REDE DE INTRIGAS
(NETWORK, USA, 1976) – Um âncora famoso
e popular, Howard Beale (Peter Finch), diante do aviso de que vai ser demitido
– a audiência do noticiário que ele apresenta está caindo a cada dia – anuncia
no ar que vai se matar diante das câmeras dali a duas semanas. A princípio, a
direção da emissora fica em polvorosa, mas percebe que a popularidade do
programa aumenta a cada dia e resolve manter Beale no ar, dando a ele liberdade
para falar o que quiser. Este excelente filme de Sidney Lumet é premonitório em
vários aspectos, principalmente na instrumentalização da desgraça humana para
fins lucrativos e na manipulação da audiência dos programas de TV. O personagem
de Faye Dunaway, Diana Christiansen, uma executiva da emissora, sempre ávida pelos
números da audiência, disposta a tudo para atingir seus objetivos (é dela a ideia
de manter Beale no ar) tem uma importância fulcral, pois evidencia a
desumanização da empresa, sem qualquer critério razoável, e leva a história a
tangenciar a sátira ao explorar descaradamente a loucura de Beale, mesmo
questionando ao mesmo tempo os decadentes pilares éticos da televisão. O grande
Robert Duvall é outro executivo sem qualquer escrúpulo diante da possibilidade
do suicídio de Beale, e William Holden tem uma atuação estupenda, especialmente
quando começa um affair com Diana, achando que se envolver com o diabo pode ser
o amor que ele deseja, até a sua fala final, quando diz a ela: “Não há nada em
você com que eu possa conviver”. Um dos grandes filmes da Nova Hollywood. Obrigatório. A famous and popular anchor, Howard
Beale (Peter Finch), faced with the warning that he is going to be fired – the ratings
of the news he presents are falling every day – announces on the air that he will
kill himself in front of the cameras in two weeks. At first, the station's management
is in an uproar, but they realize that the popularity of the program increases every
day and decide to keep Beale on the air, giving him freedom to say whatever he wants.
This excellent film by Sidney Lumet is premonitory in several aspects, mainly in
the instrumentalization of human misfortune for profit and in the manipulation of
the audience of TV programs. Faye Dunaway's character, Diana Christiansen, an executive
at the network, always eager for audience numbers, willing to do anything to achieve
her goals (it is her idea to keep Beale on the air) has a central importance, as
it evidences the dehumanization of the company, without any reasonable criteria,
and leads the story to touch on satire by shamelessly exploring Beale's madness,
even questioning at the same time the decadent ethical pillars of television. The
great Robert Duvall is another unscrupulous executive about the possibility of Beale's
suicide, and William Holden has a stupendous performance, especially when he begins
an affair with Diana, thinking that getting involved with the devil may be the love
he wants, until his final line, when he tells her: "There is nothing in you
that I can live with". One of the great films of the New Hollywood. Mandatory.
CRÔNICA DE UM AMOR
LOUCO (STORIE DI ORDINARIA FOLLIA, Itália, 1982) – Um escritor
alcóolatra e viciado em sexo (Ben Gazarra, perfeito no papel) acorda de sua
ressaca e pega um ônibus para Los Angeles e mergulha numa orgia de bebida e
depravação sexual, até conhecer uma prostituta autodestrutiva, Cass (Ornela
Mutti, no auge da beleza) e, finalmente, encontra sentido para sua vida. Este é
o primeiro filme baseado num livro de Charles Bukowski, cuja vida é a mesma do
protagonista vivido por Gazarra. O diretor Marco Ferreri consegue criar uma
atmosfera degradante e desprezível, concentrando-se na construção de um filme
poético sobre pessoas desesperadas e, de certa forma, afetadas destrutivamente
pela vida e suas escolhas, além de filmar de uma forma minimalista bem próxima
ao estilo de Bukowski. Este é um filme imperdível, com atuações maiúsculas, uma
direção equilibrada e uma mensagem que nos faz pensar, além de sentir. An alcoholic writer and sex addict
(Ben Gazarra, perfect in the role) wakes up from his hangover and takes a bus to
Los Angeles and plunges into an orgy of drinking and sexual depravity, until he
meets a self-destructive prostitute, Cass (Ornela Mutti, at the prime of her beauty), and, finally, finds meaning in his life. This is the first film based on a book
by Charles Bukowski, whose life is the same as the protagonist played by Gazarra.
Director Marco Ferreri manages to create a degrading and sleazily atmospheric film, focusing
on the construction of a poetic film about desperate people and, in a way, destructively
affected by life and their choices, in addition to filming in a minimalist way very
close to Bukowski's style. This is a must-see film, with capital performances, a
balanced direction, and a message that makes us think, as well as feel. YouTube.
