POST MORTEM – FOTOS DO ALÉM (HUNGRIA, 2022) - A photographer, an ex-soldier
of the 1st World War, goes to a small village to capture the images of dead
family members with the live relatives as it was frequent at the time. In a
place that had many deaths because of the Spanish Flu and was unable to bury their
dead due to the frozen land, the village is in the hands of unfriendly ghosts.
The man is going to try to help them.This Hungarian thriller is not
bad. In a time of such shortage of non-progressive movies, a good movie is a
preciousness, climbs the concept for "great." It is a thriller
with horror and mystery biases, perfectly decent - it is possible to watch it
with the children present in the room. Good photography, empathic characters,
good decoration of scenarios, and clothing characteristics of the time (early
twentieth century). The film leaves to be desired in terms of originality and also, in
the ending of the story. As for the latter, it is something that few filmmakers
know how to do.
TOP SECRET – SUPERCONFIDENCIAL (TOP SECRET,
USA, 1984) – Como misturar os filmes de Elvis Presley com o nazismo? O trio ZAZ
conseguiu e com o brilhantismo de sempre. TOP SECRET é uma das melhores
comédias nonsense já realizadas, ao lado de AIRPLANE e THE NAKED GUN, recheada de referências pop, e conta com um elenco que dificilmente se reuniria
numa comédia deste tipo: Omar Sharif, Peter Cushing e Val Kilmer (no primeiro papel
da sua carreira de 82 filmes). As gags visuais são obras de arte, além dos
diálogos repletos de referências pop e algumas alterações narrativas geniais,
como a câmera reversa na cena da loja com Peter Cushing. Possivelmente, TP não
seria entendido atualmente pelas novas gerações, que precisam de um tipo de
humor menos complexo e sem sutilezas. How to mix Elvis Presley's films with Nazism? The
ZAZ trio did it, and with the usual brilliance. TOP SECRET is one of the best nonsense
comedies ever made, alongside AIRPLANE and THE NAKED GUN, and is full of pop references
and has a cast that would hardly come together in a comedy of this type: Omar Sharif,
Peter Cushing and Val Kilmer (in the first role of his career of 82 films). The
visual gags are a work of art, in addition to the dialogues full of pop references
and some genius narrative changes, such as the reverse camera in the store scene
with Peter Cushing. Possibly, TP would not be understood today by the new generations,
who need a less complex and less subtle type of humor.
CHEERS – TEMP 7 – 22 EPISÓDIOS (CHEERS, USA, 1988) – Definitivamente, no
lugar mais alto da minha lista de melhores séries de todos os tempos, CHEERS
tem um altíssimo valor afetivo misturado com a qualidade insofismável dos
roteiros e do elenco. Nesta sétima temporada, atenção para os seguintes
episódios clássicos: Executive Sweet
(7/3), com Rebecca tendo que lidar com as investidas de Mr. Teal, seu novo
chefe, How to win friends and electrocute
people, no qual Cliff usa um gadget elétrico acionado por seu médico,
quando se mostra desagradável; The
Cranemakers (7/16), mostrando Frasier e Lilith encantados pelo nascimento
do filho e indo viver longe da civilização, até se darem conta de que são
urbanites; The visiting lecher
(7/22), em que um amigo de Frasier, Dr. Crandell, dá em cima de Rebecca,
achando que ela está interessada nele. Definitely, at the top of my list of the best series of all time, CHEERS
has a very high affective value mixed with the unmistakable quality of the
scripts and the cast. In this seventh season, attention to the following
classic episodes: Executive Sweet
(7/3), with Rebecca having to deal with the advances of Mr. Teal, her new boss,
How to win friends and electrocute people,
in which Cliff uses an electric gadget activated by his doctor, when he proves
to be unpleasant; The Cranemakers
(7/16), showing Frasier and Lilith enchanted by the birth of their son and
going to live far from civilization, until they realize that they are
urbanites; The visiting lecher
(7/22), in which Frasier's friend, Dr. Crandell, hits on Rebecca, thinking she
is interested in him.
BUGONIA
(USA, 2025) – Com sua raiz no
grego, a palavra “bugonia” refere-se a um antigo ritual agrário, segundo o qual
haveria uma geração espontânea de abelhas a partir da carcaça em decomposição
de um boi ou vaca. O filme é um produto característico de Yorgos Lanthimos:
ousado, heterodoxo, desconfortável e, claro, também original na sua proposta
narrativa. Michelle (Emma Stone) é a CEO de uma empresa farmacêutica e é
sequestrada por dois homens (um deles, Jesse Plemons, que ainda não me
convenceu de que é um ator com talento), motivados pela crença de que ela é uma
alienígena que poderia salvar a Terra. Aqui, temos uma mistura de humor sombrio,
paranoia e horror psicológico, elementos que poderiam se dissipar numa análise
de um possível desfecho preguiçoso, meio estilizado e decepcionante, ou uma
jogada magistral de um diretor caracterizado por soluções incomuns. A abordagem
apícola do desenho de produção – evidenciada nos cenários onde formas hexagonais
se repetem até formarem algo semelhante a uma colmeia – pode representar o
renascimento, a renovação eemergência
da vida a partir da decadência física e moral, refletindo a antiga crença de
que a morte pode dar início a uma nova humanidade depois de atingir o colapso
social e ambiental. Além disso, os personagens, de certa forma, agem como
apicultores preocupados em proteger uma espécie nos seus estertores (a
humanidade), quando o meio ambiente já se encontra praticamente destruído. Afinal,
as abelhas nos lembram do delicado equilíbrio da natureza e das severas consequências
da exploração irracional do planeta. With its roots in Greek, the word "bugonia" refers to an ancient agrarian
ritual, according to which there would be a spontaneous generation of bees from
the decaying carcass of an ox or cow. The film is a characteristic product of Yorgos
Lanthimos: daring, unorthodox, uncomfortable and, of course, also original in its
narrative proposal. Michelle (Emma Stone) is the CEO of a pharmaceutical company
and is kidnapped by two men (one of them, Jesse Plemons, who still hasn't convinced
me of being a talented actor), motivated by the belief that she is an alien who
could save Earth. Here, there is a mixture of dark humor, paranoia and psychological
horror, elements that could dissipate through an analysis of a possible lazy, somewhat
stylized, and disappointing outcome, or a masterful move by a director characterized
by unusual solutions. The beekeeping approach to production design – evidenced in
the scenarios where hexagonal shapes repeat until they form something resembling
a beehive – can represent the rebirth, renewal and emergence of life from physical
and moral decay, reflecting the ancient belief that death can usher in a new humanity
after reaching social and environmental collapse. In addition, the characters,
in a way, act like beekeepers concerned with protecting a species in its death
throes (humanity), when the environment is already practically destroyed. After
all, bees remind us of the delicate balance of nature and the severe consequences
of irrational exploitation of the planet.
