4987 - HOMELAND - TEMP 1 - 12 EPISÓDIOS (2011)

 

HOMELAND – TEMP 1 – 12 EPISÓDIOS (HOMELAND, USA, 2011) - O maior mérito da primeira temporada é manter o espectador constantemente dividido sobre a verdadeira identidade e lealdade de Nicholas Brody (Damian Lewis). Após oito anos de cativeiro no Iraque, ele retorna aos Estados Unidos como herói nacional, mas a agente da CIA Carrie Mathison (Caire Danes) suspeita que tenha sido convertido por terroristas. Em vez de apresentar um vilão evidente, constrói um personagem complexo, traumatizado e contraditório, que pode ter se tornado outra pessoa após a guerra. O suspense não depende apenas da pergunta "Brody é culpado?", mas também de "quem ele se tornou após a guerra. A interpretação de Claire Danes como Carrie Mathison se destaca – seu personagem é brilhante, obsessivo, impulsivo e emocionalmente vulnerável. A série retrata seu transtorno bipolar sem reduzi-la a um estereótipo. Sua condição psicológica afeta seu trabalho, mas também está ligada à sua capacidade de perceber padrões que os outros ignoram. Essa complexidade confere profundidade rara a uma protagonista de thriller. A temporada reflete as ansiedades dos Estados Unidos após os ataques de 2001. Em vez de simplesmente reproduzir discursos patrióticos, questiona temas como: vigilância estatal; guerra ao terror; paranoia coletiva; limites éticos da inteligência; consequências psicológicas da guerra. Nesse sentido, Homeland funciona tanto como thriller político como estudo de caso. Damian Lewis transforma Nick Brody em um complexo universo no qual ele pode ser a vítima, herói, traidor e pai de família. O ator consegue transmitir sofrimento genuíno sem revelar completamente as intenções do personagem, elemento fundamental para o suspense da temporada. Imperdível. The greatest merit of the first season is to keep the viewer constantly divided about the true identity and loyalty of Nicholas Brody (Damian Lewis). After eight years of captivity in Iraq, he returns to the United States as a national hero, but CIA agent Carrie Mathison (Caire Danes) suspects he has been converted by terrorists. Instead of presenting an obvious villain, he builds a complex, traumatized and contradictory character, who may have become someone else after the war. The suspense doesn't just hinge on the question "Is Brody guilty?" but also on "who he became after the war. Claire Danes' portrayal of Carrie Mathison stands out – her character is brilliant, obsessive, impulsive, and emotionally vulnerable. The series portrays her bipolar disorder without reducing it to a stereotype. Her psychological condition affects her work, but it's also linked to her ability to notice patterns that others ignore. This complexity gives rare depth to a thriller protagonist. The season reflects the anxieties of the United States after the 2001 attacks. Instead of simply reproducing patriotic speeches, it questions topics such as: state surveillance, the war on terror, collective paranoia, the ethical limits of intelligence; psychological consequences of war. In this sense, Homeland works both as a political thriller and a case study. Damian Lewis transforms Nick Brody into a complex character who can be the victim, hero, traitor, and family man. The actor manages to convey genuine suffering without completely revealing the character's intentions, a fundamental element for the season's suspense. Unmissable.

4986 - UMA MENINA SILENCIOSA (2022)

UMA MENINA SILENCIOSA (AN CAILÍN CIÚIN, Irlanda, 2022) – A narrativa acompanha Cait, uma menina introvertida e tímida que é enviada para passar o verão na casa de parentes distantes em uma zona rural da Irlanda. A interação com essa nova família, especialmente com um casal de meia-idade, vai, lentamente, abrir caminhos para que Cait se conecte com suas emoções e se sinta mais segura e amada. O filme se destaca por sua abordagem intimista, onde o silêncio não é apenas ausência de palavras, mas um espaço carregado de significado e sensibilidade. A atuação da jovem atriz (Caitríona Ní Mhurchú) é muito natural e convincente, transmitindo muito da narrativa pelas expressões e gestos, em vez de diálogos extensos. A direção e a fotografia também são muito cuidadosas, usando a paisagem irlandesa como um elemento quase vivo, que contribui para a atmosfera introspectiva. O que torna o filme especialmente tocante é seu olhar delicado para as dificuldades da infância e a resiliência emocional. A forma como o filme lida com o mutismo seletivo de Cait e seu processo de crescimento emocional é feita de maneira respeitosa, evitando sentimentalismos fáceis. É uma obra que convida o espectador a desacelerar, observar e sentir, valorizando o olhar interno e o mundo emocional das crianças de forma muito humana. Em resumo, é um filme poético, suave e com um tratamento sensível de temas relevantes como o pertencimento, o silêncio e a superação das feridas emocionais. Uma produção que fica marcada por sua serenidade e pela força da sutileza. É um dos filmes mais belos e emocionantes dos últimos tempos. Prepare o lenço de papel. A SILENT GIRL (AN CAILÍN CIÚIN, Ireland, 2022) – The narrative follows Cait, an introverted and shy girl who is sent to spend the summer at the home of distant relatives in a rural area of Ireland. The interaction with this new family, especially with a middle-aged couple, will slowly open up ways for Cait to connect with her emotions and feel more secure and loved. The film stands out for its intimate approach, where silence is not just the absence of words, but a space loaded with meaning and sensitivity. The performance of the young actress (Caitríona Ní Mhurchú) is very natural and convincing, conveying much of the narrative through expressions and gestures, rather than extensive dialogues. The direction and photography are also very careful, using the Irish landscape as an almost living element, which contributes to the introspective atmosphere. What makes the film especially touching is its delicate look at childhood difficulties and emotional resilience. The way the film deals with Cait's selective mutism and her emotional growth process is done in a respectful way, avoiding easy sentimentality. It is a work that invites the viewer to slow down, observe and feel, valuing the internal look and the emotional world of children in a very human way. In short, it is a poetic, soft film with a sensitive treatment of relevant themes such as belonging, silence and overcoming emotional wounds. A production that is marked by its serenity and the strength of subtlety. It is one of the most beautiful and exciting films of recent times. Be prepared to use the tissue. Reserva Imovision.