LOBO (WOLF, USA, 1994) – Jack Nicholson é um editor literário
que tem sua vida totalmente alterada depois de ter sido mordido por um lobo. Esta
premissa é muito bem aproveitada por Mike Nichols, ao desviar de uma abordagem
convencional neste tipo de história, com muito sangue e vísceras em profusão, e
apostar num tom mais psicológico e um elenco de altíssima qualidade, que conta
com Michelle Pfeiffer, no papel de Laura, filha do milionário Raymond Alden (Christopher
Plummer) e perseguida por Stewart Swinton (James Spader). A licantropia é um
tema por demais explorado no cinema. Os lobisomens violam a distinção categorial
entre seres humanos e lobos. A identidade humana e a identidade do lobo não se
fundem, mas são escalonadas. Neste filme, há uma clara intenção de apontar a
distinção entre pavor artístico e horror artístico. Este tem a repugnância como
característica central, e aquele não apresenta esta característica. O conceito
teratológico do lobisomem justifica a antinatureza do monstro e não é apenas
uma ameaça física, mas também uma ameaça cognitiva, pois desafia o saber
comum. Em LOBO, a transformação do protagonista em um lobisomem causa pavor no
próprio ser intersticial resultante deste processo – ele teme a si próprio,
quando percebe que cometeu crimes durante as noites de lua cheia e, assim, quer
proteger seu objeto amorável, Laura. Afinal, quem não uivaria para a lua,
depois de ter passado a noite com Michele Pfeiffer? Jack Nicholson is a literary editor whose life is totally changed after being bitten by a wolf. This premise is very well used by
Mike Nichols, by deviating from a conventional approach in this type of story, with
a lot of blood and viscera in profusion, and betting on a more psychological tone
and a very high-quality cast, which includes Michelle Pfeiffer, in the role of Laura,
daughter of millionaire Raymond Alden (Christopher Plummer) and pursued by Stewart
Swinton (James Spader). Lycanthropy is a theme that is overexploited in cinema.
Werewolves violate the categorical distinction between humans and wolves. Human
identity and wolf identity do not merge, but are staggered. In this film, there
is a clear intention to point out the distinction between artistic dread and artistic
horror. The latter has repugnance as a central characteristic, and the former does
not have this characteristic. The teratological concept of the werewolf justifies
the anti-nature of the monster and is not only a physical threat but also a cognitive
threat as they defy common knowledge. In WOLF, the transformation of the protagonist
into a werewolf causes dread in the interstitial being itself, resulting from this
process – he fears himself when he realizes that he committed crimes during the
nights of the full moon and, thus, wants to protect his love object, Laura. After
all, who wouldn't howl at the moon, after having spent the night with Michele Pfeiffer?
O DESTEMIDO SENHOR
DA GUERRA (HEARTBREAK RIDGE, USA, 1986) – Este filme
engraçado de Clint Eastwood nos dá a possibilidade de perceber nele os
elementos, ainda latentes, que o tornariam o excepcional diretor de hoje. O Destemido Senhor da Guerra, que ele
dirigiu em 1986, pertence a uma fase de transição na sua carreira. Escrito por
James Carabatsos, o filme nos apresenta o veterano sargento dos fuzileiros Tom
Highway, interpretado pelo próprio Eastwood. Ele é um oficial dos mais severos
e isso fez com que sua vida pessoal e seu casamento saíssem bastante
prejudicados. Perto de se aposentar, Highway termina sendo designado para
treinar um grupo de recrutas indisciplinados. O Destemido Senhor da Guerra, e
convém elogiar o belo título nacional, é um filme que nos revela um diretor
quase formado. E é por isso mesmo, uma genuína aula de cinema.This funny film by Clint Eastwood gives us the possibility to perceive in
him the elements, still latent, that would make him the exceptional director of
today. Heartbreak Ridge, which he directed in 1986, belongs to a transitional phase
in his career. Written by James Carabatsos, the film introduces us to veteran Marine
Sergeant Tom Highway, played by Eastwood himself. He is one of the strictest officers, and this has caused his personal life and his marriage to be greatly damaged. Close
to retirement, Highway ends up being assigned to train a group of unruly recruits.
Heartbreak Ridge, and it is worth praising the beautiful Portuguese title, is a
film that reveals to us an almost formed director. And it is for this very reason that it is a genuine cinema lesson. Prime.
A MOSCA (THE FLY, USA, 1986) – David
Cronenberg parte de um argumento simples, mas poderoso – a busca pela glória
comprometida pela vaidade – e o desenvolve magistralmente até à horripilante conclusão.
