4763 - CADA UM VIVE COMO QUER (1970)

 

 CADA UM VIVE COMO QUER (FIVE EASY PIECES, USA, 1970) – O roteiro deste filme lida com temas existenciais, coisa rara no cinema americano. Jack Nicholson é Bobby Dupea, um homem desiludido com a vida, incapaz de encontrar paz em nenhum caminho que porventura escolha seguir. Seu relacionamento com Rayette (Karen Black) reflete sua incapacidade de se manter em conexão com o outro e, por extensão, com a realidade. Bobby volta à sua cidade natal, para visitar o pai doente, com quem nunca se deu bem. Seu comportamento antissocial e sua permanente insatisfação simbolizam momentos negativos da vida de todas as pessoas, e isso pode causar desconforto ao espectador, especialmente durante a cena final, em que sua indiferença em relação ao mundo atinge seu ápice. The script of this film deals with existential themes, something rare in American cinema. Jack Nicholson is Bobby Dupea, a man disillusioned with life, unable to find peace in any path he may choose to follow. His relationship with Rayette (Karen Black) reflects his inability to stay connected to each other and, by extension, to reality. Bobby returns to his hometown to visit his sick father, with whom he never got along. His antisocial behavior and his permanent dissatisfaction symbolize negative moments in everyone's life, and this can cause discomfort to the viewer, especially during the final scene, in which his indifference to the world reaches its apex. Prime.

4762 - A FITA BRANCA (2009)

 

A FITA BRANCA (THE WHITE RIBBON, Alemanha, 2009) – Às vésperas da WW1, num vilarejo no norte da Alemanha, uma série de acontecimentos insólitos e violentos abalam o cotidiano dos seus habitantes. Um dos argumentos do filme de Michael Haneke é de ser uma alegoria sobre a origem da maldade humana e também, no caso, do nazismo assomando no horizonte. A FITA BRANCA deixa de lado as costumeiras estruturas dramáticas que discutem motivação e culpa ao redor de acontecimentos como estes e se concentra na atmosfera sombria de um momento histórico que serviu de antessala para o horror destruidor da Europa nas décadas seguintes. Haneke usa a vila alemã como um microcosmo para uma Alemanha onde a alegria e a compaixão humana inexistem nas relações cada vez menos humanas. On the eve of WW1, in a village in northern Germany, a series of unusual and violent events shake the daily lives of its inhabitants. One of the arguments of Michael Haneke's film is to be an allegory about the origin of human evil and also, in this case, Nazism looming on the horizon. THE WHITE RIBBON leaves aside the usual dramatic structures that discuss motivation and guilt around events like these and focuses on the dark atmosphere of a historical moment that served as a prelude to the destructive horror of Europe in the following decades. Haneke uses the German village as a microcosm for a Germany where human joy and compassion do not exist in increasingly fewer human relationships. Reserva Imovision.

4761 - COPACABANA ME ENGANA (1968)

 

 COPACABANA ME ENGANA (Brasil, 1968) – Marquinhos (Carlo Mossy) tem 20 anos e vive em Copacabana com os pais de classe média e o irmão mais velho. Ele não trabalha nem estuda, vive ao sabor do momento, assiste a TV, joga futebol na praia e sai de noite com sua turma, até conhecer Irene (Odete Lara), uma mulher de 40 anos que vive do outro lado da rua, e começa a ter um caso com e ver sua vida mudar por um curto tempo. Neste filme de Antônio Carlos Fontoura, há uma preocupação com uma abordagem crítica dos caminhos da juventude numa época de aguda repressão aos costumes, mas na qual também havia algumas brechas para a exploração dos hábitos sexuais das pessoas no Rio de Janeiro. O roteiro é irregular, com sequências cortadas abruptamente em alguns momentos, comprometendo o esforço do elenco em dar a devida seriedade à história. COPACABANA ME ENGANA (Brazil, 1968) – Marquinhos (Carlo Mossy) is 20 years old and lives in Copacabana with his middle-class parents and older brother. He doesn't work or study, he lives at the whim of the moment, watches TV, plays soccer on the beach and goes out at night with his class, until he meets Irene (Odete Lara), a 40-year-old woman who lives across the street, and begins to have an affair with her and sees his life change for a short time. In this film by Antônio Carlos Fontoura, there is a concern with a critical approach to the paths of youth at a time of acute repression of customs, but in which there were also some loopholes for the exploitation of the sexual habits of people in Rio de Janeiro. The script is irregular, with sequences abruptly cut at times, compromising the cast's effort to give the story its due seriousness. Canal Brasil.