HOMELAND – TEMP 1 – 12 EPISÓDIOS
(HOMELAND, USA, 2011) - O maior
mérito da primeira temporada é manter o espectador constantemente dividido
sobre a verdadeira identidade e lealdade de Nicholas Brody (Damian Lewis). Após
oito anos de cativeiro no Iraque, ele retorna aos Estados Unidos como herói
nacional, mas a agente da CIA Carrie Mathison (Caire Danes) suspeita que tenha
sido convertido por terroristas. Em vez de apresentar um vilão evidente,
constrói um personagem complexo, traumatizado e contraditório, que pode ter se
tornado outra pessoa após a guerra. O suspense não depende apenas da pergunta
"Brody é culpado?", mas também de "quem ele se tornou após a
guerra. A interpretação de Claire Danes
como Carrie Mathison se destaca – seu personagem é brilhante, obsessivo,
impulsivo e emocionalmente vulnerável. A série retrata seu transtorno bipolar
sem reduzi-la a um estereótipo. Sua condição psicológica afeta seu trabalho,
mas também está ligada à sua capacidade de perceber padrões que os outros
ignoram. Essa complexidade confere profundidade rara a uma protagonista de
thriller. A temporada reflete as ansiedades dos Estados Unidos após os ataques de
2001. Em vez de simplesmente reproduzir discursos patrióticos, questiona temas
como:vigilância
estatal; guerra ao terror; paranoia coletiva; limites éticos da inteligência;consequências
psicológicas da guerra. Nesse sentido, Homeland funciona tanto como thriller
político como estudo de caso.Damian Lewis transforma Nick Brody em um complexo
universo no qual ele pode ser a vítima, herói, traidor e pai de família. O ator
consegue transmitir sofrimento genuíno sem revelar completamente as intenções
do personagem, elemento fundamental para o suspense da temporada. Imperdível. The greatest merit of the first season is to keep
the viewer constantly divided about the true identity and loyalty of Nicholas Brody
(Damian Lewis). After eight years of captivity in Iraq, he returns to the United
States as a national hero, but CIA agent Carrie Mathison (Caire Danes) suspects
he has been converted by terrorists. Instead of presenting an obvious villain, he
builds a complex, traumatized and contradictory character, who may have become someone
else after the war. The suspense doesn't just hinge on the question "Is Brody
guilty?" but also on "who he became after the war. Claire Danes' portrayal
of Carrie Mathison stands out – her character is brilliant, obsessive, impulsive,
and emotionally vulnerable. The series portrays her bipolar disorder without reducing
it to a stereotype. Her psychological condition affects her work, but it's also
linked to her ability to notice patterns that others ignore. This complexity gives
rare depth to a thriller protagonist. The season reflects the anxieties of the United
States after the 2001 attacks. Instead of simply reproducing patriotic speeches,
it questions topics such as: state surveillance, the war on terror, collective paranoia, the ethical limits of intelligence; psychological consequences of war. In this sense,
Homeland works both as a political thriller and a case study. Damian Lewis transforms
Nick Brody into a complex character who can be the victim, hero, traitor, and family man. The actor manages to convey genuine suffering without completely
revealing the character's intentions, a fundamental element for the season's suspense.
Unmissable.
UMA MENINA SILENCIOSA (AN CAILÍN CIÚIN, Irlanda, 2022)
– A narrativa acompanha Cait, uma menina introvertida e tímida
que é enviada para passar o verão na casa de parentes distantes em uma zona
rural da Irlanda. A interação com essa nova família, especialmente com um casal de meia-idade, vai, lentamente, abrir caminhos para que Cait se conecte com suas emoções e se sinta mais segura e amada. O filme se destaca por sua abordagem
intimista, onde o silêncio não é apenas ausência de palavras, mas um espaço
carregado de significado e sensibilidade. A atuação da jovem atriz (Caitríona
Ní Mhurchú) é muito natural e convincente, transmitindo muito da narrativa
pelas expressões e gestos, em vez de diálogos extensos. A direção e a
fotografia também são muito cuidadosas, usando a paisagem irlandesa como um
elemento quase vivo, que contribui para a atmosfera introspectiva. O que torna
o filme especialmente tocante é seu olhar delicado para as dificuldades da
infância e a resiliência emocional. A forma como o filme lida com o mutismo
seletivo de Cait e seu processo de crescimento emocional é feita de maneira
respeitosa, evitando sentimentalismos fáceis. É uma obra que convida o
espectador a desacelerar, observar e sentir, valorizando o olhar interno e o
mundo emocional das crianças de forma muito humana. Em resumo, é um filme
poético, suave e com um tratamento sensível de temas relevantes como o
pertencimento, o silêncio e a superação das feridas emocionais. Uma produção
que fica marcada por sua serenidade e pela força da sutileza. É um dos filmes
mais belos e emocionantes dos últimos tempos. Prepare o lenço
de papel. A
SILENT GIRL (AN CAILÍN CIÚIN, Ireland, 2022) – The narrative follows Cait, an
introverted and shy girl who is sent to spend the summer at the home of distant
relatives in a rural area of Ireland. The interaction with this new family,
especially with a middle-aged couple, will slowly open up ways for Cait to
connect with her emotions and feel more secure and loved. The film stands out
for its intimate approach, where silence is not just the absence of words, but
a space loaded with meaning and sensitivity. The performance of the young
actress (Caitríona Ní Mhurchú) is very natural and convincing, conveying much
of the narrative through expressions and gestures, rather than extensive
dialogues. The direction and photography are also very careful, using the Irish
landscape as an almost living element, which contributes to the introspective
atmosphere. What makes the film especially touching is its delicate look at
childhood difficulties and emotional resilience. The way the film deals with
Cait's selective mutism and her emotional growth process is done in a
respectful way, avoiding easy sentimentality. It is a work that invites the
viewer to slow down, observe and feel, valuing the internal look and the
emotional world of children in a very human way. In short, it is a poetic, soft
film with a sensitive treatment of relevant themes such as belonging, silence
and overcoming emotional wounds. A production that is marked by its serenity
and the strength of subtlety. It is one of the most beautiful and exciting
films of recent times. Be prepared to use the tissue. Reserva Imovision.