A MOSCA, ao lado de ALIENS, O 8º PASSAGEIRO, é um dos mais perfeitos blends de
ficção científica e horror. O diretor promove uma interação natural entre os personagens
e suas personalidades, nos levando a uma séria reflexão sobre a natureza humana
e a mortalidade. Os excelentes efeitos mecânicos fornecem também a base de uma
intensa história de amor, entrecortada de terror e tragédia, sob uma
perspectiva, digamos, minimalista. Jeff Goldblum está fenomenal no papel e
acerta na mosca (sem trocadilho) ao compor um cientista que, na medida em que vai
perdendo a forma humana, mantém intacta a sua humanidade. Ao fim, o terror
intrínseco desta história se transforma, assim como Brundle, num dos desfechos
mais tristes do cinema. David Cronenberg starts from a
simple but powerful argument – the search for glory compromised by vanity – and
masterfully develops it to its horrifying conclusion. THE FLY, along with ALIENS,
is one of the most perfect blends of science fiction and horror. The director promotes
a natural interaction between the characters and their personalities, leading us
to a serious reflection on human nature and mortality. The excellent pre-CGI effects
also provide the basis of an intense love story, interspersed with terror and tragedy,
from a, let's say, minimalist perspective. Jeff Goldblum is phenomenal in the role
and hits the nail on the head by composing a scientist who, as he loses his human
form, keeps his humanity intact. In the end, the intrinsic terror of this story
becomes, like Brundle, one of the saddest endings in cinema. Disney Plus.
A ASTRONAUTA (THE
ASTRONAUT, USA, 2025) – O Astronauta era
para ser um filme de ficção científica de horror, mas acabou não sendo nem uma
coisa nem outra. A boa atuação de Kate Mara consegue algumas sequências
sólidas, mas o filme perde momentum, na medida em que procura expandir o escopo
do roteiro. Esse tipo de história sempre vai ser uma versão atualizada – e piorada
– de ALIENS, e isso, claro, prejudica a eficácia da premissa. Tem-se a impressão
de que as evidentes restrições orçamentárias da produção não evitam os furos de
um roteiro que nunca se define claramente, comprometendo, sem remissão, a trama.
Laurence Fishburne, apesar de ter um personagem raso, consegue dar um pouco
mais de consistência à história. The Astronaut was supposed to be a horror science fiction movie, but it turned
out to be neither one thing nor the other. Kate Mara's good performance gets some
solid sequences, but the film loses momentum as it seeks to expand the scope of
the script. This type of story will always be an updated – and worsened – version
of ALIENS, and this, of course, undermines the effectiveness of the premise. One
has the impression that the evident budgetary constraints of the production do not
avoid the holes in a script that is never clearly defined, compromising, without
remission, the plot. Laurence Fishburne, despite having a shallow character, manages
to give a little more consistency to the story. Prime.
MAN ON THE RUN (USA, UK, 2026) – O documentário
sobre Paul McCartney, cobre o período de 1969 a 1981, quando o WINGS foi
dissolvido, e Paul passa novamente a ter uma carreira solo. O filme também
aborda a escalação de Linda na banda, por insistência de Paul, apesar dos
reveses já vistos com John e Yoko nos derradeiros tempos dos Beatles. Apesar da
resistência de Linda em estar no palco com Paul, ela não era uma completa
iniciante nos teclados, já que tinha estudado piano quando criança, coisa que o
documentário não cita. É uma boa chance de rever a trajetória de Paul pós-Beatles, suas angústias (a fase da bebida é mencionada) e tentativas de
recuperar a veia criativa e a vontade de colocar o pé na estrada, como no início
de sua carreira. Paul continua a ser o maior de todos. The documentary about Paul McCartney covers the period
from 1969 to 1981, when WINGS was dissolved, and Paul went on to have a solo career
again. The film also addresses the casting of Linda in the band, at Paul's insistence,
despite the setbacks already seen with John and Yoko in the last days of the Beatles.
Despite Linda's resistance to being on stage with Paul, she was not a complete novice
at the keyboards, having studied piano as a child, something the documentary does
not mention. It's a good chance to review Paul's post-Beatles trajectory, his anxieties
(the drinking phase is mentioned) and attempts to recover the creative vein and
the desire to hit the road, as at the beginning of his career. All and all, Paul
remains the greatest of all.