4985 - OBSESSÃO (2025)

 OBSESSÃO (OBSSESSION, USA, 2025) – Bear (Michael Johnston) é apaixonado por Nikki (Inde Navarrette), mas é muito tímido para se declarar. Por meios mágicos, Bear usa de um encantamento para realizar seu sonho: fazê-la apaixonada por ele. Como quase todas as histórias de amor tórrido, o namoro vai se transformando em terror. Contudo, o roteiro usa de uma artimanha, a princípio nada original, mas que funciona – a inserção de comédia em uma trama sombria. Não é o terrir de Sam Raimi. É algo mais elaborado, a partir, principalmente, da extensão das cenas, que podem ocupar longos segundos quando o esperado é uma edição mais frenética. OBSESSÃO trata de um relacionamento tóxico levado aos estertores da relação dominador x dominado. No sentido diegético, não há jump scares, e sim a condução de um interesse quase mórbido do espectador pelas razões das atitudes dos personagens principais. Bear (Michael Johnston) is in love with Nikki (Inde Navarrette), but is too shy to declare himself. By magical means, Bear uses an incantation to make his dream come true: to make her fall in love with him. Like almost all torrid love stories, courtship turns into terror. However, the script uses a trick, at first unoriginal, but which works – the insertion of comedy in a dark plot. It's not Sam Raimi's terrir. It is something more elaborate, mainly based on the length of the scenes, which can occupy long seconds when a more frenetic editing is expected. OBSESSION deals with a toxic relationship taken to the death throes of the dominator x dominated relationship. In the diegetic sense, there are no jump scares, but the driving of an almost morbid interest of the viewer in the reasons for the attitudes of the main characters.

4984 - A PASSAGEM (2005)

 A PASSAGEM (STAY, USA, 2005) – Embora classificado como um drama, STAY vai muito além disso, especialmente quando insere o componente de mistério numa trama que envolve, a princípio, a tentativa de um psiquiatra de demover um paciente da ideia de se suicidar. Os dois protagonistas, Ewan McGregor (Sam, o psiquiatra) e Ryan Gosling (Henry, o paciente) fazem um interessante contraponto entre o que é realidade e o que não é. Há uma importante referência a Shakespeare no roteiro: Hamlet é ensaiada pela namorada de Henry, cujo sobrenome, “Letham”, um anagrama de “Hamlet”, já dá uma clara indicação dos caminhos a serem seguidos pelo diretor Mark Foster. Aliás, “foster”, sobrenome de Sam, é aquele que cuida, que dá proteção, no lugar do pai e da mãe – e é assim o relacionamento de Sam com Henry, já que seu pai morre, juntamente com a mãe e a namorada, num acidente de carro, na ponte do Brooklyn, na primeira sequência do filme. Henry é o único sobrevivente, e isso acarretará uma culpa da qual ele não consegue se livrar. STAY é um filme sobre como (não) lidamos com a culpa, sobre solidão, medo e os limites entre realidade e sonho, coisa que a estranha edição e montagem aparentemente anárquica emergem do filme como um abalo sísmico na nossa forma de ver o mundo. Isso é corroborado, quando o pai de Henry (o ótimo Bob Hoskins) lhe diz: “O mundo é uma ilusão”, e quando aparecem citações de um suposto pintor francês, inventado por Henry e chamado Rêveur (“sonhador” em francês). Poder-se-ia admitir semelhanças com CORAÇÃO SATÂNICO e O SEXTO SENTIDO, mas STAY parece ir além disso, ao sugerir sutilmente (talvez nem tanto) que pensemos em como será o nosso último momento de vida, aquele em que a brisa fria da morte nos acariciar os cabelos. THE PASSAGE (STAY, USA, 2005) – Although classified as a drama, STAY goes far beyond that, especially when it inserts the mystery component in a plot that involves, at first, a psychiatrist's attempt to dissuade a patient from the idea of committing suicide. The two protagonists, Ewan McGregor (Sam, the psychiatrist) and Ryan Gosling (Henry, the patient) make an interesting counterpoint between what is reality and what is not. There is an important reference to Shakespeare in the script: Hamlet is rehearsed by Henry's girlfriend, and "Letham", his surname, an anagram for "Hamlet", already gives a clear indication of the paths to be followed by director Mark Foster. By the way, "foster", Sam's last name, is the one who cares, who gives protection, in place of his father and mother – and that's Sam's relationship with Henry, since his father dies, along with his mother and girlfriend, in a car accident, on the Brooklyn Bridge, in the first sequence of the film. Henry is the only survivor, and this will entail a guilt that he cannot extricate himself from. STAY is a film about how we (don't) deal with guilt, about loneliness, fear, and the limits between reality and dream, something that the strange and apparently anarchic editing emerges from the film as a seismic shock in our way of seeing the world. This is corroborated when Henry's father (the great Bob Hoskins) tells him: "The world is an illusion", and when quotes appear from a supposed French painter, invented by Henry and called Rêveur ("dreamer" in French). One could admit similarities with ANGEL HEART and THE SIXTH SENSE, but STAY seems to go beyond that, by subtly suggesting (perhaps not so much) that we think about what our last moment of life will be like, the one in which the cold breeze of death caresses our hair.

4983 - A NOIVA (2026)

 

