FOME DE AMOR (Brasil,
1968) – O filme de Nelson Pereira dos Santos é uma
alegoria típica das produções do período da ditadura militar no Brasil e em
vários países da América do Sul, com personagens tipificados de acordo com os
estratos sociais, numa forma de criticar o sistema fechado dos anos de chumbo. No
entanto, o roteiro é confuso e as atuações erráticas e aparentemente sem propósito
para a trama. Paulo Porto tem um personagem secundário, Arduíno Colasanti não
sabe atuar, e apenas Leila Dinis e Irene Stefânia aduzem algo próximo de uma
linha dramática. Nelson
Pereira dos Santos' film is a typical allegory of the productions of the period
of the military dictatorship in Brazil and in several South American countries,
with characters typified according to social strata, in a way of criticizing the
closed system of the years of lead. However, the script is confusing, and the performances are erratic and seemingly purposeless to the plot. Paulo Porto has a secondary character,
Arduíno Colasanti doesn't know how to act, and only Leila Dinis and Irene Stefânia
adduce something close to a dramatic line. Canal Brasil.
THE BIG C – TEMP 1 – 13 EPISÓDIOS (USA, 2010) – Cathy Jameson (Laura
Linney, numa atuação estupenda, como sempre, aliás) é uma dona de casa que
recebe um diagnóstico de câncer e mergulha numa pletora de emoções, na medida
em que procura conviver com a doença e com o marido (Oliver Platt), o filho
adolescente (Gabriel Basso) e o irmão naturalista (John Benjamin Hickey). Já
adianto: a série não tem nada de depressiva, apesar do tema, e é conduzida com
extremo bom humor deslizando sobre um roteiro arguto e, ao mesmo tempo,
bittersweet e encantadoramente leve. Porém, há momentos em que o humor se
encontra com a tragédia, e é exatamente aí o grande diferencial de THE BIG C:
ela nos faz refletir sobre o que é realmente essencial na vida, sobre a
importância das relações pessoais e o valor de viver o aqui e agora. Imperdível. Cathy Jameson (Laura Linney, in
a stupendous performance, as always, by the way) is a housewife who receives a cancer
diagnosis and plunges into a plethora of emotions, as she tries to live with the
disease and with her husband (Oliver Platt), teenage son (Gabriel Basso) and naturalist
brother (John Benjamin Hickey). I'll tell you in advance: the series is not depressive
at all, despite the theme, and is conducted with extreme good humor sliding over
a shrewd script and, at the same time, bittersweet and charmingly light. However,
there are times when humor meets tragedy, and that's exactly where THE BIG C
makes us reflect on what is really essential in life, on the importance of personal
relationships and the value of living in the here and now. Unmissable. Netflix.
ESQUEÇA PARIS (FORGET PARIS, USA, 1995) – Este filme
escrito e dirigido por Billy Crystal é exemplo das melhores comédias dos anos
90 – bom roteiro, excelentes atuações de Crystal (Mickey), Debra Winger (Ellen)
e do ótimo elenco de apoio, com Joe Mantegna e Cynthia Stevenson, e, além de
tudo engraçadíssimo. De certa forma, a direção e a história nos remetem aos filmes
de Woody Allen, nos quais a discussões sobre os problemas dos relacionamentos
amorosos se sobressaem quase como um personagem com vida própria. A história de
Mickey e Ellen é contada por diversos personagens à mesa de um restaurante,
numa chave diagética original e habilmente executada. This movie, written and directed by Billy Crystal, is an example of the best comedies of the 90s – good script, excellent performances
by Crystal (Mickey), Debra Winger (Ellen), and the great supporting cast, with Joe
Mantegna and Cynthia Stevenson, and, above all, very funny. In a way, the direction
and the story remind us of Woody Allen's films, in which discussions about the problems
of love relationships stand out almost like a character with a life of its own.
The story of Mickey and Ellen is told by several characters at a restaurant table,
in an original and skillfully executed diagnostic key. HBO Max.
ALIEN, O OITAVO PASSAGEIRO (ALIEN, USA, 1977) – Ainda hoje, um dos
maiores filmes de ficção científica de todos os tempos. Ridley Scott foi o
responsável pelo template de todas as produções do gênero space horror, dali
por diante. Um dos muitos pontos altos do roteiro é a construção artesanal do
suspense, até a aparição final do xenomorfo, tendo como cenário uma espaçonave
transformada num cemitério espacial, além da exploração perfeita das sombras e
dos vazios da Nostromo. Even
today one of the greatest science fiction films of all time. Ridley Scott was responsible
for the template for all space horror productions thereafter. One
of the many highlights of the script is the artisanal construction of the suspense,
until the final appearance of the xenomorph, with a spaceship transformed into a
space cemetery, in addition to the perfect exploration of the shadows and voids
of the Nostromo. Disney Plus.
FOI APENAS UM SONHO
(REVOLUTIONARY ROAD, USA, 2008) – O filme de Sam
Mendes reúne a dupla de Titanic, Leonardo DiCaprio e Kate Winslet, cuja química
elétrica ancora este drama emocionalmente devastador sobre a deterioração de um
casamento nos anos 50. Michael Shannon e Kathy Bates completam o elenco, com
atuações magníficas. O roteiro extremamente crítico dos valores da sociedade estadunidense
mostra o óbvio: o sonho americano é, na realidade, um pesadelo. E, por
conseguinte, este falso paraíso propagado pela indústria cultural, mostrando
famílias felizes, emoções harmoniosas, riqueza e prosperidade, acaba se
tornando um paradigma para aspirações pessoais em várias culturas de diferentes
países. É a história é sobre duas pessoas tentando lidar com suas frustrações ,
que têm grandes sonhos e se dão conta de que devem se sacrificá-los para poder viver suas vidas. Triste, mas real. Sam Mendes' film reunites Titanic
duo Leonardo DiCaprio and Kate Winslet, whose electrical chemistry anchors this
emotionally devastating drama about the deterioration of a marriage in the 1950s.
Michael Shannon and Kathy Bates complete the cast, with magnificent performances.