OBSESSÃO (OBSSESSION, USA,
2025) – Bear (Michael Johnston) é apaixonado por
Nikki (Inde Navarrette), mas é muito tímido para se declarar. Por meios mágicos,
Bear usa de um encantamento para realizar seu sonho: fazê-la apaixonada por ele.
Como quase todas as histórias de amor tórrido, o namoro vai se transformando em
terror. Contudo, o roteiro usa de uma artimanha, a princípio nada original, mas
que funciona – a inserção de comédia em uma trama sombria. Não é o terrir de Sam Raimi. É algo mais
elaborado, a partir, principalmente, da extensão das cenas, que podem ocupar
longos segundos quando o esperado é uma edição mais frenética. OBSESSÃO trata
de um relacionamento tóxico levado aos estertores da relação dominador x
dominado. No sentido diegético, não há
jump scares, e sim a condução de um interesse quase mórbido do espectador pelas
razões das atitudes dos personagens principais. Bear
(Michael Johnston) is in love with Nikki (Inde Navarrette), but is too shy to declare
himself. By magical means, Bear uses an incantation to make his dream come true:
to make her fall in love with him. Like almost all torrid love stories, courtship
turns into terror. However, the script uses a trick, at first unoriginal, but which
works – the insertion of comedy in a dark plot. It's not Sam Raimi's terrir. It
is something more elaborate, mainly based on the length of the scenes, which can
occupy long seconds when a more frenetic editing is expected. OBSESSION deals with
a toxic relationship taken to the death throes of the dominator x dominated relationship.
In the diegetic sense, there are no jump scares, but the driving of an almost morbid
interest of the viewer in the reasons for the attitudes of the main characters.
A PASSAGEM (STAY, USA, 2005)– Embora classificado como um drama,
STAY vai muito além disso, especialmente quando insere o componente de mistério
numa trama que envolve, a princípio, a tentativa de um psiquiatra de demover um
paciente da ideia de se suicidar. Os dois protagonistas, Ewan McGregor (Sam, o psiquiatra)
e Ryan Gosling (Henry, o paciente) fazem um interessante contraponto entre o
que é realidade e o que não é. Há uma importante referência a Shakespeare no roteiro: Hamlet é ensaiada pela namorada de Henry, cujo sobrenome, “Letham”, um anagrama de “Hamlet”, já dá uma clara indicação dos caminhos a serem seguidos pelo diretor Mark Foster. Aliás, “foster”, sobrenome de Sam, é aquele que
cuida, que dá proteção, no lugar do pai e da mãe – e é assim o relacionamento
de Sam com Henry, já que seu pai morre, juntamente com a mãe e a namorada, num acidente
de carro, na ponte do Brooklyn, na primeira sequência do filme. Henry é o único
sobrevivente, e isso acarretará uma culpa da qual ele não consegue se livrar.
STAY é um filme sobre como (não) lidamos com a culpa, sobre solidão, medo e os
limites entre realidade e sonho, coisa que a estranha edição e montagem
aparentemente anárquica emergem do filme como um abalo sísmico na nossa forma
de ver o mundo. Isso é corroborado, quando o pai de Henry (o ótimo Bob Hoskins)
lhe diz: “O mundo é uma ilusão”, e quando aparecem citações de um suposto pintor
francês, inventado por Henry e chamado Rêveur (“sonhador” em francês). Poder-se-ia
admitir semelhanças com CORAÇÃO SATÂNICO e O SEXTO SENTIDO, mas STAY parece ir
além disso, ao sugerir sutilmente (talvez nem tanto) que pensemos em como será o
nosso último momento de vida, aquele em que a brisa fria da morte nos acariciar
os cabelos. THE PASSAGE (STAY, USA, 2005) – Although classified
as a drama, STAY goes far beyond that, especially when it inserts the mystery component
in a plot that involves, at first, a psychiatrist's attempt to dissuade a patient
from the idea of committing suicide. The two protagonists, Ewan McGregor (Sam, the
psychiatrist) and Ryan Gosling (Henry, the patient) make an interesting counterpoint
between what is reality and what is not. There is an important reference to Shakespeare
in the script: Hamlet is rehearsed by Henry's girlfriend, and "Letham",
his surname, an anagram for "Hamlet", already gives a clear indication
of the paths to be followed by director Mark Foster. By the way, "foster",
Sam's last name, is the one who cares, who gives protection, in place of his father
and mother – and that's Sam's relationship with Henry, since his father dies, along
with his mother and girlfriend, in a car accident, on the Brooklyn Bridge, in the
first sequence of the film. Henry is the only survivor, and this will entail a guilt
that he cannot extricate himself from. STAY is a film about how we (don't) deal
with guilt, about loneliness, fear, and the limits between reality and dream, something
that the strange and apparently anarchic editing emerges from the film as a seismic
shock in our way of seeing the world. This is corroborated when Henry's father (the
great Bob Hoskins) tells him: "The world is an illusion", and when quotes
appear from a supposed French painter, invented by Henry and called Rêveur ("dreamer"
in French). One could admit similarities with ANGEL HEART and THE SIXTH SENSE, but
STAY seems to go beyond that, by subtly suggesting (perhaps not so much) that we
think about what our last moment of life will be like, the one in which the cold
breeze of death caresses our hair.
A NOIVA (THE BRIDE,
USA, 2025) – O filme é uma homenagem a A NOIVA DE
FRANKENSTEIN, DE 1935, com Boris Karloff e Elsa Lanchester, com a trama levada
a Chicago da década de 30. É uma proposta ousada, meio alternativa, que só dois
grandes atores como Jessie Buckley e Christian Bale seriam capazes de realizar.