A NOIVA (THE BRIDE, USA, 2025) – O filme é uma homenagem a A NOIVA DE FRANKENSTEIN, DE 1935, com Boris Karloff e Elsa Lanchester, com a trama levada a Chicago da década de 30. É uma proposta ousada, meio alternativa, que só dois grandes atores como Jessie Buckley e Christian Bale seriam capazes de realizar. O roteiro irregular sofre com uma trama desconectada, um pouco pueril na tentativa de fazer uma crítica social com referências a filmes famosos (METRÓPOLIS, de Fritz Lang e JOVEM FRANKENSTEIN, de Mel Brooks, além de musicais da Metro e Bonnie & Clyde) e pontuada com mecanismos emancipatórios femininos numa sociedade claramente machista e perpassada pela ação dos gangsteres da época. Jessie Buckley – ganhadora do Oscar de Melhor Atriz este ano com HAMNET – tem um papel talhado para sua linha de atuação: histriônico, barulhento, apostando na fisicalidade de um personagem tão icônico como o monstro de Frankenstein de Bale. A criatura, como no filme seminal, está a procura de uma companheira, e a encontra como seu contraponto anímico: ele é sensível e romântico, enquanto ela é dominadora e agressiva, numa quase troca de papéis tradicionais masculinos e femininos.  Esse blending coloca, por vezes a narrativa numa trajetória confusa, dificultando o engajamento do espectador. A direção de Maggie Gyllenhaal é um tanto errática, pesando a mão em algumas sequências, como a da dança meio Elaine Banes na boate. E mais: depois que os pombinhos são soltos no mundo, tudo no filme parece desconexo, sem espaço para mais explicações ou simples contemplação, o que deixa o espectador perdido na trama. Por exemplo: por que Frank é obcecado por musicais do cinema, cujo protagonista é Roonie Reed (Jake Gyllenhaal), ou por que os detetives estão procurando Ida, a prostituta morta que dá origem à noiva? Esse e outros aspectos se perdem num torvelhinho frenético, em função da cinematografia pretensamente impactante. A Noiva fica no meio do caminho entre a comédia sutil e o terror mediano, sem ser na realidade nenhum dos dois, como uma criatura sem identidade, criada em meio ao caos criativo do filme. THE BRIDE (USA, 2025) – The film is a tribute to THE BRIDE OF FRANKENSTEIN, from 1935, with Boris Karloff and Elsa Lanchester, with the plot taken to Chicago in the 30s. It's a daring, somewhat alternative proposal, which only two great actors like Jessie Buckley and Christian Bale would be able to accomplish. The irregular script suffers from a disconnected plot, a little puerile in an attempt to make a social critique with references to famous films (Metropolis, by Fritz Lang and YOUNG FRANKENSTEIN, by Mel Brooks, as well as musicals by Metro and Bonnie & Clyde) and punctuated with female emancipatory mechanisms in a clearly sexist society permeated by the action of the gangsters of the time. Jessie Buckley – winner of the Oscar for Best Actress this year with HAMNET – has a role tailored to her line of acting: histrionic, noisy, betting on the physicality of a character as iconic as Bale's Frankenstein monster. The creature, as in the seminal film, is looking for a mate, and finds her as his soul counterpoint: he is sensitive and romantic, while she is domineering and aggressive, in an almost exchange of traditional male and female roles. This blending sometimes puts the narrative on a confusing trajectory, making it difficult for the viewer to engage. Maggie Gyllenhaal's direction is somewhat erratic, overdoing in some sequences, such as the Elaine Banes-like dance in the nightclub. What's more: after the lovebirds are released into the world, everything in the film seems disconnected, with no room for further explanation or simple contemplation, which leaves the viewer confused likewise. For example: why is Frank obsessed with movie musicals, whose protagonist is Roonie Reed (Jake Gyllenhaal), or why are the detectives pursuing Ida, the dead prostitute who gives birth to the bride? This and other aspects are lost in a frenetic whirlwind, due to the allegedly impactful cinematography. The Bride is halfway between subtle comedy and average horror, without actually being either, as a creature without identity, created in the midst of the creative chaos of the film. HBO Max.

4982 - FOME DE AMOR (2968)

 

FOME DE AMOR (Brasil, 1968) – O filme de Nelson Pereira dos Santos é uma alegoria típica das produções do período da ditadura militar no Brasil e em vários países da América do Sul, com personagens tipificados de acordo com os estratos sociais, numa forma de criticar o sistema fechado dos anos de chumbo. No entanto, o roteiro é confuso e as atuações erráticas e aparentemente sem propósito para a trama. Paulo Porto tem um personagem secundário, Arduíno Colasanti não sabe atuar, e apenas Leila Dinis e Irene Stefânia aduzem algo próximo de uma linha dramática. Nelson Pereira dos Santos' film is a typical allegory of the productions of the period of the military dictatorship in Brazil and in several South American countries, with characters typified according to social strata, in a way of criticizing the closed system of the years of lead. However, the script is confusing, and the performances are erratic and seemingly purposeless to the plot. Paulo Porto has a secondary character, Arduíno Colasanti doesn't know how to act, and only Leila Dinis and Irene Stefânia adduce something close to a dramatic line. Canal Brasil.

4981 - THE BIG C - TEMP 1 - 13 EPISÓDIOS (2010)

 

THE BIG C – TEMP 1 – 13 EPISÓDIOS (USA, 2010) – Cathy Jameson (Laura Linney, numa atuação estupenda, como sempre, aliás) é uma dona de casa que recebe um diagnóstico de câncer e mergulha numa pletora de emoções, na medida em que procura conviver com a doença e com o marido (Oliver Platt), o filho adolescente (Gabriel Basso) e o irmão naturalista (John Benjamin Hickey). Já adianto: a série não tem nada de depressiva, apesar do tema, e é conduzida com extremo bom humor deslizando sobre um roteiro arguto e, ao mesmo tempo, bittersweet e encantadoramente leve. Porém, há momentos em que o humor se encontra com a tragédia, e é exatamente aí o grande diferencial de THE BIG C: ela nos faz refletir sobre o que é realmente essencial na vida, sobre a importância das relações pessoais e o valor de viver o aqui e agora. Imperdível. Cathy Jameson (Laura Linney, in a stupendous performance, as always, by the way) is a housewife who receives a cancer diagnosis and plunges into a plethora of emotions, as she tries to live with the disease and with her husband (Oliver Platt), teenage son (Gabriel Basso) and naturalist brother (John Benjamin Hickey). I'll tell you in advance: the series is not depressive at all, despite the theme, and is conducted with extreme good humor sliding over a shrewd script and, at the same time, bittersweet and charmingly light. However, there are times when humor meets tragedy, and that's exactly where THE BIG C makes us reflect on what is really essential in life, on the importance of personal relationships and the value of living in the here and now. Unmissable. Netflix.

4980 - ESQUEÇA PARIS (1995)

 

ESQUEÇA PARIS (FORGET PARIS, USA, 1995) – Este filme escrito e dirigido por Billy Crystal é exemplo das melhores comédias dos anos 90 – bom roteiro, excelentes atuações de Crystal (Mickey), Debra Winger (Ellen) e do ótimo elenco de apoio, com Joe Mantegna e Cynthia Stevenson, e, além de tudo engraçadíssimo. De certa forma, a direção e a história nos remetem aos filmes de Woody Allen, nos quais a discussões sobre os problemas dos relacionamentos amorosos se sobressaem quase como um personagem com vida própria. A história de Mickey e Ellen é contada por diversos personagens à mesa de um restaurante, numa chave diagética original e habilmente executada. This movie, written and directed by Billy Crystal, is an example of the best comedies of the 90s – good script, excellent performances by Crystal (Mickey), Debra Winger (Ellen), and the great supporting cast, with Joe Mantegna and Cynthia Stevenson, and, above all, very funny. In a way, the direction and the story remind us of Woody Allen's films, in which discussions about the problems of love relationships stand out almost like a character with a life of its own. The story of Mickey and Ellen is told by several characters at a restaurant table, in an original and skillfully executed diagnostic key. HBO Max.