The extremely critical script of the values of American society shows the obvious:
the American dream is, in reality, a nightmare. And therefore, this false paradise
propagated by the cultural industry, showing happy families, harmonious emotions,
wealth, and prosperity, ends up becoming a paradigm for personal aspirations in various
cultures of different countries. The story is about two people trying to deal with
their frustrations, who have big dreams and realize that they must sacrifice them
in order to live their lives. Sad, but real.
FARRAPO HUMANO (THE
LOST WEEKEND, USA, 1945) – O filme de Billy
Wilder aborda corajosamente o alcoolismo, um tema pouco comum na década de 40. Ray
Milland se entrega ao papel que talvez seja o mais importante da sua vida (certamente
não é o médico louco e racista de O MONSTRO DE DUAS CABEÇAS (1972), onde tem a
sua cabeça transplantada para o corpo de um homem negro (Rooselvet Grier, primo
da deusa Pam). A direção e o roteiro de Wilder abordam o assunto de maneira séria,
pela primeira vez, numa época em que o alcoolismo era tratado como gancho
cômico no cinema. Milland dá gravitas ao papel de um homem degradado pela
bebida, numa dimensão só alcançada décadas depois com Nicolas Cage, em LEAVING
LAS VEGAS, cujo personagem se propõe a beber até morrer. Billy Wilder's film courageously tackles alcoholism,
an uncommon theme in the 40s. Ray Milland takes the plunge and grabs perhaps the
most important role of his life (it is certainly not the crazy and racist doctor
in THE TWO-HEADED MONSTER (1972), where he has his head transplanted into the
body of a black man (Rooselvet Grier, cousin of the goddess Pam). Wilder's direction
and script address the subject seriously, for the first time, at a time when
alcoholism was treated as a comic hook in cinema. Milland plays the role with
sufficient gravitas to depict a man degraded by drinking, in a performance only
achieved decades later with Nicolas Cage, in LEAVING LAS VEGAS, whose character
proposes to drink until he dies. Oldflix.
JUVENTUDE
TRANSVIADA (REBEL WITHOUT A CAUSE, USA, 1955) – Certos aspectos
do roteiro ficaram datados, mas, emocionalmente, o filme ainda encontra forças
para estabelecer conexões com as gerações mais novas – tanto cronológica quanto
etariamente. O filme de Nicholas Ray (REI DOS REIS, de 1961) fez de James Dean
um template para a juventude rebelde em todo o mundo, em conformidade com os
padrões sociais e morais da América do pós-guerra, principalmente expondo a
falsa pudicícia da classe média (não só ela, claro). O trio da história,
Natalie Wood, James Dean e Sal Mineo transmite um compadrio além da tela, não
fosse o fato de os três terem perdido a vida em circunstâncias violentas. O fato
é: dali surgiu, pela primeira vez, o conceito de uma juventude rebelde, iconoclasta
em relação aos valores dos pais, o que era impensável até o final dos anos 40. Certamente,
esta geração sofreu as consequências do pós-guerra, entre as quais se sobressaem
o desencanto com os padrões rígidos da sociedade e um questionamento das então expectativas
draconianas dos pais em relação aos filhos. Certain
aspects of the script have become dated, but emotionally, the film still finds the
strength to establish connections with the younger generations, both chronologically
and agedly. Nicholas Ray's film (KING OF KINGS, 1961) made James Dean a template
for rebellious youth around the world, in accordance with the social and moral standards
of post-war America, mainly exposing the false prudishness of the middle class (not
only it, of course). The trio of the story, Natalie Wood, James Dean, and Sal Mineo
convey a camaraderie beyond the screen, were it not for the fact that the three lost
their lives in violent circumstances. The fact is: from there emerged, for the first
time, the concept of a rebellious youth, iconoclastic in relation to the values
of their parents, which was unthinkable until the end of the 40s. Certainly, this
generation suffered the consequences of the post-war period, among which stand
out the disenchantment with the rigid standards of society and a questioning of
the draconian expectations of parents in relation to their children. TC Cult.
TWO AND A HALF MEN
– TEMP 4 (USA, 2007) – Esta é uma das
melhores temporadas de TAHM, com episódios engraçadíssimos, especialmente o
último, no qual Evelyn termina com Teddy, para o desespero de Charlie e Alan,
que passaram a adorá-lo, depois que ele os levou a Las Vegas para uma farra com
picolés e prostitutas. A sequência final, com Evelyn e seu novo namorado, Hugo
(Mike Connors, de Mannix), sendo surpreendidos por C e A é simplesmente antológica,
principalmente pela atuação de Holland Taylor. This
is one of the best seasons of TAHM, with very funny episodes, especially the last
one, in which Evelyn breaks up with Teddy, much to the dismay of Charlie and Alan,
who have come to adore him, after he took them to Las Vegas for a spree with popsicles
and prostitutes. The final sequence, with Evelyn and her new boyfriend, Hugo (Mike
Connors, from Mannix), being surprised by C and A is simply anthological, especially
for Holland Taylor's performance.
O ULTIMATO BOURNE (THE BOURNE
ULTIMATUM, USA, 2007) - Aqui temos uma
daquelas raras franquias que ficam cada vez melhores. A grande notícia é que o
diretor Paul Greengrass está de volta e, diga-se, melhor do que nunca. Ele traz
mais realismo e técnica nesta sequência do que no filme anterior. Matt Damon
envelheceu e se envolveu no personagem de forma mais perfeita, a ponto de
parecer viver o papel e realisticamente o personagem. Não consigo imaginar mais
ninguém no papel neste momento. David Strathairn é simplesmente magnífico, e
Julia Stiles está surpreendentemente excelente. As sequências de perseguição
estão entre as melhores, e goste ou não da shaky cam, ela faz exatamente o que
é necessário e nos lugares certos. A intenção é ficar na mesma vibe, enquanto assiste
ao filme, o que é exatamente o objetivo. O objetivo é sentir e experimentar o
que Jason Bourne está vivendo. A cinematografia funciona brilhantemente. Here we have one
of those rare franchises that constantly gets better and better. The great
thing about it is that Director Paul Greengrass is back and better than ever.
