO). O monstro não é apenas um ser de carne e osso, mas um reflexo das inseguranças e dores do ser humano. Ao longo do filme, o vemos lutando contra sua identidade, procurando compreender seu lugar no mundo e o que significa ser considerado "vivo". A busca por aceitação leva-o a confrontar questões de esperança e desespero, questionando se ele pode ser amado ou se está destinado a ser uma aberração. Essa dualidade é habilmente retratada por del Toro, que utiliza elementos visuais e narrativos para evocar empatia no espectador. Seu sofrimento ressoa profundamente, não como um monstro, mas como um ser que sente e anseia por conexão. A estética do filme, uma marca registrada de del Toro, desempenha um papel crucial na representação da crise existencial do monstro. Cenários sombrios e iluminados de forma dramática ilustram a solidão e o desespero, enquanto a música complementa a narrativa emocional. Cada interação do monstro — seja com Victor ou com a sociedade que o cerca — é carregada de tensão e dor. O uso de make-up e efeitos visuais confere humanidade à sua aparência, desafiando os espectadores a reconhecerem sua natureza heroica por trás de sua monstruosidade. Frankenstein de Guillermo del Toro redefine o clássico de uma maneira que não só respeita a fonte, mas a expande, proporcionando uma nova profundidade à crise existencial do monstro. O filme nos força a questionar nossas próprias percepções de normalidade, aceitação e o que significa ser verdadeiramente humano. Em última análise, a tragédia da criatura se torna um reflexo da fragilidade da condição humana, tornando esta obra não apenas um conto de horror, mas uma meditação profunda sobre a solidão e a busca por identidade. Directed by Guillermo del Toro, FRANKENSTEIN offers a closer perspective on Mary Shelley's classic story, focusing on the complex existential questions surrounding the monster created by Victor Frankenstein (Oscar Isaac). Del Toro, known for his ability to explore dark and humanistic themes, dives deep into the creature's psyche, transforming it from a mere scientific experiment into a being that yearns for identity, love and belonging (who hasn't?). The monster's existential crisis is the beating heart of the film: since his birth, he has been rejected by his creator and by society, a rejection that subjects him to a deep sense of loneliness and despair. Humanity residing in its grotesque form is a recurring theme that del Toro explores sensitively (see THE SHAPE OF WATER and PAN'S LABYRINTH). The monster is not just a being of flesh and blood, but a reflection of the insecurities and pains of the human being. Throughout the film, we see him struggling with his identity, seeking to understand his place in the world and what it means to be considered "alive". The search for acceptance leads him to confront issues of hope and despair, questioning whether he can be loved or if he is destined to be a freak. This duality is expertly portrayed by del Toro, who utilizes visual and narrative elements to evoke empathy in the viewer. Your suffering resonates deeply, not as a monster, but as a being who feels and longs for connection. The film's aesthetic, a del Toro trademark, plays a crucial role in depicting the monster's existential crisis. Dark, dramatically lit backdrops illustrate loneliness and despair, while music complements the emotional narrative. Every interaction of the monster — whether with Victor or with the society that surrounds him — is fraught with tension and pain. The use of make-up and visual effects lends humanity to her appearance, challenging viewers to recognize her heroic nature behind her monstrosity. Guillermo del Toro's Frankenstein redefines the classic in a way that not only respects the source but expands on it, providing a new depth to the monster's existential crisis. The film forces us to question our own perceptions of normalcy, acceptance, and what it means to be truly human. Ultimately, the tragedy of the creature becomes a reflection of the fragility of the human condition, making this work not only a tale of horror but a profound meditation on loneliness and the search for identity. Netflix.

4798 - SONINHA TODA PURA (1971)

 SONINHA TODA PURA (Brasil, 1971) – O que esperar de um roteiro sobre uma mãe que leva a filha e a amiga dela, junto com o amante traficante, para um fim de semana em Cabo Frio, onde nada acontece de fato, além do estupro da filha pelo rapaz? O filme tenta fazer referência ao universo de Nelson Rodrigues, ao mostrar os conflitos dentro de uma família disfuncional, na qual todos se manipulam, seja pela infidelidade da mãe, como também pela suposta inocência da filha, cujo relacionamento com a amiga tangencia a atração homossexual feminina, um dos temas tabus daquela época. Nada é desenvolvido satisfatoriamente e, ao fim, todas as cenas parecem empilhadas e desconexas, dificultando qualquer análise mais aprofundada de um filme entre a alegria descompromissada dos anos 60 e a piração institucionalizada dos anos 70. What to expect from a script about a mother who takes her daughter and her friend, along with her drug dealer lover, for a weekend in Cabo Frio, where nothing really happens, apart from the rape of her daughter by the man? The film tries to refer to the universe of Nelson Rodrigues, by showing the conflicts within a dysfunctional family, in which everyone manipulates each other, either by the mother's infidelity, as well as by the supposed innocence of the daughter, whose relationship with her friend touches on female homosexual attraction, one of the taboo topics of that time. Nothing is developed satisfactorily and, in the end, all the scenes seem stacked and disconnected, making it difficult to further analyze a film between the uncommitted joy of the 60s and the institutionalized madness of the 70s. Canal Brasil. 