4760 - LUA DE MEL E AMENDOIM (1971)

 

LUA DE MEL E AMENDOIM (BRASIL, 1971) - Comédia em dois episódios mostrando o estilo de ser do carioca e do paulista. No primeiro, "Lua de Mel e Amendoim', Alberto, Newton Prado, um rapaz de tradicional família paulista e Márcia, Rossana Ghessa, filha de industriais italianos estão à beira do casamento e da lua de mel. Uma série de situações supostamente cômicas acontece, sempre tendo como motivo a importância da performance masculina na noite de núpcias – sempre sugerida por uma linguagem cifrada, em função da censura da época. No segundo episódio, "Berenice", um playboy de Copacabana, Carlo Mossy, coleciona calcinhas de suas namoradas (bem antes de Wando) e é sustentado pela mãe, uma socialite cheia de amantes. Tudo muda na sua vida ao conhecer uma jovem chamada Berenice (Renata Sorrah, impressionante bela e com uma atitude mais próximas dos dias contemporâneos, em comparação com o estilo das meninas da época). O personagem de Mossy – um playboy desmiolado, cuja vida é mudada a partir do encontro com uma mulher – é parecido com o seu em COPACABANA ME ENGANA, de 1968, no qual ele, também playboy e descerebrado, tem a vida transformada quando encontra, no caso, uma mulher mais velha, mas tão fascinante quanto Renata Sorrah, (Odete Lara). Comedy in two episodes showing the style of being of the carioca and the paulista. In the first, "Honeymoon and Peanuts", Alberto, Newton Prado, a boy from a traditional São Paulo family and Márcia, Rossana Ghessa, daughter of Italian industrialists are on the verge of marriage and honeymoon. A series of supposedly comical situations occurs, always having as a motive the importance of male performance on the wedding night – generally suggested by a coded language, due to the censorship of the time. In the second episode, "Berenice", a playboy from Copacabana, Carlo Mossy, collects his girlfriends' panties (well before Wando) and is supported by his mother, a socialite full of lovers. Everything changes in his life when he meets a young woman named Berenice (Renata Sorrah, impressively beautiful and with an attitude closer to the contemporary days, compared to the style of girls at the time). Mossy's character – a brainless playboy, whose life is changed after meeting a woman – is similar to his in COPACABANA ME ENGANA, from 1968, in which he, also a playboy and stupid, has his life transformed when he meets, in this case, an older woman, but as fascinating as Renata Sorrah, (Odete Lara). Canal Brasil.

4759 - EU SOU CARLOS IMPERIAL (2015)

 

EU SOU CARLOS IMPERIAL (Brasil, 2015) – Documentário sobre Carlos Imperial, seguindo a estrutura tradicional deste tipo de produção: entrevistas com amigos, clips de programas de TV e depoimentos do personagem central em várias fases de sua vida, digamos, atribulada e sem muitos freios. Imperial foi responsável pelo início de carreira de vários artistas (Roberto Carlos, o principal deles), mas também se envolveu em diversas polêmicas, das quais fez seu marketing pessoal. Impressiona o testemunho de seu filho, claramente prejudicado por uma criação indigente e irresponsável.  Documentary about Carlos Imperial, following the traditional structure of this type of production: interviews with friends, clips from TV shows and testimonies of the central character in various phases of his life, let's say, troubled and without many brakes. Imperial was responsible for the beginning of the careers of several artists (Roberto Carlos, the most important), but he was also involved in several controversies, of which he did his personal marketing. The testimony of his son, clearly harmed by an indigent and irresponsible upbringing, is impressive.