He brings more realism and technique in this sequel than he did in the last
film. Matt Damon has gotten older and into the character more perfectly to
where he seems to be living the role and realistically the character. I can't
really picture anyone else in the role at this point. David Strathairn is just
magnificent, and Julia Stiles was surprisingly quite excellent. The chase
sequences are some of the best, and they like it or hate the shaky
cinematography – it does exactly what is necessary and right on point. The
intent is to be agitated as you watch the film, which is exactly the point. The
intent is to feel and experience what Jason Bourne is experiencing and feeling.
The cinematography techniqueworks brilliantly.
O
CHACAL (THE JACKAL, USA, 1997) –
O filme de Michel Caton-Jones, mesmo depois de tantos anos, ainda chama atenção
principalmente pelo elenco estrelado, apesar dos furos do roteiro que, hoje,
não passariam tão desconsiderados como o foram na época. A presença de Sidney
Poitier, na sua última atuação, evidentemente, faz qualquer filme valer a pena,
não? Richard Gere e Bruce Willis, como antagonistas, parecem estrelar sozinhos
seus próprios filmes, já que só contracenam na sequência final – parece ficar evidente
a antipatia entre os dois quando estão frente a frente, e isso dá uma certa
autenticidade à atuação dos dois. Aliás, em virtude da atual situação de saúde
de Willis, vê-lo atuando neste filme é indizivelmente emocionante. Mesmo levando
em consideração as falhas do roteiro, O CHACAL (refilmagem de O DIA DO CHACAL,
baseado no romance de Frederick Forsyth) ainda é um bom thriller policial,
principalmente por causa de seu trio de protagonistas. THE JACKAL (USA, 1997) – Michel Caton-Jones' film, even
after so many years, still draws attention mainly for the star-studded cast, despite
the holes in the script that, today, would not go as unnoticed as they were at the
time. The presence of Sidney Poitier, in his last performance, evidently makes
any film worthwhile, doesn't it? Richard Gere and Bruce Willis, as antagonists,
seem to star alone in their own films, as they only act together in the final sequence
– the friction between the two seems to be evident when they are face-to-face, and
this gives a certain authenticity to their performance. In fact, given Willis' current
health situation, seeing him acting in this film is unspeakably exciting. Even considering
the flaws of the script, THE JACKAL (remake of THE DAY OF THE JACKAL, based on the
novel by Frederick Forsyth) is still a good crime thriller, mainly because of its
trio of protagonists.
A SUPREMACIA BOURNE
(THE BOURNE SUPREMACY, USA, 2004) – Um aspecto
interessante da série com Jason Bourne, cada vez em que é revisitada, é a
impressão de que a assistimos pela primeira vez. Aqui, a direção de Paul
Greengrass imprime um ritmo alucinante, sem perder o fluxo tensional de uma
história, no macrocosmo, sobre a busca da identidade – algo com que facilmente
nos relacionamos. Matt Demon é obrigatório: sua expressão facial se transforma num
quadro amplo da sua angústia em função da falta das memórias afetivas que, em
certa medida, dão sentido à vida. Mesmo as lembranças atuais acabam se tornando
um peso, quando uma tragédia lhe rouba a melhor razão para ele continuar
acreditando numa vida mais próxima do normal. An
interesting aspect of the series with Jason Bourne, each time it is revisited, is
the impression that we watched it for the first time. Here, Paul Greengrass's direction
imprints a breakneck pace, without losing the tensional flow of a story, in the
macrocosm, about the search for identity – something with which we easily
relate. Matt Damon is mandatory: his facial expression becomes a broad picture of
his anguish due to the lack of affective memories that, to a certain extent, give
meaning to life. Even current memories end up becoming a burden, when a tragedy
rips him off the best reason for him to continue believing in a life closer to normal.
Netflix.
O GUARDA-COSTAS (THE BODYGUARD, USA, 1992) – Este
é um filme em que tudo deu certo, quando o conjunto da obra parecia apontar
para um fracasso inevitável. Está ali – de uma forma talvez involuntária – algo
que atrai nossa atenção logo de início. Afinal, quem não precisa de proteção
neste mundo? Este, a meu ver, é o principal apelo de um roteiro previsível e,
convenhamos, bem pouco original. Mas nada disso importa diante da química entre
Kevin Costner e Whitney Houston (“Houston, temos um problema”), uma trilha
sonora pra lá de melosa e, especialmente para mim, a presença de Ralph Waite –
o patriarca de OS WALTONS -, também aqui vivendo a figura paterna de Costner. Ele
poderia ter tido mais tempo em cena, mas arrasa na sequência da casa no campo,
para onde Costner e Houston vão depois das ameaças começarem a escalar. O GUARDA-COSTA
invoca um sentimento primal atrelado à necessidade de se proteger
instintivamente de um perigo iminente, mas nem sempre definido, sensação mais
comum hoje do que seria o normal (aqui, abre-se a discussão sobre o que é ou
não normal). This is a film in which everything worked out, when
the body of work seemed to point to an inevitable failure. There is something that
attracts our attention right from the start. After all, who doesn't need protection
in this world? This, in my view, is the main appeal of a predictable and, let's
face it, very unoriginal script. But none of that matters in the face of the chemistry
between Kevin Costner and Whitney Houston (“Houston, we have a problem"), a
very mellow soundtrack and, especially for me, the presence of Ralph Waite – the
patriarch of THE WALTONS – also here playing Costner's father figure. He could have
had more time on the scene, but he rocks in the sequence at the country house, where
Costner and Houston go after the threats start to escalate. The BODYGUARD invokes
a primal feeling linked to the need to instinctively protect oneself from an imminent,
but not always defined, danger, a sensation more common today than would be normal
(here, the discussion about what is or is not normal is opened). HBO Max.