4979 - ALIEN, O OITAVO PASSAGEIRO (1979)

ALIEN, O OITAVO PASSAGEIRO (ALIEN, USA, 1977) – Ainda hoje, um dos maiores filmes de ficção científica de todos os tempos. Ridley Scott foi o responsável pelo template de todas as produções do gênero space horror, dali por diante. Um dos muitos pontos altos do roteiro é a construção artesanal do suspense, até a aparição final do xenomorfo, tendo como cenário uma espaçonave transformada num cemitério espacial, além da exploração perfeita das sombras e dos vazios da Nostromo. Even today one of the greatest science fiction films of all time. Ridley Scott was responsible for the template for all space horror productions thereafter. One of the many highlights of the script is the artisanal construction of the suspense, until the final appearance of the xenomorph, with a spaceship transformed into a space cemetery, in addition to the perfect exploration of the shadows and voids of the Nostromo. Disney Plus. 

4978 - FOI APENAS UM SONHO (2008)

FOI APENAS UM SONHO (REVOLUTIONARY ROAD, USA, 2008) – O filme de Sam Mendes reúne a dupla de Titanic, Leonardo DiCaprio e Kate Winslet, cuja química elétrica ancora este drama emocionalmente devastador sobre a deterioração de um casamento nos anos 50. Michael Shannon e Kathy Bates completam o elenco, com atuações magníficas. O roteiro extremamente crítico dos valores da sociedade estadunidense mostra o óbvio: o sonho americano é, na realidade, um pesadelo. E, por conseguinte, este falso paraíso propagado pela indústria cultural, mostrando famílias felizes, emoções harmoniosas, riqueza e prosperidade, acaba se tornando um paradigma para aspirações pessoais em várias culturas de diferentes países. É a história é sobre duas pessoas tentando lidar com suas frustrações , que têm grandes sonhos e se dão conta de que devem se sacrificá-los para poder viver suas vidas. Triste, mas real. Sam Mendes' film reunites Titanic duo Leonardo DiCaprio and Kate Winslet, whose electrical chemistry anchors this emotionally devastating drama about the deterioration of a marriage in the 1950s. Michael Shannon and Kathy Bates complete the cast, with magnificent performances. The extremely critical script of the values of American society shows the obvious: the American dream is, in reality, a nightmare. And therefore, this false paradise propagated by the cultural industry, showing happy families, harmonious emotions, wealth, and prosperity, ends up becoming a paradigm for personal aspirations in various cultures of different countries. The story is about two people trying to deal with their frustrations, who have big dreams and realize that they must sacrifice them in order to live their lives. Sad, but real.

4977 - FARRAPO HUMANO (1945)

  

FARRAPO HUMANO (THE LOST WEEKEND, USA, 1945) – O filme de Billy Wilder aborda corajosamente o alcoolismo, um tema pouco comum na década de 40. Ray Milland se entrega ao papel que talvez seja o mais importante da sua vida (certamente não é o médico louco e racista de O MONSTRO DE DUAS CABEÇAS (1972), onde tem a sua cabeça transplantada para o corpo de um homem negro (Rooselvet Grier, primo da deusa Pam). A direção e o roteiro de Wilder abordam o assunto de maneira séria, pela primeira vez, numa época em que o alcoolismo era tratado como gancho cômico no cinema. Milland dá gravitas ao papel de um homem degradado pela bebida, numa dimensão só alcançada décadas depois com Nicolas Cage, em LEAVING LAS VEGAS, cujo personagem se propõe a beber até morrer. Billy Wilder's film courageously tackles alcoholism, an uncommon theme in the 40s. Ray Milland takes the plunge and grabs perhaps the most important role of his life (it is certainly not the crazy and racist doctor in THE TWO-HEADED MONSTER (1972), where he has his head transplanted into the body of a black man (Rooselvet Grier, cousin of the goddess Pam). Wilder's direction and script address the subject seriously, for the first time, at a time when alcoholism was treated as a comic hook in cinema. Milland plays the role with sufficient gravitas to depict a man degraded by drinking, in a performance only achieved decades later with Nicolas Cage, in LEAVING LAS VEGAS, whose character proposes to drink until he dies. Oldflix.

4976 - JUVENTUDE TRANSVIADA (1955)

JUVENTUDE TRANSVIADA (REBEL WITHOUT A CAUSE, USA, 1955) – Certos aspectos do roteiro ficaram datados, mas, emocionalmente, o filme ainda encontra forças para estabelecer conexões com as gerações mais novas – tanto cronológica quanto etariamente. O filme de Nicholas Ray (REI DOS REIS, de 1961) fez de James Dean um template para a juventude rebelde em todo o mundo, em conformidade com os padrões sociais e morais da América do pós-guerra, principalmente expondo a falsa pudicícia da classe média (não só ela, claro). O trio da história, Natalie Wood, James Dean e Sal Mineo transmite um compadrio além da tela, não fosse o fato de os três terem perdido a vida em circunstâncias violentas. O fato é: dali surgiu, pela primeira vez, o conceito de uma juventude rebelde, iconoclasta em relação aos valores dos pais, o que era impensável até o final dos anos 40. Certamente, esta geração sofreu as consequências do pós-guerra, entre as quais se sobressaem o desencanto com os padrões rígidos da sociedade e um questionamento das então expectativas draconianas dos pais em relação aos filhos. Certain aspects of the script have become dated, but emotionally, the film still finds the strength to establish connections with the younger generations, both chronologically and agedly. Nicholas Ray's film (KING OF KINGS, 1961) made James Dean a template for rebellious youth around the world, in accordance with the social and moral standards of post-war America, mainly exposing the false prudishness of the middle class (not only it, of course). The trio of the story, Natalie Wood, James Dean, and Sal Mineo convey a camaraderie beyond the screen, were it not for the fact that the three lost their lives in violent circumstances. The fact is: from there emerged, for the first time, the concept of a rebellious youth, iconoclastic in relation to the values of their parents, which was unthinkable until the end of the 40s. Certainly, this generation suffered the consequences of the post-war period, among which stand out the disenchantment with the rigid standards of society and a questioning of the draconian expectations of parents in relation to their children. TC Cult.

4975 - TWO AND A HALF MEN - TEMP 4 (2007)

TWO AND A HALF MEN – TEMP 4 (USA, 2007) – Esta é uma das melhores temporadas de TAHM, com episódios engraçadíssimos, especialmente o último, no qual Evelyn termina com Teddy, para o desespero de Charlie e Alan, que passaram a adorá-lo, depois que ele os levou a Las Vegas para uma farra com picolés e prostitutas. A sequência final, com Evelyn e seu novo namorado, Hugo (Mike Connors, de Mannix), sendo surpreendidos por C e A é simplesmente antológica, principalmente pela atuação de Holland Taylor. This is one of the best seasons of TAHM, with very funny episodes, especially the last one, in which Evelyn breaks up with Teddy, much to the dismay of Charlie and Alan, who have come to adore him, after he took them to Las Vegas for a spree with popsicles and prostitutes. The final sequence, with Evelyn and her new boyfriend, Hugo (Mike Connors, from Mannix), being surprised by C and A is simply anthological, especially for Holland Taylor's performance. 