O AGENTE SECRETO (Brasil, USA, Holanda,
França, 2025) – A primeira sequência do filme de Kleber
Mendonça é de humor macabro e também altamente tensa, diante do olhar perplexo
do personagem de Wagner Moura. A meu ver, é isso que dá o tom para o filme que,
dali por diante, acompanha seu protagonista como se fosse uma sombra, sentindo
sua angústia, à medida em que suas esperanças parecem derreter sob o sol intenso
do Nordeste. O roteiro não tem pressa de apresentar suas ramificações, dispondo
aos poucos seus elementos, até termos a dimensão total da história. A fotografia
meio granulada nos remete aos anos 70, assim como o ritmo lento das ações e o
permanente terrorismo da ditadura no ar. Kleber Mendonça retrata de modo
natural a violência das relações sociais, numa época em que o medo, mais do que
uma reação ao ambiente hostil do país, era uma forma de se proteger do perigo
iminente atrás das ações mais simples e cotidianas como ir ao cinema, por
exemplo. Uma observação: a atuação de Wagner Moura precisa ser observada com
muita atenção, senão há uma grande chance de ser considerada menor do que
realmente é. Uma nota: último filme de Udo Kier. The first sequence of Kleber Mendonça's film is macabre
and also highly tense, in front of the perplexed look of Wagner Moura's character.
In my view, this is what sets the tone for the film that, from then on, accompanies
its protagonist as if he were a shadow, feeling his anguish, as his hopes seem to
melt under the intense sun of the Northeast. The script is in no hurry to present
its ramifications, gradually arranging its elements, until we have the full dimension
of the story. The grainy photography takes us back to the 70s, as well as the slow
pace of actions and the constant terrorism of the dictatorship in the air. Kleber
Mendonça portrays in a natural way the violence of social relations, at a time when
fear, more than a reaction to the hostile environment of the country, was a way
of protecting oneself from imminent danger behind the simplest and most everyday
actions such as going to the movies, for example. An observation: Wagner Moura's
performance needs to be watched very carefully, otherwise there is a great chance
of being considered less than it really is. A note: Udo Kier's last film.
QUANDO AS MULHERES QUEREM PROVAS (Brasil, 1975) – Mais um exemplo de um
filme desta época, em que estavam em alta o machismo, a virilidade à toda
prova, a objetificação da mulher jovem, quase liberal para os padrões daquele
período e a estilização do sexo, sempre em situações esdrúxulas e, convenhamos,
nada excitantes. Carlo Mossy, mais uma vez no papel de idiota tarado,
contracena com a bela Rossana Ghessa. A ação ( ? ) se passa em Vitória (ES),
com sequências mal conectadas e diálogos machistas, quando não completamente
sem sentido. Another example of a film from this time, in which
machismo, virility at all times, the objectification of young women, almost liberal
by the standards of that period, and the stylization of sex, always in weird and,
let’s face it, unexciting situations, were on the rise. Carlo Mossy, once again
in the role of a perverted idiot, stars alongside the beautiful Rossana Ghessa.
The action ( ? ) takes place in Vitória (ES), with poorly connected sequences and
sexist dialogues, if not completely meaningless. Canal Brasil.
SONHOS DE TREM (TRAIN DREAMS, USA, 2025) – O belíssimo trabalho de
fotografia de Adolpho Veloso só ajuda na bela construção poética do filme Clint
Bentley, com Joel Edgerton e Felicity Jones. Tudo é muito lento e sensível
nesta história sobre a luta do homem contra a natureza, em nome do progresso duvidoso,
segundo o capitalismo ianque. Além disso, o filme evoca o amor que restaura as
esperanças perdidas, a tristeza
decorrente das perdas inevitáveis da vida, emolduradas pelas lindas paisagens
que criam um ambiente imersivo do qual não há como escapar. A fotografia
sublime transforma cenas comuns em momentos emocionantes. A expressão melancólica
de Edgerton contrasta com a vibração natural de Felicity Jones, e esta
contrapartida é um elemento essencial para a força de um filme mais silencioso
do que falado, mais visual do que literário, mais emocionante do que cerebral. Belíssimo, em uma palavra. The beautiful photography work of Adolpho Veloso only helps in the beautiful
poetic construction of the film, Clint Bentley, with Joel Edgerton and Felicity Jones.
Everything is very slow and sensitive in this story about the struggle of man against
nature, in the name of dubious progress, according to Yankee capitalism. In addition,
the film evokes the love that restores lost hopes, the sadness arising from life's
inevitable losses, framed by the beautiful landscapes that create an immersive environment
from which there is no escape. Sublime photography transforms ordinary scenes into
poignant moments. Edgerton's melancholic expression contrasts with the natural vibe
of Felicity Jones, and this counterpart is an essential element for the strength
of a film that is quieter than spoken, more visual than literary, and more exciting
than cerebral. Most beautiful, in a word. Netflix.