O roteiro irregular sofre com uma trama desconectada, um pouco pueril na
tentativa de fazer uma crítica social com referências a filmes famosos
(METRÓPOLIS, de Fritz Lang e JOVEM FRANKENSTEIN, de Mel Brooks, além de
musicais da Metro e Bonnie & Clyde) e pontuada com mecanismos
emancipatórios femininos numa sociedade claramente machista e perpassada pela
ação dos gangsteres da época. Jessie Buckley – ganhadora do Oscar de Melhor
Atriz este ano com HAMNET – tem um papel talhado para sua linha de atuação:
histriônico, barulhento, apostando na fisicalidade de um personagem tão icônico
como o monstro de Frankenstein de Bale. A criatura, como no filme seminal, está
a procura de uma companheira, e a encontra como seu contraponto anímico: ele é
sensível e romântico, enquanto ela é dominadora e agressiva, numa quase troca
de papéis tradicionais masculinos e femininos.Esse blending coloca, por vezes a narrativa numa trajetória confusa,
dificultando o engajamento do espectador. A direção de Maggie Gyllenhaal é um
tanto errática, pesando a mão em algumas sequências, como a da dança meio
Elaine Banes na boate. E mais: depois que os pombinhos são soltos no mundo,
tudo no filme parece desconexo, sem espaço para mais explicações ou simples
contemplação, o que deixa o espectador perdido na trama. Por exemplo: por que
Frank é obcecado por musicais do cinema, cujo protagonista é Roonie Reed (Jake
Gyllenhaal), ou por que os detetives estão procurando Ida, a prostituta morta
que dá origem à noiva? Esse e outros aspectos se perdem num torvelhinho frenético,
em função da cinematografia pretensamente impactante. A Noiva fica no meio do
caminho entre a comédia sutil e o terror mediano, sem ser na realidade nenhum
dos dois, como uma criatura sem identidade, criada em meio ao caos criativo do
filme. THE BRIDE (USA, 2025)
– The film is a tribute to THE BRIDE OF FRANKENSTEIN, from 1935, with Boris Karloff
and Elsa Lanchester, with the plot taken to Chicago in the 30s. It's a daring, somewhat
alternative proposal, which only two great actors like Jessie Buckley and Christian
Bale would be able to accomplish. The irregular script suffers from a disconnected
plot, a little puerile in an attempt to make a social critique with references to
famous films (Metropolis, by Fritz Lang and YOUNG FRANKENSTEIN, by Mel Brooks, as
well as musicals by Metro and Bonnie & Clyde) and punctuated with female emancipatory
mechanisms in a clearly sexist society permeated by the action of the gangsters
of the time. Jessie Buckley – winner of the Oscar for Best Actress this year with
HAMNET – has a role tailored to her line of acting: histrionic, noisy, betting on
the physicality of a character as iconic as Bale's Frankenstein monster. The creature,
as in the seminal film, is looking for a mate, and finds her as his soul counterpoint:
he is sensitive and romantic, while she is domineering and aggressive, in an almost
exchange of traditional male and female roles. This blending sometimes puts the
narrative on a confusing trajectory, making it difficult for the viewer to engage.
Maggie Gyllenhaal's direction is somewhat erratic, overdoing in some sequences,
such as the Elaine Banes-like dance in the nightclub. What's more: after the lovebirds
are released into the world, everything in the film seems disconnected, with no
room for further explanation or simple contemplation, which leaves the viewer confused
likewise. For example: why is Frank obsessed with movie musicals, whose protagonist
is Roonie Reed (Jake Gyllenhaal), or why are the detectives pursuing Ida, the dead
prostitute who gives birth to the bride? This and other aspects are lost in a frenetic
whirlwind, due to the allegedly impactful cinematography. The Bride is halfway between
subtle comedy and average horror, without actually being either, as a creature without
identity, created in the midst of the creative chaos of the film. HBO Max.
FOME DE AMOR (Brasil,
1968) – O filme de Nelson Pereira dos Santos é uma
alegoria típica das produções do período da ditadura militar no Brasil e em
vários países da América do Sul, com personagens tipificados de acordo com os
estratos sociais, numa forma de criticar o sistema fechado dos anos de chumbo. No
entanto, o roteiro é confuso e as atuações erráticas e aparentemente sem propósito
para a trama. Paulo Porto tem um personagem secundário, Arduíno Colasanti não
sabe atuar, e apenas Leila Dinis e Irene Stefânia aduzem algo próximo de uma
linha dramática. Nelson
Pereira dos Santos' film is a typical allegory of the productions of the period
of the military dictatorship in Brazil and in several South American countries,
with characters typified according to social strata, in a way of criticizing the
closed system of the years of lead. However, the script is confusing, and the performances are erratic and seemingly purposeless to the plot. Paulo Porto has a secondary character,
Arduíno Colasanti doesn't know how to act, and only Leila Dinis and Irene Stefânia
adduce something close to a dramatic line. Canal Brasil.
THE BIG C – TEMP 1 – 13 EPISÓDIOS (USA, 2010) – Cathy Jameson (Laura
Linney, numa atuação estupenda, como sempre, aliás) é uma dona de casa que
recebe um diagnóstico de câncer e mergulha numa pletora de emoções, na medida
em que procura conviver com a doença e com o marido (Oliver Platt), o filho
adolescente (Gabriel Basso) e o irmão naturalista (John Benjamin Hickey). Já
adianto: a série não tem nada de depressiva, apesar do tema, e é conduzida com
extremo bom humor deslizando sobre um roteiro arguto e, ao mesmo tempo,
bittersweet e encantadoramente leve. Porém, há momentos em que o humor se
encontra com a tragédia, e é exatamente aí o grande diferencial de THE BIG C:
ela nos faz refletir sobre o que é realmente essencial na vida, sobre a
importância das relações pessoais e o valor de viver o aqui e agora. Imperdível. Cathy Jameson (Laura Linney, in
a stupendous performance, as always, by the way) is a housewife who receives a cancer
diagnosis and plunges into a plethora of emotions, as she tries to live with the
disease and with her husband (Oliver Platt), teenage son (Gabriel Basso) and naturalist
brother (John Benjamin Hickey). I'll tell you in advance: the series is not depressive
at all, despite the theme, and is conducted with extreme good humor sliding over
a shrewd script and, at the same time, bittersweet and charmingly light. However,
there are times when humor meets tragedy, and that's exactly where THE BIG C
makes us reflect on what is really essential in life, on the importance of personal
relationships and the value of living in the here and now. Unmissable. Netflix.