A IDENTIDADE BOURNE (THE BOURNE IDENTITY, USA, 2002) – Uma das grandes qualidades deste primeiro filme é uma proposta instigante:
por que temos necessidade de saber quem somos, de buscar uma identidade e,
destarte, a sensação de pertencimento? O personagem de Matt Demon (um ator obrigatório,
registre-se) passa essa necessidade de buscar suas raízes e ressignificar sua existência,
o que a maioria de nós tenta fazer na vida, de uma forma ou de outra. Isso constitui
um pilar essencial na trama, porque se trata de descobrir sua identidade para
se tornar livre de um passado que ele vai conhecendo aos poucos, na medida em
que seu retorno passa a representar um perigo para a organização em que trabalha,
por motivos que serão esclarecidos nos filmes subsequentes. Claro que o alto
nível de comprometimento de Franka Potente ajuda muito nesta empreitada. One of the great qualities of this first film is a thought-provoking proposal:
why do we need to know who we are, to search for an identity and, thus, the feeling
of belonging? Matt Demon's character (a mandatory actor, for the record) conveys
this need to seek his roots and give another sense to his existence, which most
of us try to accomplish in life, in one way or another. This constitutes an essential
pillar in the plot, because it is about discovering his identity in order to become
free of a past that he gradually gets to know, as his return comes to represent
a danger to the organization in which he works, for reasons that will be clarified
in subsequent films. Of course, Franka Potente's high level of commitment helps
a lot in this endeavor. Netflix.
PASSAGEIROS (PASSENGERS,
USA, 2016) – Sempre bem colocado na minha lista
de filmes favoritos, PASSAGEIROS é uma ficção científica que, no fundo, é uma
das mais belas histórias de amor já vistas nesta e em outras galáxias. O que
você faria se estivesse sozinho numa espaçonave a caminho de um planeta
distante a alguns anos-luz dali? Claro, procuraria um meio de ter como
companhia uma mulher inteligente e linda. É exatamente isso que Jim Preston (Chris
Pratt) faz, afinal, não em qualquer data estelar que alguém encontra Jennifer
Lawrence no papel de uma escritora com o sugestivo nome de Aurora Lane. Assim,
os dois vão se descobrindo, mas não sem antes haver uma resistência
intempestiva da parte dela, quando descobre que foi “acordada” por Jim. Há momentos
de uma beleza intangível, como na sequência de Aurora nadando na piscina da nave,
com as estrelas de fundo, ou quando Jim a encontra para um jantar romântico,
tendo apenas o bartender robô Arthur (Michael Sheen), uma mistura de ombro
amigo e filósofo de balcão, apesar do pouco tempo em cena, como testemunha. A cinematografia
é linda, assim como os atores e a mensagem final; e o roteiro acerta quando expande
a discussão da temporalidade x atemporalidade e na constatação de que a vida,
em todas as suas alegrias e tristezas, descobertas e frustrações, só pode mesmo
ser vivida no presente. Always
well placed on my list of favorite movies, PASSENGERS is a science fiction that,
deep down, is one of the most beautiful love stories ever seen in this and other
galaxies. What would you do if you were alone in a spaceship on your way to a distant
planet a few light-years away? Of course, you would look for a way to have an intelligent
and gorgeous woman for company. That's exactly what Jim Preston (Chris Pratt) does,
after all, it's not on any star date that anyone finds Jennifer Lawrence in the
role of a writer with the suggestive name of Aurora Lane. Thus, the two discover
each other, but not before there is untimely resistance on her part, when she finds
out that she was "woken up" by Jim. There are moments of intangible beauty,
as in the sequence of Aurora swimming in the ship's pool, with the stars in the
background, or when Jim meets her for a romantic dinner, with only the robot bartender
Arthur (Michael Sheen), a mixture of shoulder friend and philosopher at the counter,
despite the short time on stage, as a witness. The cinematography is beautiful,
as are the actors and the final message; And the script is right when it expands
the discussion of temporality x timelessness and in the realization that life, in
all its joys and sorrows, discoveries and frustrations, can only be lived in the
present. Prime.
O ATENTADO (THE ATTACK, Líbano, 2012) – Um cirurgião palestino descobre que
sua esposa foi responsável por um atentado que matou várias pessoas em Tel
Aviv. A história é impressionantemente atual, retratando as tensões entre
Israel e a Palestina e trazendo para a discussão um drama familiar no qual os
dois lados se equalizam na sua percepção de mundo: o marido, que não
desconfiava da participação da mulher em grupos de resistência; e a mulher cuja
vida tomou outro sentido, ao perceber as injustiças sofridas pelo povo
palestino. O clima seco, quase sufocante, das paisagens nos leva a um
envolvimento profundo com a dor do marido que perde a esposa inesperadamente e
com a sua tentativa de entender os motivos que a levaram a esse ato radical. O filme
captura sua luta interna, e os problemas e paradoxos de sua vida podem simbolizar
os conflitos entre Israel e a Palestina que resultaram, nos dias de hoje, no
genocídio do povo palestino. Um cirurgião palestino em Tel Aviv descobre que sua esposa foi responsável por um atentado que matou
várias pessoas em Tel Aviv. A história é impressionantemente atual, retratando
as tensões entre Israel e a Palestina e trazendo para a discussão um drama familiar
no qual os dois lados se equalizam na sua percepção de mundo: o marido, que não
desconfiava da participação da mulher em grupos de resistência; e a mulher cuja
vida tomou outro sentido, ao perceber as injustiças sofridas pelo povo
palestino. O clima seco, quase sufocante, das paisagens, nos leva a um
envolvimento profundo com a dor do marido que perde a esposa inesperadamente e
com a sua tentativa de entender os motivos que a levaram a esse ato radical. O
filme captura sua luta interna, e os problemas e paradoxos de sua vida podem
simbolizar os conflitos entre Israel e a Palestina que resultaram, nos dias de
hoje, no genocídio do povo palestino. A Palestinian surgeon discovers
that his wife was responsible for an attack that killed several people in Tel Aviv.