4974 - O ULTIMATO BOURNE (2007)

O ULTIMATO BOURNE (THE BOURNE ULTIMATUM, USA, 2007) - Aqui temos uma daquelas raras franquias que ficam cada vez melhores. A grande notícia é que o diretor Paul Greengrass está de volta e, diga-se, melhor do que nunca. Ele traz mais realismo e técnica nesta sequência do que no filme anterior. Matt Damon envelheceu e se envolveu no personagem de forma mais perfeita, a ponto de parecer viver o papel e realisticamente o personagem. Não consigo imaginar mais ninguém no papel neste momento. David Strathairn é simplesmente magnífico, e Julia Stiles está surpreendentemente excelente. As sequências de perseguição estão entre as melhores, e goste ou não da shaky cam, ela faz exatamente o que é necessário e nos lugares certos. A intenção é ficar na mesma vibe, enquanto assiste ao filme, o que é exatamente o objetivo. O objetivo é sentir e experimentar o que Jason Bourne está vivendo. A cinematografia funciona brilhantemente. Here we have one of those rare franchises that constantly gets better and better. The great thing about it is that Director Paul Greengrass is back and better than ever. He brings more realism and technique in this sequel than he did in the last film. Matt Damon has gotten older and into the character more perfectly to where he seems to be living the role and realistically the character. I can't really picture anyone else in the role at this point. David Strathairn is just magnificent, and Julia Stiles was surprisingly quite excellent. The chase sequences are some of the best, and they like it or hate the shaky cinematography – it does exactly what is necessary and right on point. The intent is to be agitated as you watch the film, which is exactly the point. The intent is to feel and experience what Jason Bourne is experiencing and feeling. The cinematography technique works brilliantly.

 

4973 - O CHACAL (1997)

 

O CHACAL (THE JACKAL, USA, 1997) – O filme de Michel Caton-Jones, mesmo depois de tantos anos, ainda chama atenção principalmente pelo elenco estrelado, apesar dos furos do roteiro que, hoje, não passariam tão desconsiderados como o foram na época. A presença de Sidney Poitier, na sua última atuação, evidentemente, faz qualquer filme valer a pena, não? Richard Gere e Bruce Willis, como antagonistas, parecem estrelar sozinhos seus próprios filmes, já que só contracenam na sequência final – parece ficar evidente a antipatia entre os dois quando estão frente a frente, e isso dá uma certa autenticidade à atuação dos dois. Aliás, em virtude da atual situação de saúde de Willis, vê-lo atuando neste filme é indizivelmente emocionante. Mesmo levando em consideração as falhas do roteiro, O CHACAL (refilmagem de O DIA DO CHACAL, baseado no romance de Frederick Forsyth) ainda é um bom thriller policial, principalmente por causa de seu trio de protagonistas. THE JACKAL (USA, 1997) – Michel Caton-Jones' film, even after so many years, still draws attention mainly for the star-studded cast, despite the holes in the script that, today, would not go as unnoticed as they were at the time. The presence of Sidney Poitier, in his last performance, evidently makes any film worthwhile, doesn't it? Richard Gere and Bruce Willis, as antagonists, seem to star alone in their own films, as they only act together in the final sequence – the friction between the two seems to be evident when they are face-to-face, and this gives a certain authenticity to their performance. In fact, given Willis' current health situation, seeing him acting in this film is unspeakably exciting. Even considering the flaws of the script, THE JACKAL (remake of THE DAY OF THE JACKAL, based on the novel by Frederick Forsyth) is still a good crime thriller, mainly because of its trio of protagonists.

4972 - A SUPREMACIA BOURNE (2004)

 

A SUPREMACIA BOURNE (THE BOURNE SUPREMACY, USA, 2004) – Um aspecto interessante da série com Jason Bourne, cada vez em que é revisitada, é a impressão de que a assistimos pela primeira vez. Aqui, a direção de Paul Greengrass imprime um ritmo alucinante, sem perder o fluxo tensional de uma história, no macrocosmo, sobre a busca da identidade – algo com que facilmente nos relacionamos. Matt Demon é obrigatório: sua expressão facial se transforma num quadro amplo da sua angústia em função da falta das memórias afetivas que, em certa medida, dão sentido à vida. Mesmo as lembranças atuais acabam se tornando um peso, quando uma tragédia lhe rouba a melhor razão para ele continuar acreditando numa vida mais próxima do normal. An interesting aspect of the series with Jason Bourne, each time it is revisited, is the impression that we watched it for the first time. Here, Paul Greengrass's direction imprints a breakneck pace, without losing the tensional flow of a story, in the macrocosm, about the search for identity – something with which we easily relate. Matt Damon is mandatory: his facial expression becomes a broad picture of his anguish due to the lack of affective memories that, to a certain extent, give meaning to life. Even current memories end up becoming a burden, when a tragedy rips him off the best reason for him to continue believing in a life closer to normal. Netflix.

4971 - O GUARDA-COSTAS (1992)

 

O GUARDA-COSTAS (THE BODYGUARD, USA, 1992) – Este é um filme em que tudo deu certo, quando o conjunto da obra parecia apontar para um fracasso inevitável. Está ali – de uma forma talvez involuntária – algo que atrai nossa atenção logo de início. Afinal, quem não precisa de proteção neste mundo? Este, a meu ver, é o principal apelo de um roteiro previsível e, convenhamos, bem pouco original. Mas nada disso importa diante da química entre Kevin Costner e Whitney Houston (“Houston, temos um problema”), uma trilha sonora pra lá de melosa e, especialmente para mim, a presença de Ralph Waite – o patriarca de OS WALTONS -, também aqui vivendo a figura paterna de Costner. Ele poderia ter tido mais tempo em cena, mas arrasa na sequência da casa no campo, para onde Costner e Houston vão depois das ameaças começarem a escalar. O GUARDA-COSTA invoca um sentimento primal atrelado à necessidade de se proteger instintivamente de um perigo iminente, mas nem sempre definido, sensação mais comum hoje do que seria o normal (aqui, abre-se a discussão sobre o que é ou não normal). This is a film in which everything worked out, when the body of work seemed to point to an inevitable failure. There is something that attracts our attention right from the start. After all, who doesn't need protection in this world? This, in my view, is the main appeal of a predictable and, let's face it, very unoriginal script. But none of that matters in the face of the chemistry between Kevin Costner and Whitney Houston (“Houston, we have a problem"), a very mellow soundtrack and, especially for me, the presence of Ralph Waite – the patriarch of THE WALTONS – also here playing Costner's father figure. He could have had more time on the scene, but he rocks in the sequence at the country house, where Costner and Houston go after the threats start to escalate. The BODYGUARD invokes a primal feeling linked to the need to instinctively protect oneself from an imminent, but not always defined, danger, a sensation more common today than would be normal (here, the discussion about what is or is not normal is opened). HBO Max.