4758 - BEBEL, GAROTA PROPAGANDA (1968)

 

BEBEL, GAROTA PROPAGANDA (Brasil, 1968) - O filme brasileiro "Bebel, Garota Propaganda" foi lançado em 1968, não em 1967. É um filme do gênero drama dirigido por Maurice Capovilla, com roteiro baseado no romance "Bebel, que a Cidade Comeu" de Ignácio de Loyola Brandão. O filme retrata a ascensão e queda de uma garota propaganda em São Paulo, explorando temas como ambição, fama e relacionamentos. O filme foi lançado em 1968, com locações no Guarujá, em São Paulo. Houve problemas com a censura na época do lançamento, devido a uma cena de agressão a um deputado. O filme é estrelado por Rossana Ghessa, John Herbert e Paulo José. Este é um filme bem feito, com uma direção criativa, sem a exploração superficial da mudança de costumes, como acontecia com roteiros de outras produções da época. Há a tentativa de levar a sério o papel da mulher na propaganda, embora a história se perca em soluções fáceis no seu terço final. The Brazilian film "Bebel, Garota Propaganda" was released in 1968, not 1967. It is a drama film directed by Maurice Capovilla, with a screenplay based on the novel "Bebel, que a Cidade Comeu" by Ignácio de Loyola Brandão. The film portrays the rise and fall of a poster girl in São Paulo, exploring themes such as ambition, fame and relationships. The film was released in 1968, with locations in Guarujá, in São Paulo. There were problems with censorship at the time of release, due to a scene of aggression against a deputy. The film stars Rossana Ghessa, John Herbert and Paulo José. This is a well-made film, with a creative direction, without the superficial exploration of changing customs, as happened with scripts of other productions of the time. There is an attempt to take seriously the role of women in advertising, although the story gets lost in easy solutions in its final third. Canal Brasil.

4757 - O MATADOR (1950)

 

O MATADOR (THE GUNFIGHTER, USA, 1950) - Gregory Peck é Jimmy Ringo (certamente o outro Ringo mais famoso, em Liverpool, à época, viu esse filme), o gatilho mais rápido de todo o Oeste, volta à sua cidade natal, para se reconciliar com o grande amor de sua vida e seu filho. Por trás deste western psicológico, há uma história romântica de quem não teria como vivê-la na sua plenitude. Ringo tem uma vida pregressa de mortes e desafetos e, como ele mesmo diz, ele não procura os problemas – os problemas o procuram. Peck dá uma dimensão melancólica ao personagem, um matador cansado da vida ao largo da lei (ele só tem 35 anos, uma idade provecta no Velho Oeste), cujo maior sonho é se aposentar da matança e voltar para a esposa e o filho que mal conhece. Claro, as circunstâncias da cidade lhe são adversas, além de ter um alvo nas suas costas, e Ringo parece se resignar em ser um eterno fora da lei. Daí, o filme pode ser analisado sob o ponto de vista da discussão sobre o destino na vida das pessoas. Ringo tem uma vida de matador, como era comum no velho oeste, mas se distingue por ser um assassino com uma conduta ética: “Nunca aponte uma arma para alguém desarmado”, ele diz para o filho, enquanto a criança manipulava seu revólver. Assim, o roteiro humaniza o personagem – ele quer se reconectar com a família, como um bom cidadão, e se mostra arrependido de ter tantas mortes nas costas. Apesar disso, ele não consegue se livrar de situações nas quais ele precisa continuar matando, para sobreviver e proteger pessoas inocentes. Ou seja, o filme aponta para uma redenção impossível para aqueles que estão fora dos padrões da lei, numa visão conservadora e punitiva, segundo a qual só a própria morte o libertaria deste passado marcado por sangue.  Gregory Peck is Jimmy Ringo (certainly the other most famous Ringo in Liverpool at the time saw this movie), the fastest trigger in the entire West, returns to his hometown to reconcile with the great love of his life and his son. Behind this psychological western, there is a romantic story of those who would not be able to live it to the fullest. Ringo has a previous life of killing and disaffection and, as he himself says, he does not look for problems – problems look for him. Peck gives a melancholic dimension to the character, a killer tired of life outside the law (he is only 35 years old, an old age in the Wild West), whose biggest dream is to retire from killing and return to his wife and son he barely knows. Of course, the circumstances of the city are adverse to him, in addition to having a target on his back, and Ringo seems to resign himself to being an eternal outlaw. Hence, the film can be analyzed from the point of view of the discussion about destiny in people's lives. Ringo has a killer's life, as was common in the old west, but he is distinguished by being a killer with an ethical conduct: "Never point a gun at someone unarmed," he says to his son, while the child manipulated his revolver. Thus, the script humanizes the character – he wants to reconnect with his family, as a good citizen, and shows regret for having so many deaths on his back. Despite this, he can't get out of situations in which he needs to keep killing, to survive and protect innocent people. In other words, the film points to an impossible redemption for those who are outside the standards of the law, in a conservative and punitive vision, according to which only death itself would free him from this past marked by blood. Prime.