The story is impressively current, portraying the tensions between Israel and Palestine
and bringing to the discussion a family drama in which the two sides equalize in
their perception of the world: the husband, who did not suspect his wife's participation
in resistance groups; and the woman whose life took on another meaning, when she
realized the injustices suffered by the Palestinian people. The dry, almost suffocating
climate of the landscapes leads us to a deep involvement with the pain of the husband
who loses his wife unexpectedly, and with his attempt to understand the reasons that
led her to this radical act. The film captures his internal struggle, and the problems
and paradoxes of his life may symbolize the conflicts between Israel and Palestine
that resulted, in the present day, in the genocide of the Palestinian people.
OS WALTONS – TEMP 1 – 24 EPISÓDIOS (THE WALTONS, USA, 1972) - Em 1972, os Waltons chegaram às casas dos Estados Unidos em uma época que,
segundo todos os relatos, deveria ter sido um fracasso para um programa que exalava
valores familiares e integridade. A América estava abalada pelo envolvimento na
guerra do Vietnã, escândalos na Casa Branca e desobediência civil. Os programas
populares da época eram programas de talk show e variedades em horário nobre, e
'All in the Family' estava definindo o tom para a TV de ponta. Apesar disso, 'The
Waltons' estreou e rapidamente formou um público que acompanhou as 9 temporadas,
6 especiais de filmes e um lugar em nossa consciência coletiva que perdura há décadas.
No Brasil, estreou em 1974 e se tornou um sucesso até 1982. In 1972, The
Waltons arrived in the homes of America in a time that by all accounts
should have spelled failure for a show that exuded family values and
wholesomeness. America was reeling from its involvement in the Vietnam war, the scandal in the White House, and civil disobedience. Popular shows at the time
were Prime-time talk and variety shows, and 'All in the Family' was setting the
tone for cutting-edge TV. Despite that, 'The Waltons' premiered and quickly
built an audience that lasted for 9 seasons, 6 movie specials, and a place in
our collective consciousness that has lasted for decades. In Brazil, it premiered
in 1974 and became a hit until 1982.
AMOR E MORTE – 7 EPISÓDIOS (LOVE
AND DEATH, USA, 2023) – Candy (Elizabeth
Olsen), uma dona de casa infeliz no casamento, decide ter um caso com um
amigo, Allan (Jesse Plemons), também casado, ambos membros de uma igreja numa
cidadezinha do Texas. Esse argumento dá início a uma análise arguta (para quem presta
atenção) da natureza das igrejas evangélicas e sua influência deletéria em uma
comunidade sem muito apreço pela honestidade. Os personagens, em geral, são
levados por um código de conduta, digamos, bem maleável, no que diz respeito às
consequências de suas ações – é o caso de Candy, quando seduz Allan (uma
aparente não atuação de Plemons, num personagem totalmente desprovido de
emoção) e, assim, desencadeia uma série de fatos que resultam num desfecho previsível
para o adultério, bem ao estilo true crime. Mas é nos episódios finais que os processos
jurídicos se interligam com uma certa equalização ética que mistura provincianismo
e misticismo religioso. Elizabeth Olsen confirma seu talento dramático num
personagem bem distante de Wandavision. Há um filme na HULO, com a mesma história,
com Jessica Biel, mas sem a profundidade dramática e a exploração do contexto
social vistas aqui. Candy (Elizabeth Olsen), an unhappily married housewife,
decides to have an affair with a friend, Allan (Jesse Plemons), also married, both
members of a church in a small town in Texas. This argument begins a shrewd (for
those who pay attention) analysis of the nature of evangelical churches and their
deleterious influence on a community without much appreciation for honesty. The
characters, in general, are led by a code of conduct, let's say, very malleable,
concerning the consequences of their actions – this is the case of Candy, when
she seduces Allan (an apparent non-performance of Plemons, in a character totally
devoid of emotion) and, thus, triggers a series of facts that result in a predictable
outcome to adultery, in a true crime style. But it is in the final episodes that
the legal processes are intertwined with an ethical equalization that blends provincialism and religious mysticism. Elizabeth Olsen confirms her dramatic
talent in a character way far from WandaVision. There's a movie at HULO, with
the same story, with Jessica Biel, but without the dramatic depth and exploration
of the social context seen here. Netflix.
REDE DE INTRIGAS
(NETWORK, USA, 1976) – Um âncora famoso
e popular, Howard Beale (Peter Finch), diante do aviso de que vai ser demitido
– a audiência do noticiário que ele apresenta está caindo a cada dia – anuncia
no ar que vai se matar diante das câmeras dali a duas semanas. A princípio, a
direção da emissora fica em polvorosa, mas percebe que a popularidade do
programa aumenta a cada dia e resolve manter Beale no ar, dando a ele liberdade
para falar o que quiser. Este excelente filme de Sidney Lumet é premonitório em
vários aspectos, principalmente na instrumentalização da desgraça humana para
fins lucrativos e na manipulação da audiência dos programas de TV. O personagem
de Faye Dunaway, Diana Christiansen, uma executiva da emissora, sempre ávida pelos
números da audiência, disposta a tudo para atingir seus objetivos (é dela a ideia
de manter Beale no ar) tem uma importância fulcral, pois evidencia a
desumanização da empresa, sem qualquer critério razoável, e leva a história a
tangenciar a sátira ao explorar descaradamente a loucura de Beale, mesmo
questionando ao mesmo tempo os decadentes pilares éticos da televisão. O grande
Robert Duvall é outro executivo sem qualquer escrúpulo diante da possibilidade
do suicídio de Beale, e William Holden tem uma atuação estupenda, especialmente
quando começa um affair com Diana, achando que se envolver com o diabo pode ser
o amor que ele deseja, até a sua fala final, quando diz a ela: “Não há nada em
você com que eu possa conviver”. Um dos grandes filmes da Nova Hollywood. Obrigatório. A famous and popular anchor, Howard
Beale (Peter Finch), faced with the warning that he is going to be fired – the ratings
of the news he presents are falling every day – announces on the air that he will
kill himself in front of the cameras in two weeks. At first, the station's management
is in an uproar, but they realize that the popularity of the program increases every
day and decide to keep Beale on the air, giving him freedom to say whatever he wants.