4970 - A IDENTIDADE BOURNE (2002)

 

A IDENTIDADE BOURNE (THE BOURNE IDENTITY, USA, 2002) – Uma das grandes qualidades deste primeiro filme é uma proposta instigante: por que temos necessidade de saber quem somos, de buscar uma identidade e, destarte, a sensação de pertencimento? O personagem de Matt Demon (um ator obrigatório, registre-se) passa essa necessidade de buscar suas raízes e ressignificar sua existência, o que a maioria de nós tenta fazer na vida, de uma forma ou de outra. Isso constitui um pilar essencial na trama, porque se trata de descobrir sua identidade para se tornar livre de um passado que ele vai conhecendo aos poucos, na medida em que seu retorno passa a representar um perigo para a organização em que trabalha, por motivos que serão esclarecidos nos filmes subsequentes. Claro que o alto nível de comprometimento de Franka Potente ajuda muito nesta empreitada. One of the great qualities of this first film is a thought-provoking proposal: why do we need to know who we are, to search for an identity and, thus, the feeling of belonging? Matt Demon's character (a mandatory actor, for the record) conveys this need to seek his roots and give another sense to his existence, which most of us try to accomplish in life, in one way or another. This constitutes an essential pillar in the plot, because it is about discovering his identity in order to become free of a past that he gradually gets to know, as his return comes to represent a danger to the organization in which he works, for reasons that will be clarified in subsequent films. Of course, Franka Potente's high level of commitment helps a lot in this endeavor. Netflix.

4969 - PASSAGEIROS (2016)

  PASSAGEIROS (PASSENGERS, USA, 2016) – Sempre bem colocado na minha lista de filmes favoritos, PASSAGEIROS é uma ficção científica que, no fundo, é uma das mais belas histórias de amor já vistas nesta e em outras galáxias. O que você faria se estivesse sozinho numa espaçonave a caminho de um planeta distante a alguns anos-luz dali? Claro, procuraria um meio de ter como companhia uma mulher inteligente e linda. É exatamente isso que Jim Preston (Chris Pratt) faz, afinal, não em qualquer data estelar que alguém encontra Jennifer Lawrence no papel de uma escritora com o sugestivo nome de Aurora Lane. Assim, os dois vão se descobrindo, mas não sem antes haver uma resistência intempestiva da parte dela, quando descobre que foi “acordada” por Jim. Há momentos de uma beleza intangível, como na sequência de Aurora nadando na piscina da nave, com as estrelas de fundo, ou quando Jim a encontra para um jantar romântico, tendo apenas o bartender robô Arthur (Michael Sheen), uma mistura de ombro amigo e filósofo de balcão, apesar do pouco tempo em cena, como testemunha. A cinematografia é linda, assim como os atores e a mensagem final; e o roteiro acerta quando expande a discussão da temporalidade x atemporalidade e na constatação de que a vida, em todas as suas alegrias e tristezas, descobertas e frustrações, só pode mesmo ser vivida no presente. Always well placed on my list of favorite movies, PASSENGERS is a science fiction that, deep down, is one of the most beautiful love stories ever seen in this and other galaxies. What would you do if you were alone in a spaceship on your way to a distant planet a few light-years away? Of course, you would look for a way to have an intelligent and gorgeous woman for company. That's exactly what Jim Preston (Chris Pratt) does, after all, it's not on any star date that anyone finds Jennifer Lawrence in the role of a writer with the suggestive name of Aurora Lane. Thus, the two discover each other, but not before there is untimely resistance on her part, when she finds out that she was "woken up" by Jim. There are moments of intangible beauty, as in the sequence of Aurora swimming in the ship's pool, with the stars in the background, or when Jim meets her for a romantic dinner, with only the robot bartender Arthur (Michael Sheen), a mixture of shoulder friend and philosopher at the counter, despite the short time on stage, as a witness. The cinematography is beautiful, as are the actors and the final message; And the script is right when it expands the discussion of temporality x timelessness and in the realization that life, in all its joys and sorrows, discoveries and frustrations, can only be lived in the present. Prime.

4968 - O ATENTADO (2012)

  

O ATENTADO (THE ATTACK, Líbano, 2012) – Um cirurgião palestino descobre que sua esposa foi responsável por um atentado que matou várias pessoas em Tel Aviv. A história é impressionantemente atual, retratando as tensões entre Israel e a Palestina e trazendo para a discussão um drama familiar no qual os dois lados se equalizam na sua percepção de mundo: o marido, que não desconfiava da participação da mulher em grupos de resistência; e a mulher cuja vida tomou outro sentido, ao perceber as injustiças sofridas pelo povo palestino. O clima seco, quase sufocante, das paisagens nos leva a um envolvimento profundo com a dor do marido que perde a esposa inesperadamente e com a sua tentativa de entender os motivos que a levaram a esse ato radical. O filme captura sua luta interna, e os problemas e paradoxos de sua vida podem simbolizar os conflitos entre Israel e a Palestina que resultaram, nos dias de hoje, no genocídio do povo palestino. Um cirurgião palestino em Tel Aviv descobre que sua esposa foi responsável por um atentado que matou várias pessoas em Tel Aviv. A história é impressionantemente atual, retratando as tensões entre Israel e a Palestina e trazendo para a discussão um drama familiar no qual os dois lados se equalizam na sua percepção de mundo: o marido, que não desconfiava da participação da mulher em grupos de resistência; e a mulher cuja vida tomou outro sentido, ao perceber as injustiças sofridas pelo povo palestino. O clima seco, quase sufocante, das paisagens, nos leva a um envolvimento profundo com a dor do marido que perde a esposa inesperadamente e com a sua tentativa de entender os motivos que a levaram a esse ato radical. O filme captura sua luta interna, e os problemas e paradoxos de sua vida podem simbolizar os conflitos entre Israel e a Palestina que resultaram, nos dias de hoje, no genocídio do povo palestino. A Palestinian surgeon discovers that his wife was responsible for an attack that killed several people in Tel Aviv. The story is impressively current, portraying the tensions between Israel and Palestine and bringing to the discussion a family drama in which the two sides equalize in their perception of the world: the husband, who did not suspect his wife's participation in resistance groups; and the woman whose life took on another meaning, when she realized the injustices suffered by the Palestinian people. The dry, almost suffocating climate of the landscapes leads us to a deep involvement with the pain of the husband who loses his wife unexpectedly, and with his attempt to understand the reasons that led her to this radical act. The film captures his internal struggle, and the problems and paradoxes of his life may symbolize the conflicts between Israel and Palestine that resulted, in the present day, in the genocide of the Palestinian people.