4756 - WARNER - 100 ANOS - 4 EPISÓDIOS - (2023)

 WARNER, 100 ANOS – 4 EPISÓDIOS - (100 YEARS OF WARNER BROS, USA, 2023) - Minissérie narrada por Morgan Freeman contando a história dos quatro irmãos fundadores do estúdio e seus sucessos. Há a clara tendência em edulcorar a trajetória da companhia, escondendo, aqui e ali, os inevitáveis fracassos, coisa normal num documentário oficial. As entrevistas com atores e diretores são interessantes na sua maioria. O primeiro episódio é sobre os irmãos Warner, e os outros se limitam a longos clips dos filmes de maior expressão do estúdio. Miniseries narrated by Morgan Freeman telling the story of the four founding brothers of the studio and their successes. There is a clear tendency to sweeten the company's trajectory, hiding, here and there, the inevitable failures, a normal thing in an official documentary. The interviews with actors and directors are mostly interesting. The first episode is about the Warner brothers, and the others are limited to long clips from the studio's most expressive films. Prime.

4755 - OS BOAS-VINDAS (1953)

 

OS BOAS-VIDAS (I VITELLONI, Itália, 1953) – No meio do caminho entre o neo e o surrealismo, Fellini fez esse libelo à juventude, com evidentes laivos autobiográficos. Quatro rapazes vivem numa pequena vila, sem empregos, namorando e vivendo às expensas das próprias famílias. Encapsulados num modo adolescente, passam os dias sonhando e tentando lidar com as inevitáveis frustrações. Fellini não dá pistas sobre as circunstâncias sobre o comportamento errático e irresponsável dos quatro protagonistas, deixando para o espectador a devida reflexão sobre os motivos de cada um. OS BOAS-VIDAS, entre tantas qualidades, mostra a sociedade italiana em reconstrução no pós-guerra, sem a dramaticidade dos filmes neorrealistas, mas ainda com as incertezas existenciais pendentes sobre a juventude de um país que, como se viu, não perdeu sua alegria característica. Atenção para Lida Baarová, atriz tcheca, marcada pelo romance com Joseph Goebbels. Halfway between neo and surrealism, Fellini made this libel to the youth, with evident autobiographical hints. Four boys live in a small village, without jobs, dating and living at the expense of their own families. Encapsulated in a teenage mode, they spend their days dreaming and trying to deal with the inevitable frustrations. Fellini gives no clues about the circumstances about the erratic and irresponsible behavior of the four protagonists, leaving it to the viewer to reflect on the motives of each one. I VITELLONI, among so many qualities, shows Italian society under reconstruction in the post-war period, without the drama of neorealist films, but still with the existential uncertainties hanging over the youth of a country that, as it turned out, has not lost its characteristic joy. Attention to Lida Baarová, Czech actress, marked by her romance with Joseph Goebbels. TC Cult.

4754 - PAMELA: A LOVE STORY (2023)