4797 - O FANTASMA DA ÓPERA (1943)

 

O FANTASMA DA ÓPERA (PHANTOM OF THE OPERA, USA, 1943) – A história original de Gaston Laroux é algo que os cineastas se sentem compelidos a recontar periodicamente. Este filme é incluído, de maneira discutível, na galeria de horror da Universal, mas não é um produto clássico de terror raiz, a começar pelas cores excessivamente berrantes e pelos pouquíssimos sustos. Na verdade, poderia ser facilmente classificado como um musical, dado o tempo exagerado de números de ópera, que apenas servem para pausar a ação. É um bom exemplo da produção de Hollywood dos anos 40, embora pareça mais um filme da MGM do que da Universal. Claude Rains não tem muito a fazer com o limitado desenvolvimento de seu personagem – afinal, seu fantasma passa a maior parte do tempo usando uma máscara e se esgueirando na coxia do teatro, e o roteiro não define a natureza de seu relacionamento com a cantora que ele quer proteger. Gaston Laroux's original story is something that filmmakers feel compelled to retell periodically. This film is arguably included among Universal's horror gallery, but it is not a classic product of classic horror, starting with the excessively garish colors and very few scares. In fact, it could easily be classified as a musical, given the exaggerated tempo of opera numbers, which only serve to pause the action. It's a good example of Hollywood production from the 40s, although it looks more like an MGM movie than a Universal movie. Claude Rains doesn't have much to do with his limited character development – after all, his ghost spends most of his time wearing a mask and sneaking around the theater aisle, and the script doesn't define the nature of his relationship with the singer he wants to protect.

4796 - A HORA DO MAL (2025)

 

A HORA DO MAL (WEAPONS, USA, 2025) – O ponto alto deste filme de Zach Cregger é a linha narrativa dividida em blocos relacionados aos personagens centrais da trama, que funciona como fio condutor de um roteiro bem estruturado em torno do misterioso desaparecimento de 17 crianças da turma de uma professora (Julia Garner). WEAPONS mistura suspense, terror mediano e humor negro e se aproveita de múltiplos pontos de vista, numa diegese não linear, combinando elementos sobrenaturais, cinematografia caprichada e um desenho de som instigante, para estabelecer um clima de permanente tensão. The high point of this Zach Cregger film is the narrative line divided into blocks related to the central characters of the plot, which works as a common thread of a well-structured script around the mysterious disappearance of 17 children whose teacher (Julia Garner) becomes the prime suspect. WEAPONS mixes suspense, medium horror and dark humor and takes advantage of multiple points of view, in a non-linear diegesis, combining supernatural elements, neat cinematography and thought-provoking sound design, to establish a climate of permanent tension. Prime.

4795 - CORRA, QUE A POLÍCIA VEM AI (2025)

 CORRA, QUE A POLÍCIA VEM AÍ (THE NAKED GUN, 2025) – O filme de Akiva Schaffer é uma clara homenagem aos clássicos com Leslie Nielsen, mas, ao emular as gags do trio ZAZ, acabou tendo um resultado meio frouxo, onde as poucas sequências engraçadas se perdem num roteiro pouco inspirado e atuações bem abaixo do coeficiente de hilaridade necessário a este tipo de humor. Claro, há Liam Neeson, competentemente fazendo de tudo para não ser apenas um pastiche do personagem de Nielsen, e ele tem seus bons momentos, embora a comédia física não seja um terreno favorável ao seu imenso talento. Pamela Anderson não acrescenta muita coisa à sua personagem e, em alguns momentos, falta a ela timing cômico e presença cênica. É o tipo de humor sem ressonância com os tempos atuais e pode não ter a compreensão de grande parcela do público, mas faz todo o sentido para quem riu com o Frank Drebin original. Akiva Schaffer's film is a clear tribute to the classics with Leslie Nielsen, but, by emulating the gags of the ZAZ trio, it ended up having a somewhat loose result, where the few funny sequences get lost in an uninspired script and performances well below the coefficient of hilarity necessary for this type of humor. Sure, there's Liam Neeson, competently doing everything to not just be a pastiche of Nielsen's character, and he's got his good moments. However, physical comedy isn't a favorable ground for his immense talent. Pamela Anderson doesn't add much to her character and, at times, she lacks comic timing and stage presence. It's the kind of humor that doesn't resonate with current times and may not have the understanding of a large portion of the audience, but it makes perfect sense to those who laughed with the original Frank Drebin.