ESQUEÇA PARIS (FORGET PARIS, USA, 1995) – Este filme
escrito e dirigido por Billy Crystal é exemplo das melhores comédias dos anos
90 – bom roteiro, excelentes atuações de Crystal (Mickey), Debra Winger (Ellen)
e do ótimo elenco de apoio, com Joe Mantegna e Cynthia Stevenson, e, além de
tudo engraçadíssimo. De certa forma, a direção e a história nos remetem aos filmes
de Woody Allen, nos quais a discussões sobre os problemas dos relacionamentos
amorosos se sobressaem quase como um personagem com vida própria. A história de
Mickey e Ellen é contada por diversos personagens à mesa de um restaurante,
numa chave diagética original e habilmente executada. This movie, written and directed by Billy Crystal, is an example of the best comedies of the 90s – good script, excellent performances
by Crystal (Mickey), Debra Winger (Ellen), and the great supporting cast, with Joe
Mantegna and Cynthia Stevenson, and, above all, very funny. In a way, the direction
and the story remind us of Woody Allen's films, in which discussions about the problems
of love relationships stand out almost like a character with a life of its own.
The story of Mickey and Ellen is told by several characters at a restaurant table,
in an original and skillfully executed diagnostic key. HBO Max.
ALIEN, O OITAVO PASSAGEIRO (ALIEN, USA, 1977) – Ainda hoje, um dos
maiores filmes de ficção científica de todos os tempos. Ridley Scott foi o
responsável pelo template de todas as produções do gênero space horror, dali
por diante. Um dos muitos pontos altos do roteiro é a construção artesanal do
suspense, até a aparição final do xenomorfo, tendo como cenário uma espaçonave
transformada num cemitério espacial, além da exploração perfeita das sombras e
dos vazios da Nostromo. Even
today one of the greatest science fiction films of all time. Ridley Scott was responsible
for the template for all space horror productions thereafter. One
of the many highlights of the script is the artisanal construction of the suspense,
until the final appearance of the xenomorph, with a spaceship transformed into a
space cemetery, in addition to the perfect exploration of the shadows and voids
of the Nostromo. Disney Plus.
FOI APENAS UM SONHO
(REVOLUTIONARY ROAD, USA, 2008) – O filme de Sam
Mendes reúne a dupla de Titanic, Leonardo DiCaprio e Kate Winslet, cuja química
elétrica ancora este drama emocionalmente devastador sobre a deterioração de um
casamento nos anos 50. Michael Shannon e Kathy Bates completam o elenco, com
atuações magníficas. O roteiro extremamente crítico dos valores da sociedade estadunidense
mostra o óbvio: o sonho americano é, na realidade, um pesadelo. E, por
conseguinte, este falso paraíso propagado pela indústria cultural, mostrando
famílias felizes, emoções harmoniosas, riqueza e prosperidade, acaba se
tornando um paradigma para aspirações pessoais em várias culturas de diferentes
países. É a história é sobre duas pessoas tentando lidar com suas frustrações ,
que têm grandes sonhos e se dão conta de que devem se sacrificá-los para poder viver suas vidas. Triste, mas real. Sam Mendes' film reunites Titanic
duo Leonardo DiCaprio and Kate Winslet, whose electrical chemistry anchors this
emotionally devastating drama about the deterioration of a marriage in the 1950s.
Michael Shannon and Kathy Bates complete the cast, with magnificent performances.
The extremely critical script of the values of American society shows the obvious:
the American dream is, in reality, a nightmare. And therefore, this false paradise
propagated by the cultural industry, showing happy families, harmonious emotions,
wealth, and prosperity, ends up becoming a paradigm for personal aspirations in various
cultures of different countries. The story is about two people trying to deal with
their frustrations, who have big dreams and realize that they must sacrifice them
in order to live their lives. Sad, but real.
FARRAPO HUMANO (THE
LOST WEEKEND, USA, 1945) – O filme de Billy
Wilder aborda corajosamente o alcoolismo, um tema pouco comum na década de 40. Ray
Milland se entrega ao papel que talvez seja o mais importante da sua vida (certamente
não é o médico louco e racista de O MONSTRO DE DUAS CABEÇAS (1972), onde tem a
sua cabeça transplantada para o corpo de um homem negro (Rooselvet Grier, primo
da deusa Pam). A direção e o roteiro de Wilder abordam o assunto de maneira séria,
pela primeira vez, numa época em que o alcoolismo era tratado como gancho
cômico no cinema. Milland dá gravitas ao papel de um homem degradado pela
bebida, numa dimensão só alcançada décadas depois com Nicolas Cage, em LEAVING
LAS VEGAS, cujo personagem se propõe a beber até morrer. Billy Wilder's film courageously tackles alcoholism,
an uncommon theme in the 40s. Ray Milland takes the plunge and grabs perhaps the
most important role of his life (it is certainly not the crazy and racist doctor
in THE TWO-HEADED MONSTER (1972), where he has his head transplanted into the
body of a black man (Rooselvet Grier, cousin of the goddess Pam). Wilder's direction
and script address the subject seriously, for the first time, at a time when
alcoholism was treated as a comic hook in cinema. Milland plays the role with
sufficient gravitas to depict a man degraded by drinking, in a performance only
achieved decades later with Nicolas Cage, in LEAVING LAS VEGAS, whose character
proposes to drink until he dies. Oldflix.
JUVENTUDE
TRANSVIADA (REBEL WITHOUT A CAUSE, USA, 1955) – Certos aspectos
do roteiro ficaram datados, mas, emocionalmente, o filme ainda encontra forças
para estabelecer conexões com as gerações mais novas – tanto cronológica quanto
etariamente. O filme de Nicholas Ray (REI DOS REIS, de 1961) fez de James Dean
um template para a juventude rebelde em todo o mundo, em conformidade com os
padrões sociais e morais da América do pós-guerra, principalmente expondo a
falsa pudicícia da classe média (não só ela, claro). O trio da história,
Natalie Wood, James Dean e Sal Mineo transmite um compadrio além da tela, não
fosse o fato de os três terem perdido a vida em circunstâncias violentas. O fato
é: dali surgiu, pela primeira vez, o conceito de uma juventude rebelde, iconoclasta
em relação aos valores dos pais, o que era impensável até o final dos anos 40. Certamente,
esta geração sofreu as consequências do pós-guerra, entre as quais se sobressaem
o desencanto com os padrões rígidos da sociedade e um questionamento das então expectativas
draconianas dos pais em relação aos filhos. Certain
aspects of the script have become dated, but emotionally, the film still finds the
strength to establish connections with the younger generations, both chronologically
and agedly. Nicholas Ray's film (KING OF KINGS, 1961) made James Dean a template
for rebellious youth around the world, in accordance with the social and moral standards
of post-war America, mainly exposing the false prudishness of the middle class (not
only it, of course). The trio of the story, Natalie Wood, James Dean, and Sal Mineo
convey a camaraderie beyond the screen, were it not for the fact that the three lost
their lives in violent circumstances. The fact is: from there emerged, for the first
time, the concept of a rebellious youth, iconoclastic in relation to the values
of their parents, which was unthinkable until the end of the 40s. Certainly, this
generation suffered the consequences of the post-war period, among which stand
out the disenchantment with the rigid standards of society and a questioning of
the draconian expectations of parents in relation to their children. TC Cult.