This excellent film by Sidney Lumet is premonitory in several aspects, mainly in
the instrumentalization of human misfortune for profit and in the manipulation of
the audience of TV programs. Faye Dunaway's character, Diana Christiansen, an executive
at the network, always eager for audience numbers, willing to do anything to achieve
her goals (it is her idea to keep Beale on the air) has a central importance, as
it evidences the dehumanization of the company, without any reasonable criteria,
and leads the story to touch on satire by shamelessly exploring Beale's madness,
even questioning at the same time the decadent ethical pillars of television. The
great Robert Duvall is another unscrupulous executive about the possibility of Beale's
suicide, and William Holden has a stupendous performance, especially when he begins
an affair with Diana, thinking that getting involved with the devil may be the love
he wants, until his final line, when he tells her: "There is nothing in you
that I can live with". One of the great films of the New Hollywood. Mandatory.
CRÔNICA DE UM AMOR
LOUCO (STORIE DI ORDINARIA FOLLIA, Itália, 1982) – Um escritor
alcóolatra e viciado em sexo (Ben Gazarra, perfeito no papel) acorda de sua
ressaca e pega um ônibus para Los Angeles e mergulha numa orgia de bebida e
depravação sexual, até conhecer uma prostituta autodestrutiva, Cass (Ornela
Mutti, no auge da beleza) e, finalmente, encontra sentido para sua vida. Este é
o primeiro filme baseado num livro de Charles Bukowski, cuja vida é a mesma do
protagonista vivido por Gazarra. O diretor Marco Ferreri consegue criar uma
atmosfera degradante e desprezível, concentrando-se na construção de um filme
poético sobre pessoas desesperadas e, de certa forma, afetadas destrutivamente
pela vida e suas escolhas, além de filmar de uma forma minimalista bem próxima
ao estilo de Bukowski. Este é um filme imperdível, com atuações maiúsculas, uma
direção equilibrada e uma mensagem que nos faz pensar, além de sentir. An alcoholic writer and sex addict
(Ben Gazarra, perfect in the role) wakes up from his hangover and takes a bus to
Los Angeles and plunges into an orgy of drinking and sexual depravity, until he
meets a self-destructive prostitute, Cass (Ornela Mutti, at the prime of her beauty), and, finally, finds meaning in his life. This is the first film based on a book
by Charles Bukowski, whose life is the same as the protagonist played by Gazarra.
Director Marco Ferreri manages to create a degrading and sleazily atmospheric film, focusing
on the construction of a poetic film about desperate people and, in a way, destructively
affected by life and their choices, in addition to filming in a minimalist way very
close to Bukowski's style. This is a must-see film, with capital performances, a
balanced direction, and a message that makes us think, as well as feel. YouTube.
LOBO (WOLF, USA, 1994) – Jack Nicholson é um editor literário
que tem sua vida totalmente alterada depois de ter sido mordido por um lobo. Esta
premissa é muito bem aproveitada por Mike Nichols, ao desviar de uma abordagem
convencional neste tipo de história, com muito sangue e vísceras em profusão, e
apostar num tom mais psicológico e um elenco de altíssima qualidade, que conta
com Michelle Pfeiffer, no papel de Laura, filha do milionário Raymond Alden (Christopher
Plummer) e perseguida por Stewart Swinton (James Spader). A licantropia é um
tema por demais explorado no cinema. Os lobisomens violam a distinção categorial
entre seres humanos e lobos. A identidade humana e a identidade do lobo não se
fundem, mas são escalonadas. Neste filme, há uma clara intenção de apontar a
distinção entre pavor artístico e horror artístico. Este tem a repugnância como
característica central, e aquele não apresenta esta característica. O conceito
teratológico do lobisomem justifica a antinatureza do monstro e não é apenas
uma ameaça física, mas também uma ameaça cognitiva, pois desafia o saber
comum. Em LOBO, a transformação do protagonista em um lobisomem causa pavor no
próprio ser intersticial resultante deste processo – ele teme a si próprio,
quando percebe que cometeu crimes durante as noites de lua cheia e, assim, quer
proteger seu objeto amorável, Laura. Afinal, quem não uivaria para a lua,
depois de ter passado a noite com Michele Pfeiffer? Jack Nicholson is a literary editor whose life is totally changed after being bitten by a wolf. This premise is very well used by
Mike Nichols, by deviating from a conventional approach in this type of story, with
a lot of blood and viscera in profusion, and betting on a more psychological tone
and a very high-quality cast, which includes Michelle Pfeiffer, in the role of Laura,
daughter of millionaire Raymond Alden (Christopher Plummer) and pursued by Stewart
Swinton (James Spader). Lycanthropy is a theme that is overexploited in cinema.
Werewolves violate the categorical distinction between humans and wolves. Human
identity and wolf identity do not merge, but are staggered. In this film, there
is a clear intention to point out the distinction between artistic dread and artistic
horror. The latter has repugnance as a central characteristic, and the former does
not have this characteristic. The teratological concept of the werewolf justifies
the anti-nature of the monster and is not only a physical threat but also a cognitive
threat as they defy common knowledge. In WOLF, the transformation of the protagonist
into a werewolf causes dread in the interstitial being itself, resulting from this
process – he fears himself when he realizes that he committed crimes during the
nights of the full moon and, thus, wants to protect his love object, Laura. After
all, who wouldn't howl at the moon, after having spent the night with Michele Pfeiffer?