4967 - OS WALTONS - TEMP 1 - 24 EPISÓDIOS (1972)

 

OS WALTONS – TEMP 1 – 24 EPISÓDIOS (THE WALTONS, USA, 1972) - Em 1972, os Waltons chegaram às casas dos Estados Unidos em uma época que, segundo todos os relatos, deveria ter sido um fracasso para um programa que exalava valores familiares e integridade. A América estava abalada pelo envolvimento na guerra do Vietnã, escândalos na Casa Branca e desobediência civil. Os programas populares da época eram programas de talk show e variedades em horário nobre, e 'All in the Family' estava definindo o tom para a TV de ponta. Apesar disso, 'The Waltons' estreou e rapidamente formou um público que acompanhou as 9 temporadas, 6 especiais de filmes e um lugar em nossa consciência coletiva que perdura há décadas. No Brasil, estreou em 1974 e se tornou um sucesso até 1982. In 1972, The Waltons arrived in the homes of America in a time that by all accounts should have spelled failure for a show that exuded family values and wholesomeness. America was reeling from its involvement in the Vietnam war, the scandal in the White House, and civil disobedience. Popular shows at the time were Prime-time talk and variety shows, and 'All in the Family' was setting the tone for cutting-edge TV. Despite that, 'The Waltons' premiered and quickly built an audience that lasted for 9 seasons, 6 movie specials, and a place in our collective consciousness that has lasted for decades. In Brazil, it premiered in 1974 and became a hit until 1982.

4966 - AMOR E MORTE - 7 EPISÓDIOS (2023)

      AMOR E MORTE – 7 EPISÓDIOS (LOVE AND DEATH, USA, 2023) – Candy (Elizabeth Olsen), uma dona de casa infeliz no casamento, decide ter um caso com um amigo, Allan (Jesse Plemons), também casado, ambos membros de uma igreja numa cidadezinha do Texas. Esse argumento dá início a uma análise arguta (para quem presta atenção) da natureza das igrejas evangélicas e sua influência deletéria em uma comunidade sem muito apreço pela honestidade. Os personagens, em geral, são levados por um código de conduta, digamos, bem maleável, no que diz respeito às consequências de suas ações – é o caso de Candy, quando seduz Allan (uma aparente não atuação de Plemons, num personagem totalmente desprovido de emoção) e, assim, desencadeia uma série de fatos que resultam num desfecho previsível para o adultério, bem ao estilo true crime. Mas é nos episódios finais que os processos jurídicos se interligam com uma certa equalização ética que mistura provincianismo e misticismo religioso. Elizabeth Olsen confirma seu talento dramático num personagem bem distante de Wandavision. Há um filme na HULO, com a mesma história, com Jessica Biel, mas sem a profundidade dramática e a exploração do contexto social vistas aqui. Candy (Elizabeth Olsen), an unhappily married housewife, decides to have an affair with a friend, Allan (Jesse Plemons), also married, both members of a church in a small town in Texas. This argument begins a shrewd (for those who pay attention) analysis of the nature of evangelical churches and their deleterious influence on a community without much appreciation for honesty. The characters, in general, are led by a code of conduct, let's say, very malleable, concerning the consequences of their actions – this is the case of Candy, when she seduces Allan (an apparent non-performance of Plemons, in a character totally devoid of emotion) and, thus, triggers a series of facts that result in a predictable outcome to adultery, in a true crime style. But it is in the final episodes that the legal processes are intertwined with an ethical equalization that blends provincialism and religious mysticism. Elizabeth Olsen confirms her dramatic talent in a character way far from WandaVision. There's a movie at HULO, with the same story, with Jessica Biel, but without the dramatic depth and exploration of the social context seen here. Netflix. 

4965 - REDE DE INTRIGAS (1976)

  

REDE DE INTRIGAS (NETWORK, USA, 1976) – Um âncora famoso e popular, Howard Beale (Peter Finch), diante do aviso de que vai ser demitido – a audiência do noticiário que ele apresenta está caindo a cada dia – anuncia no ar que vai se matar diante das câmeras dali a duas semanas. A princípio, a direção da emissora fica em polvorosa, mas percebe que a popularidade do programa aumenta a cada dia e resolve manter Beale no ar, dando a ele liberdade para falar o que quiser. Este excelente filme de Sidney Lumet é premonitório em vários aspectos, principalmente na instrumentalização da desgraça humana para fins lucrativos e na manipulação da audiência dos programas de TV. O personagem de Faye Dunaway, Diana Christiansen, uma executiva da emissora, sempre ávida pelos números da audiência, disposta a tudo para atingir seus objetivos (é dela a ideia de manter Beale no ar) tem uma importância fulcral, pois evidencia a desumanização da empresa, sem qualquer critério razoável, e leva a história a tangenciar a sátira ao explorar descaradamente a loucura de Beale, mesmo questionando ao mesmo tempo os  decadentes pilares éticos da televisão. O grande Robert Duvall é outro executivo sem qualquer escrúpulo diante da possibilidade do suicídio de Beale, e William Holden tem uma atuação estupenda, especialmente quando começa um affair com Diana, achando que se envolver com o diabo pode ser o amor que ele deseja, até a sua fala final, quando diz a ela: “Não há nada em você com que eu possa conviver”. Um dos grandes filmes da Nova Hollywood. Obrigatório. A famous and popular anchor, Howard Beale (Peter Finch), faced with the warning that he is going to be fired – the ratings of the news he presents are falling every day – announces on the air that he will kill himself in front of the cameras in two weeks. At first, the station's management is in an uproar, but they realize that the popularity of the program increases every day and decide to keep Beale on the air, giving him freedom to say whatever he wants. This excellent film by Sidney Lumet is premonitory in several aspects, mainly in the instrumentalization of human misfortune for profit and in the manipulation of the audience of TV programs. Faye Dunaway's character, Diana Christiansen, an executive at the network, always eager for audience numbers, willing to do anything to achieve her goals (it is her idea to keep Beale on the air) has a central importance, as it evidences the dehumanization of the company, without any reasonable criteria, and leads the story to touch on satire by shamelessly exploring Beale's madness, even questioning at the same time the decadent ethical pillars of television. The great Robert Duvall is another unscrupulous executive about the possibility of Beale's suicide, and William Holden has a stupendous performance, especially when he begins an affair with Diana, thinking that getting involved with the devil may be the love he wants, until his final line, when he tells her: "There is nothing in you that I can live with". One of the great films of the New Hollywood. Mandatory.