TWO AND A HALF MEN
– TEMP 4 (USA, 2007) – Esta é uma das
melhores temporadas de TAHM, com episódios engraçadíssimos, especialmente o
último, no qual Evelyn termina com Teddy, para o desespero de Charlie e Alan,
que passaram a adorá-lo, depois que ele os levou a Las Vegas para uma farra com
picolés e prostitutas. A sequência final, com Evelyn e seu novo namorado, Hugo
(Mike Connors, de Mannix), sendo surpreendidos por C e A é simplesmente antológica,
principalmente pela atuação de Holland Taylor. This
is one of the best seasons of TAHM, with very funny episodes, especially the last
one, in which Evelyn breaks up with Teddy, much to the dismay of Charlie and Alan,
who have come to adore him, after he took them to Las Vegas for a spree with popsicles
and prostitutes. The final sequence, with Evelyn and her new boyfriend, Hugo (Mike
Connors, from Mannix), being surprised by C and A is simply anthological, especially
for Holland Taylor's performance.
O ULTIMATO BOURNE (THE BOURNE
ULTIMATUM, USA, 2007) - Aqui temos uma
daquelas raras franquias que ficam cada vez melhores. A grande notícia é que o
diretor Paul Greengrass está de volta e, diga-se, melhor do que nunca. Ele traz
mais realismo e técnica nesta sequência do que no filme anterior. Matt Damon
envelheceu e se envolveu no personagem de forma mais perfeita, a ponto de
parecer viver o papel e realisticamente o personagem. Não consigo imaginar mais
ninguém no papel neste momento. David Strathairn é simplesmente magnífico, e
Julia Stiles está surpreendentemente excelente. As sequências de perseguição
estão entre as melhores, e goste ou não da shaky cam, ela faz exatamente o que
é necessário e nos lugares certos. A intenção é ficar na mesma vibe, enquanto assiste
ao filme, o que é exatamente o objetivo. O objetivo é sentir e experimentar o
que Jason Bourne está vivendo. A cinematografia funciona brilhantemente. Here we have one
of those rare franchises that constantly gets better and better. The great
thing about it is that Director Paul Greengrass is back and better than ever.
He brings more realism and technique in this sequel than he did in the last
film. Matt Damon has gotten older and into the character more perfectly to
where he seems to be living the role and realistically the character. I can't
really picture anyone else in the role at this point. David Strathairn is just
magnificent, and Julia Stiles was surprisingly quite excellent. The chase
sequences are some of the best, and they like it or hate the shaky
cinematography – it does exactly what is necessary and right on point. The
intent is to be agitated as you watch the film, which is exactly the point. The
intent is to feel and experience what Jason Bourne is experiencing and feeling.
The cinematography techniqueworks brilliantly.
O
CHACAL (THE JACKAL, USA, 1997) –
O filme de Michel Caton-Jones, mesmo depois de tantos anos, ainda chama atenção
principalmente pelo elenco estrelado, apesar dos furos do roteiro que, hoje,
não passariam tão desconsiderados como o foram na época. A presença de Sidney
Poitier, na sua última atuação, evidentemente, faz qualquer filme valer a pena,
não? Richard Gere e Bruce Willis, como antagonistas, parecem estrelar sozinhos
seus próprios filmes, já que só contracenam na sequência final – parece ficar evidente
a antipatia entre os dois quando estão frente a frente, e isso dá uma certa
autenticidade à atuação dos dois. Aliás, em virtude da atual situação de saúde
de Willis, vê-lo atuando neste filme é indizivelmente emocionante. Mesmo levando
em consideração as falhas do roteiro, O CHACAL (refilmagem de O DIA DO CHACAL,
baseado no romance de Frederick Forsyth) ainda é um bom thriller policial,
principalmente por causa de seu trio de protagonistas. THE JACKAL (USA, 1997) – Michel Caton-Jones' film, even
after so many years, still draws attention mainly for the star-studded cast, despite
the holes in the script that, today, would not go as unnoticed as they were at the
time. The presence of Sidney Poitier, in his last performance, evidently makes
any film worthwhile, doesn't it? Richard Gere and Bruce Willis, as antagonists,
seem to star alone in their own films, as they only act together in the final sequence
– the friction between the two seems to be evident when they are face-to-face, and
this gives a certain authenticity to their performance. In fact, given Willis' current
health situation, seeing him acting in this film is unspeakably exciting. Even considering
the flaws of the script, THE JACKAL (remake of THE DAY OF THE JACKAL, based on the
novel by Frederick Forsyth) is still a good crime thriller, mainly because of its
trio of protagonists.
A SUPREMACIA BOURNE
(THE BOURNE SUPREMACY, USA, 2004) – Um aspecto
interessante da série com Jason Bourne, cada vez em que é revisitada, é a
impressão de que a assistimos pela primeira vez. Aqui, a direção de Paul
Greengrass imprime um ritmo alucinante, sem perder o fluxo tensional de uma
história, no macrocosmo, sobre a busca da identidade – algo com que facilmente
nos relacionamos. Matt Demon é obrigatório: sua expressão facial se transforma num
quadro amplo da sua angústia em função da falta das memórias afetivas que, em
certa medida, dão sentido à vida. Mesmo as lembranças atuais acabam se tornando
um peso, quando uma tragédia lhe rouba a melhor razão para ele continuar
acreditando numa vida mais próxima do normal. An
interesting aspect of the series with Jason Bourne, each time it is revisited, is
the impression that we watched it for the first time. Here, Paul Greengrass's direction
imprints a breakneck pace, without losing the tensional flow of a story, in the
macrocosm, about the search for identity – something with which we easily
relate. Matt Damon is mandatory: his facial expression becomes a broad picture of
his anguish due to the lack of affective memories that, to a certain extent, give
meaning to life. Even current memories end up becoming a burden, when a tragedy
rips him off the best reason for him to continue believing in a life closer to normal.