O DESTEMIDO SENHOR
DA GUERRA (HEARTBREAK RIDGE, USA, 1986) – Este filme
engraçado de Clint Eastwood nos dá a possibilidade de perceber nele os
elementos, ainda latentes, que o tornariam o excepcional diretor de hoje. O Destemido Senhor da Guerra, que ele
dirigiu em 1986, pertence a uma fase de transição na sua carreira. Escrito por
James Carabatsos, o filme nos apresenta o veterano sargento dos fuzileiros Tom
Highway, interpretado pelo próprio Eastwood. Ele é um oficial dos mais severos
e isso fez com que sua vida pessoal e seu casamento saíssem bastante
prejudicados. Perto de se aposentar, Highway termina sendo designado para
treinar um grupo de recrutas indisciplinados. O Destemido Senhor da Guerra, e
convém elogiar o belo título nacional, é um filme que nos revela um diretor
quase formado. E é por isso mesmo, uma genuína aula de cinema.This funny film by Clint Eastwood gives us the possibility to perceive in
him the elements, still latent, that would make him the exceptional director of
today. Heartbreak Ridge, which he directed in 1986, belongs to a transitional phase
in his career. Written by James Carabatsos, the film introduces us to veteran Marine
Sergeant Tom Highway, played by Eastwood himself. He is one of the strictest officers, and this has caused his personal life and his marriage to be greatly damaged. Close
to retirement, Highway ends up being assigned to train a group of unruly recruits.
Heartbreak Ridge, and it is worth praising the beautiful Portuguese title, is a
film that reveals to us an almost formed director. And it is for this very reason that it is a genuine cinema lesson. Prime.
A MOSCA (THE FLY, USA, 1986) – David
Cronenberg parte de um argumento simples, mas poderoso – a busca pela glória
comprometida pela vaidade – e o desenvolve magistralmente até à horripilante conclusão.
A MOSCA, ao lado de ALIENS, O 8º PASSAGEIRO, é um dos mais perfeitos blends de
ficção científica e horror. O diretor promove uma interação natural entre os personagens
e suas personalidades, nos levando a uma séria reflexão sobre a natureza humana
e a mortalidade. Os excelentes efeitos mecânicos fornecem também a base de uma
intensa história de amor, entrecortada de terror e tragédia, sob uma
perspectiva, digamos, minimalista. Jeff Goldblum está fenomenal no papel e
acerta na mosca (sem trocadilho) ao compor um cientista que, na medida em que vai
perdendo a forma humana, mantém intacta a sua humanidade. Ao fim, o terror
intrínseco desta história se transforma, assim como Brundle, num dos desfechos
mais tristes do cinema. David Cronenberg starts from a
simple but powerful argument – the search for glory compromised by vanity – and
masterfully develops it to its horrifying conclusion. THE FLY, along with ALIENS,
is one of the most perfect blends of science fiction and horror. The director promotes
a natural interaction between the characters and their personalities, leading us
to a serious reflection on human nature and mortality. The excellent pre-CGI effects
also provide the basis of an intense love story, interspersed with terror and tragedy,
from a, let's say, minimalist perspective. Jeff Goldblum is phenomenal in the role
and hits the nail on the head by composing a scientist who, as he loses his human
form, keeps his humanity intact. In the end, the intrinsic terror of this story
becomes, like Brundle, one of the saddest endings in cinema. Disney Plus.
A ASTRONAUTA (THE
ASTRONAUT, USA, 2025) – O Astronauta era
para ser um filme de ficção científica de horror, mas acabou não sendo nem uma
coisa nem outra. A boa atuação de Kate Mara consegue algumas sequências
sólidas, mas o filme perde momentum, na medida em que procura expandir o escopo
do roteiro. Esse tipo de história sempre vai ser uma versão atualizada – e piorada
– de ALIENS, e isso, claro, prejudica a eficácia da premissa. Tem-se a impressão
de que as evidentes restrições orçamentárias da produção não evitam os furos de
um roteiro que nunca se define claramente, comprometendo, sem remissão, a trama.
Laurence Fishburne, apesar de ter um personagem raso, consegue dar um pouco
mais de consistência à história. The Astronaut was supposed to be a horror science fiction movie, but it turned
out to be neither one thing nor the other. Kate Mara's good performance gets some
solid sequences, but the film loses momentum as it seeks to expand the scope of
the script. This type of story will always be an updated – and worsened – version
of ALIENS, and this, of course, undermines the effectiveness of the premise. One
has the impression that the evident budgetary constraints of the production do not
avoid the holes in a script that is never clearly defined, compromising, without
remission, the plot. Laurence Fishburne, despite having a shallow character, manages
to give a little more consistency to the story. Prime.
MAN ON THE RUN (USA, UK, 2026) – O documentário
sobre Paul McCartney, cobre o período de 1969 a 1981, quando o WINGS foi
dissolvido, e Paul passa novamente a ter uma carreira solo. O filme também
aborda a escalação de Linda na banda, por insistência de Paul, apesar dos
reveses já vistos com John e Yoko nos derradeiros tempos dos Beatles. Apesar da
resistência de Linda em estar no palco com Paul, ela não era uma completa
iniciante nos teclados, já que tinha estudado piano quando criança, coisa que o
documentário não cita. É uma boa chance de rever a trajetória de Paul pós-Beatles, suas angústias (a fase da bebida é mencionada) e tentativas de
recuperar a veia criativa e a vontade de colocar o pé na estrada, como no início
de sua carreira. Paul continua a ser o maior de todos. The documentary about Paul McCartney covers the period
from 1969 to 1981, when WINGS was dissolved, and Paul went on to have a solo career
again. The film also addresses the casting of Linda in the band, at Paul's insistence,
despite the setbacks already seen with John and Yoko in the last days of the Beatles.
Despite Linda's resistance to being on stage with Paul, she was not a complete novice
at the keyboards, having studied piano as a child, something the documentary does
not mention. It's a good chance to review Paul's post-Beatles trajectory, his anxieties
(the drinking phase is mentioned) and attempts to recover the creative vein and
the desire to hit the road, as at the beginning of his career. All and all, Paul
remains the greatest of all.