4964 - CRÔNICA DE UM AMOR LOUCO (1981)

 

CRÔNICA DE UM AMOR LOUCO (STORIE DI ORDINARIA FOLLIA, Itália, 1982) – Um escritor alcóolatra e viciado em sexo (Ben Gazarra, perfeito no papel) acorda de sua ressaca e pega um ônibus para Los Angeles e mergulha numa orgia de bebida e depravação sexual, até conhecer uma prostituta autodestrutiva, Cass (Ornela Mutti, no auge da beleza) e, finalmente, encontra sentido para sua vida. Este é o primeiro filme baseado num livro de Charles Bukowski, cuja vida é a mesma do protagonista vivido por Gazarra. O diretor Marco Ferreri consegue criar uma atmosfera degradante e desprezível, concentrando-se na construção de um filme poético sobre pessoas desesperadas e, de certa forma, afetadas destrutivamente pela vida e suas escolhas, além de filmar de uma forma minimalista bem próxima ao estilo de Bukowski. Este é um filme imperdível, com atuações maiúsculas, uma direção equilibrada e uma mensagem que nos faz pensar, além de sentir. An alcoholic writer and sex addict (Ben Gazarra, perfect in the role) wakes up from his hangover and takes a bus to Los Angeles and plunges into an orgy of drinking and sexual depravity, until he meets a self-destructive prostitute, Cass (Ornela Mutti, at the prime of her beauty), and, finally, finds meaning in his life. This is the first film based on a book by Charles Bukowski, whose life is the same as the protagonist played by Gazarra. Director Marco Ferreri manages to create a degrading and sleazily atmospheric film, focusing on the construction of a poetic film about desperate people and, in a way, destructively affected by life and their choices, in addition to filming in a minimalist way very close to Bukowski's style. This is a must-see film, with capital performances, a balanced direction, and a message that makes us think, as well as feel. YouTube.

4965 - LOBO (1994)

 LOBO (WOLF, USA, 1994) – Jack Nicholson é um editor literário que tem sua vida totalmente alterada depois de ter sido mordido por um lobo. Esta premissa é muito bem aproveitada por Mike Nichols, ao desviar de uma abordagem convencional neste tipo de história, com muito sangue e vísceras em profusão, e apostar num tom mais psicológico e um elenco de altíssima qualidade, que conta com Michelle Pfeiffer, no papel de Laura, filha do milionário Raymond Alden (Christopher Plummer) e perseguida por Stewart Swinton (James Spader). A licantropia é um tema por demais explorado no cinema. Os lobisomens violam a distinção categorial entre seres humanos e lobos. A identidade humana e a identidade do lobo não se fundem, mas são escalonadas. Neste filme, há uma clara intenção de apontar a distinção entre pavor artístico e horror artístico. Este tem a repugnância como característica central, e aquele não apresenta esta característica. O conceito teratológico do lobisomem justifica a antinatureza do monstro e não é apenas uma ameaça física, mas também uma ameaça cognitiva, pois desafia o saber comum. Em LOBO, a transformação do protagonista em um lobisomem causa pavor no próprio ser intersticial resultante deste processo – ele teme a si próprio, quando percebe que cometeu crimes durante as noites de lua cheia e, assim, quer proteger seu objeto amorável, Laura. Afinal, quem não uivaria para a lua, depois de ter passado a noite com Michele Pfeiffer? Jack Nicholson is a literary editor whose life is totally changed after being bitten by a wolf. This premise is very well used by Mike Nichols, by deviating from a conventional approach in this type of story, with a lot of blood and viscera in profusion, and betting on a more psychological tone and a very high-quality cast, which includes Michelle Pfeiffer, in the role of Laura, daughter of millionaire Raymond Alden (Christopher Plummer) and pursued by Stewart Swinton (James Spader). Lycanthropy is a theme that is overexploited in cinema. Werewolves violate the categorical distinction between humans and wolves. Human identity and wolf identity do not merge, but are staggered. In this film, there is a clear intention to point out the distinction between artistic dread and artistic horror. The latter has repugnance as a central characteristic, and the former does not have this characteristic. The teratological concept of the werewolf justifies the anti-nature of the monster and is not only a physical threat but also a cognitive threat as they defy common knowledge. In WOLF, the transformation of the protagonist into a werewolf causes dread in the interstitial being itself, resulting from this process – he fears himself when he realizes that he committed crimes during the nights of the full moon and, thus, wants to protect his love object, Laura. After all, who wouldn't howl at the moon, after having spent the night with Michele Pfeiffer?

4964 - O DESTEMIDO SENHOR DA GUERRA (1986)

 O DESTEMIDO SENHOR DA GUERRA (HEARTBREAK RIDGE, USA, 1986) – Este filme engraçado de Clint Eastwood nos dá a possibilidade de perceber nele os elementos, ainda latentes, que o tornariam o excepcional diretor de hoje. O Destemido Senhor da Guerra, que ele dirigiu em 1986, pertence a uma fase de transição na sua carreira. Escrito por James Carabatsos, o filme nos apresenta o veterano sargento dos fuzileiros Tom Highway, interpretado pelo próprio Eastwood. Ele é um oficial dos mais severos e isso fez com que sua vida pessoal e seu casamento saíssem bastante prejudicados. Perto de se aposentar, Highway termina sendo designado para treinar um grupo de recrutas indisciplinados. O Destemido Senhor da Guerra, e convém elogiar o belo título nacional, é um filme que nos revela um diretor quase formado. E é por isso mesmo, uma genuína aula de cinema. This funny film by Clint Eastwood gives us the possibility to perceive in him the elements, still latent, that would make him the exceptional director of today. Heartbreak Ridge, which he directed in 1986, belongs to a transitional phase in his career. Written by James Carabatsos, the film introduces us to veteran Marine Sergeant Tom Highway, played by Eastwood himself. He is one of the strictest officers, and this has caused his personal life and his marriage to be greatly damaged. Close to retirement, Highway ends up being assigned to train a group of unruly recruits. Heartbreak Ridge, and it is worth praising the beautiful Portuguese title, is a film that reveals to us an almost formed director. And it is for this very reason that it is a genuine cinema lesson. Prime.