Netflix.
O GUARDA-COSTAS (THE BODYGUARD, USA, 1992) – Este
é um filme em que tudo deu certo, quando o conjunto da obra parecia apontar
para um fracasso inevitável. Está ali – de uma forma talvez involuntária – algo
que atrai nossa atenção logo de início. Afinal, quem não precisa de proteção
neste mundo? Este, a meu ver, é o principal apelo de um roteiro previsível e,
convenhamos, bem pouco original. Mas nada disso importa diante da química entre
Kevin Costner e Whitney Houston (“Houston, temos um problema”), uma trilha
sonora pra lá de melosa e, especialmente para mim, a presença de Ralph Waite –
o patriarca de OS WALTONS -, também aqui vivendo a figura paterna de Costner. Ele
poderia ter tido mais tempo em cena, mas arrasa na sequência da casa no campo,
para onde Costner e Houston vão depois das ameaças começarem a escalar. O GUARDA-COSTA
invoca um sentimento primal atrelado à necessidade de se proteger
instintivamente de um perigo iminente, mas nem sempre definido, sensação mais
comum hoje do que seria o normal (aqui, abre-se a discussão sobre o que é ou
não normal). This is a film in which everything worked out, when
the body of work seemed to point to an inevitable failure. There is something that
attracts our attention right from the start. After all, who doesn't need protection
in this world? This, in my view, is the main appeal of a predictable and, let's
face it, very unoriginal script. But none of that matters in the face of the chemistry
between Kevin Costner and Whitney Houston (“Houston, we have a problem"), a
very mellow soundtrack and, especially for me, the presence of Ralph Waite – the
patriarch of THE WALTONS – also here playing Costner's father figure. He could have
had more time on the scene, but he rocks in the sequence at the country house, where
Costner and Houston go after the threats start to escalate. The BODYGUARD invokes
a primal feeling linked to the need to instinctively protect oneself from an imminent,
but not always defined, danger, a sensation more common today than would be normal
(here, the discussion about what is or is not normal is opened). HBO Max.
A IDENTIDADE BOURNE (THE BOURNE IDENTITY, USA, 2002) – Uma das grandes qualidades deste primeiro filme é uma proposta instigante:
por que temos necessidade de saber quem somos, de buscar uma identidade e,
destarte, a sensação de pertencimento? O personagem de Matt Demon (um ator obrigatório,
registre-se) passa essa necessidade de buscar suas raízes e ressignificar sua existência,
o que a maioria de nós tenta fazer na vida, de uma forma ou de outra. Isso constitui
um pilar essencial na trama, porque se trata de descobrir sua identidade para
se tornar livre de um passado que ele vai conhecendo aos poucos, na medida em
que seu retorno passa a representar um perigo para a organização em que trabalha,
por motivos que serão esclarecidos nos filmes subsequentes. Claro que o alto
nível de comprometimento de Franka Potente ajuda muito nesta empreitada. One of the great qualities of this first film is a thought-provoking proposal:
why do we need to know who we are, to search for an identity and, thus, the feeling
of belonging? Matt Demon's character (a mandatory actor, for the record) conveys
this need to seek his roots and give another sense to his existence, which most
of us try to accomplish in life, in one way or another. This constitutes an essential
pillar in the plot, because it is about discovering his identity in order to become
free of a past that he gradually gets to know, as his return comes to represent
a danger to the organization in which he works, for reasons that will be clarified
in subsequent films. Of course, Franka Potente's high level of commitment helps
a lot in this endeavor. Netflix.
PASSAGEIROS (PASSENGERS,
USA, 2016) – Sempre bem colocado na minha lista
de filmes favoritos, PASSAGEIROS é uma ficção científica que, no fundo, é uma
das mais belas histórias de amor já vistas nesta e em outras galáxias. O que
você faria se estivesse sozinho numa espaçonave a caminho de um planeta
distante a alguns anos-luz dali? Claro, procuraria um meio de ter como
companhia uma mulher inteligente e linda. É exatamente isso que Jim Preston (Chris
Pratt) faz, afinal, não em qualquer data estelar que alguém encontra Jennifer
Lawrence no papel de uma escritora com o sugestivo nome de Aurora Lane. Assim,
os dois vão se descobrindo, mas não sem antes haver uma resistência
intempestiva da parte dela, quando descobre que foi “acordada” por Jim. Há momentos
de uma beleza intangível, como na sequência de Aurora nadando na piscina da nave,
com as estrelas de fundo, ou quando Jim a encontra para um jantar romântico,
tendo apenas o bartender robô Arthur (Michael Sheen), uma mistura de ombro
amigo e filósofo de balcão, apesar do pouco tempo em cena, como testemunha. A cinematografia
é linda, assim como os atores e a mensagem final; e o roteiro acerta quando expande
a discussão da temporalidade x atemporalidade e na constatação de que a vida,
em todas as suas alegrias e tristezas, descobertas e frustrações, só pode mesmo
ser vivida no presente. Always
well placed on my list of favorite movies, PASSENGERS is a science fiction that,
deep down, is one of the most beautiful love stories ever seen in this and other
galaxies. What would you do if you were alone in a spaceship on your way to a distant
planet a few light-years away? Of course, you would look for a way to have an intelligent
and gorgeous woman for company. That's exactly what Jim Preston (Chris Pratt) does,
after all, it's not on any star date that anyone finds Jennifer Lawrence in the
role of a writer with the suggestive name of Aurora Lane. Thus, the two discover
each other, but not before there is untimely resistance on her part, when she finds
out that she was "woken up" by Jim. There are moments of intangible beauty,
as in the sequence of Aurora swimming in the ship's pool, with the stars in the
background, or when Jim meets her for a romantic dinner, with only the robot bartender
Arthur (Michael Sheen), a mixture of shoulder friend and philosopher at the counter,
despite the short time on stage, as a witness. The cinematography is beautiful,
as are the actors and the final message; And the script is right when it expands
the discussion of temporality x timelessness and in the realization that life, in
all its joys and sorrows, discoveries and frustrations, can only be lived in the
present. Prime.