O AGENTE SECRETO (Brasil, USA, Holanda,
França, 2025) – A primeira sequência do filme de Kleber
Mendonça é de humor macabro e também altamente tensa, diante do olhar perplexo
do personagem de Wagner Moura. A meu ver, é isso que dá o tom para o filme que,
dali por diante, acompanha seu protagonista como se fosse uma sombra, sentindo
sua angústia, à medida em que suas esperanças parecem derreter sob o sol intenso
do Nordeste. O roteiro não tem pressa de apresentar suas ramificações, dispondo
aos poucos seus elementos, até termos a dimensão total da história. A fotografia
meio granulada nos remete aos anos 70, assim como o ritmo lento das ações e o
permanente terrorismo da ditadura no ar. Kleber Mendonça retrata de modo
natural a violência das relações sociais, numa época em que o medo, mais do que
uma reação ao ambiente hostil do país, era uma forma de se proteger do perigo
iminente atrás das ações mais simples e cotidianas como ir ao cinema, por
exemplo. Uma observação: a atuação de Wagner Moura precisa ser observada com
muita atenção, senão há uma grande chance de ser considerada menor do que
realmente é. Uma nota: último filme de Udo Kier. The first sequence of Kleber Mendonça's film is macabre
and also highly tense, in front of the perplexed look of Wagner Moura's character.
In my view, this is what sets the tone for the film that, from then on, accompanies
its protagonist as if he were a shadow, feeling his anguish, as his hopes seem to
melt under the intense sun of the Northeast. The script is in no hurry to present
its ramifications, gradually arranging its elements, until we have the full dimension
of the story. The grainy photography takes us back to the 70s, as well as the slow
pace of actions and the constant terrorism of the dictatorship in the air. Kleber
Mendonça portrays in a natural way the violence of social relations, at a time when
fear, more than a reaction to the hostile environment of the country, was a way
of protecting oneself from imminent danger behind the simplest and most everyday
actions such as going to the movies, for example. An observation: Wagner Moura's
performance needs to be watched very carefully, otherwise there is a great chance
of being considered less than it really is. A note: Udo Kier's last film.
QUANDO AS MULHERES QUEREM PROVAS (Brasil, 1975) – Mais um exemplo de um
filme desta época, em que estavam em alta o machismo, a virilidade à toda
prova, a objetificação da mulher jovem, quase liberal para os padrões daquele
período e a estilização do sexo, sempre em situações esdrúxulas e, convenhamos,
nada excitantes. Carlo Mossy, mais uma vez no papel de idiota tarado,
contracena com a bela Rossana Ghessa. A ação ( ? ) se passa em Vitória (ES),
com sequências mal conectadas e diálogos machistas, quando não completamente
sem sentido. Another example of a film from this time, in which
machismo, virility at all times, the objectification of young women, almost liberal
by the standards of that period, and the stylization of sex, always in weird and,
let’s face it, unexciting situations, were on the rise. Carlo Mossy, once again
in the role of a perverted idiot, stars alongside the beautiful Rossana Ghessa.
The action ( ? ) takes place in Vitória (ES), with poorly connected sequences and
sexist dialogues, if not completely meaningless. Canal Brasil.
SONHOS DE TREM (TRAIN DREAMS, USA, 2025) – O belíssimo trabalho de
fotografia de Adolpho Veloso só ajuda na bela construção poética do filme Clint
Bentley, com Joel Edgerton e Felicity Jones. Tudo é muito lento e sensível
nesta história sobre a luta do homem contra a natureza, em nome do progresso duvidoso,
segundo o capitalismo ianque. Além disso, o filme evoca o amor que restaura as
esperanças perdidas, a tristeza
decorrente das perdas inevitáveis da vida, emolduradas pelas lindas paisagens
que criam um ambiente imersivo do qual não há como escapar. A fotografia
sublime transforma cenas comuns em momentos emocionantes. A expressão melancólica
de Edgerton contrasta com a vibração natural de Felicity Jones, e esta
contrapartida é um elemento essencial para a força de um filme mais silencioso
do que falado, mais visual do que literário, mais emocionante do que cerebral. Belíssimo, em uma palavra. The beautiful photography work of Adolpho Veloso only helps in the beautiful
poetic construction of the film, Clint Bentley, with Joel Edgerton and Felicity Jones.
Everything is very slow and sensitive in this story about the struggle of man against
nature, in the name of dubious progress, according to Yankee capitalism. In addition,
the film evokes the love that restores lost hopes, the sadness arising from life's
inevitable losses, framed by the beautiful landscapes that create an immersive environment
from which there is no escape. Sublime photography transforms ordinary scenes into
poignant moments. Edgerton's melancholic expression contrasts with the natural vibe
of Felicity Jones, and this counterpart is an essential element for the strength
of a film that is quieter than spoken, more visual than literary, and more exciting
than cerebral. Most beautiful, in a word. Netflix.
TWO AND A HALF MEN – TEMP 3 – 23 EPISÓDIOS
(USA, 2005) – Entre os episódios mais engraçados desta temporada, o sexto, HI,
MR. HORNED ONE é o destaque – Charlie arruma uma namorada satanista, Isabella,
que envolve todos na casa. São vinte minutos de um roteiro perfeito no seu timing
e nas atuações do elenco, especialmente quando Alan tem que enfrentar a namorada
gótica de Charlie. Perfeito, do início ao fim. Among the funniest episodes this season, the sixth, HI, MR. HORNED ONE is
the highlight – Charlie gets a Satanist girlfriend, Isabella, who involves everyone
in the house. It's twenty minutes of a perfect script in its timing and in the performances
of the cast, especially when Alan has to face Charlie's goth girlfriend. Perfect
from start to the end.
E O MUNDO VAI TREMER (THE WORLD WILL
TREMBLE, USA, UK, 2025) – Baseado em relatos
reais, o filme conta a como dois prisioneiros de um campo de concentração
durante a WW2 planejam escapar, usando apenas os parcos recursos de que dispõem,
para contar para o resto do mundo o que estava acontecendo com os judeus. É uma
história pesada e bem retratada, de modo que alguns dos mais cruéis atos da história
humana parecem estar acontecendo diante dos nossos olhos (muitos estão mesmo). Direção
e cinematografia excepcionais, atuações à altura do tema e um emocionante depoimento
nos créditos finais. Based on true accounts, the film tells how two prisoners
of a concentration camp during World War II plan to escape, using only the meager resources
they have. It's a heavy and well-portrayed story, so that some of the cruelest acts
in human history seem to be happening before our eyes (many are). Exceptional direction
and cinematography, performances that live up to the theme, and an emotional testimonial
in the end credits. Netflix.