O ATENTADO (THE ATTACK, Líbano, 2012) – Um cirurgião palestino descobre que
sua esposa foi responsável por um atentado que matou várias pessoas em Tel
Aviv. A história é impressionantemente atual, retratando as tensões entre
Israel e a Palestina e trazendo para a discussão um drama familiar no qual os
dois lados se equalizam na sua percepção de mundo: o marido, que não
desconfiava da participação da mulher em grupos de resistência; e a mulher cuja
vida tomou outro sentido, ao perceber as injustiças sofridas pelo povo
palestino. O clima seco, quase sufocante, das paisagens nos leva a um
envolvimento profundo com a dor do marido que perde a esposa inesperadamente e
com a sua tentativa de entender os motivos que a levaram a esse ato radical. O filme
captura sua luta interna, e os problemas e paradoxos de sua vida podem simbolizar
os conflitos entre Israel e a Palestina que resultaram, nos dias de hoje, no
genocídio do povo palestino. Um cirurgião palestino em Tel Aviv descobre que sua esposa foi responsável por um atentado que matou
várias pessoas em Tel Aviv. A história é impressionantemente atual, retratando
as tensões entre Israel e a Palestina e trazendo para a discussão um drama familiar
no qual os dois lados se equalizam na sua percepção de mundo: o marido, que não
desconfiava da participação da mulher em grupos de resistência; e a mulher cuja
vida tomou outro sentido, ao perceber as injustiças sofridas pelo povo
palestino. O clima seco, quase sufocante, das paisagens, nos leva a um
envolvimento profundo com a dor do marido que perde a esposa inesperadamente e
com a sua tentativa de entender os motivos que a levaram a esse ato radical. O
filme captura sua luta interna, e os problemas e paradoxos de sua vida podem
simbolizar os conflitos entre Israel e a Palestina que resultaram, nos dias de
hoje, no genocídio do povo palestino. A Palestinian surgeon discovers
that his wife was responsible for an attack that killed several people in Tel Aviv.
The story is impressively current, portraying the tensions between Israel and Palestine
and bringing to the discussion a family drama in which the two sides equalize in
their perception of the world: the husband, who did not suspect his wife's participation
in resistance groups; and the woman whose life took on another meaning, when she
realized the injustices suffered by the Palestinian people. The dry, almost suffocating
climate of the landscapes leads us to a deep involvement with the pain of the husband
who loses his wife unexpectedly, and with his attempt to understand the reasons that
led her to this radical act. The film captures his internal struggle, and the problems
and paradoxes of his life may symbolize the conflicts between Israel and Palestine
that resulted, in the present day, in the genocide of the Palestinian people.
OS WALTONS – TEMP 1 – 24 EPISÓDIOS (THE WALTONS, USA, 1972) - Em 1972, os Waltons chegaram às casas dos Estados Unidos em uma época que,
segundo todos os relatos, deveria ter sido um fracasso para um programa que exalava
valores familiares e integridade. A América estava abalada pelo envolvimento na
guerra do Vietnã, escândalos na Casa Branca e desobediência civil. Os programas
populares da época eram programas de talk show e variedades em horário nobre, e
'All in the Family' estava definindo o tom para a TV de ponta. Apesar disso, 'The
Waltons' estreou e rapidamente formou um público que acompanhou as 9 temporadas,
6 especiais de filmes e um lugar em nossa consciência coletiva que perdura há décadas.
No Brasil, estreou em 1974 e se tornou um sucesso até 1982. In 1972, The
Waltons arrived in the homes of America in a time that by all accounts
should have spelled failure for a show that exuded family values and
wholesomeness. America was reeling from its involvement in the Vietnam war, the scandal in the White House, and civil disobedience. Popular shows at the time
were Prime-time talk and variety shows, and 'All in the Family' was setting the
tone for cutting-edge TV. Despite that, 'The Waltons' premiered and quickly
built an audience that lasted for 9 seasons, 6 movie specials, and a place in
our collective consciousness that has lasted for decades. In Brazil, it premiered
in 1974 and became a hit until 1982.
AMOR E MORTE – 7 EPISÓDIOS (LOVE
AND DEATH, USA, 2023) – Candy (Elizabeth
Olsen), uma dona de casa infeliz no casamento, decide ter um caso com um
amigo, Allan (Jesse Plemons), também casado, ambos membros de uma igreja numa
cidadezinha do Texas. Esse argumento dá início a uma análise arguta (para quem presta
atenção) da natureza das igrejas evangélicas e sua influência deletéria em uma
comunidade sem muito apreço pela honestidade. Os personagens, em geral, são
levados por um código de conduta, digamos, bem maleável, no que diz respeito às
consequências de suas ações – é o caso de Candy, quando seduz Allan (uma
aparente não atuação de Plemons, num personagem totalmente desprovido de
emoção) e, assim, desencadeia uma série de fatos que resultam num desfecho previsível
para o adultério, bem ao estilo true crime. Mas é nos episódios finais que os processos
jurídicos se interligam com uma certa equalização ética que mistura provincianismo
e misticismo religioso. Elizabeth Olsen confirma seu talento dramático num
personagem bem distante de Wandavision. Há um filme na HULO, com a mesma história,
com Jessica Biel, mas sem a profundidade dramática e a exploração do contexto
social vistas aqui. Candy (Elizabeth Olsen), an unhappily married housewife,
decides to have an affair with a friend, Allan (Jesse Plemons), also married, both
members of a church in a small town in Texas. This argument begins a shrewd (for
those who pay attention) analysis of the nature of evangelical churches and their
deleterious influence on a community without much appreciation for honesty. The
characters, in general, are led by a code of conduct, let's say, very malleable,
concerning the consequences of their actions – this is the case of Candy, when
she seduces Allan (an apparent non-performance of Plemons, in a character totally
devoid of emotion) and, thus, triggers a series of facts that result in a predictable
outcome to adultery, in a true crime style. But it is in the final episodes that
the legal processes are intertwined with an ethical equalization that blends provincialism and religious mysticism. Elizabeth Olsen confirms her dramatic
talent in a character way far from WandaVision. There's a movie at HULO, with
the same story, with Jessica Biel, but without the dramatic depth and exploration
of the social context seen here. Netflix.