     PAMELA ANDERSON, UMA HISTÓRIA DE AMOR (USA, 2023) – Documentário longo demais sobre a vida, digamos, agitada de Pamela, desde a Playboy, passando por Baywatch e, inevitavelmente, a fita de sexo com Tommy Lee. O roubo da fita e a subsequente exposição indesejada a prejudicou muito mais na carreira, associando-a a um personagem visto apenas como objeto sexual, mas, por outro lado, a deixou em evidência durante todos esses anos, até hoje, quando, estranhamente, se normalizou esse tipo de exposição de intimidade. Fica a impressão de uma vida amorosa acidentada, sempre com parceiros problemáticos, algo assim parecido com a trajetória de Diana. Pamela se mostra como uma mulher à procura de um grande amor, meio ingênua até, numa atitude meio adolescente, acentuada pela voz infantilizada, como a de Marylin. A notícia sobre seu namoro com Liam Neeson pode ser o tão sonhado caminho para a felicidade tão buscada por ela. Torçamos pelos dois. Too long a documentary about Pamela's eventful life, from Playboy, through Baywatch and, inevitably, the sex tape with Tommy Lee. The theft of the tape and the subsequent unwanted exposure harmed her much more in her career, associating her with a character seen only as a sexual object, but, on the other hand, left her in evidence during all these years, until today, when, strangely, this type of exposure of intimacy has been normalized. There is the impression of a bumpy love life, always with problematic partners, something similar to Diana's trajectory. Pamela shows herself as a woman looking for a great love, a little naïve even, in a half-adolescent attitude, accentuated by her childish voice, like Marilyn's. Netflix. 

4753 - NÃO FALE O MAL (2022)

 

NÃO FALE O MAL (SPEAK NO EVIL, Dinamarca, 2022) – O diretor Christian Tafdrup consegue um nível de desconforto e crítica social inexistente na versão americana de James Watkins, com James McAvoy. Aqui, a atmosfera de tensão vai crescendo a cada cena, colocando em perspectiva a dicotomia civilização e barbárie, num contexto aparentemente banal, no qual duas famílias começam uma amizade durante as férias, até uma delas, a dinamarquesa, é convidada para passar uns dias na casa da outra, no interior da Holanda. Esta versão original é muito mais violenta e ácida, propondo uma reflexão sobre a natureza das aproximações sociais sem levar em conta os riscos imanentes a territórios não mapeados. Os detalhes perturbadores vão se acumulando de forma a impedir qualquer movimento excêntrico – no sentido de se desviar do centro dos conflitos -, até a total imersão num horror psicológico assustadoramente possível no cotidiano de qualquer um. Director Christian Tafdrup achieves a level of discomfort and social criticism that does not exist in the American version of James Watkins, with James McAvoy. Here, the atmosphere of tension grows with each scene, putting into perspective the dichotomy of civilization and barbarism, in an apparently banal context, in which two families start a friendship during the holidays, until one of them, the Dane, is invited to spend a few days at the other's house, in the interior of the Netherlands. This original version is much more violent and acidic, proposing a reflection on the nature of social approximations without considering the risks immanent in unmapped territories. The disturbing details accumulate in order to prevent any eccentric movement – in the sense of deviating from the center of the conflicts – until total immersion in a psychological horror frighteningly possible in anyone's daily life. Reserva Imovision.

4752 - GOSTO DE CEREJA (1997)

 

GOSTO DE CEREJA (TA’M E GUILASS, Irã, 1997) – Um homem circula pelas paisagens áridas de Teerã oferecendo dinheiro a quem aceite enterrá-lo após o suicídio. O diretor Abbas Kiarostami parte desta premissa simples, mas intrigante, evita o drama, os diálogos explicativos e as imagens espetaculares, para instalar o silêncio e as pausas como marcadores narrativos estruturais. O roteiro não revela os motivos do protagonista – um homem comum, com olhar passivo, sem qualquer aparente motivo para uma atitude tão radical. Aí, entra o jogo sutil do diretor, ao nos colocar como um dos passageiros abordados pelo personagem principal, um homem sem vida procurando a própria morte. Não há aparentemente uma lógica emocional capaz de alinhavar uma história tão insólita, na qual a proposição se coloca como o drive mais importante, mesmo causando um estranhamento diverso em cada não resposta recebida por ele. Kiarostami filma de modo intenso, quase minimalista também, predominantemente de dentro do carro do protagonista, provocando no espectador a mesma sensação de angústia e silencioso desespero, e isso se intensifica com a paisagem árida e sinuosa do começo até o terço final do filme, quando passamos a observar laivos de vegetação, construções mais harmonizadas com o espaço físico, grupos de pessoas aparentemente mais felizes. Esta mudança da paisagem coincide com o terceiro passageiro e sua frase definitiva: “Se você se matar, não mais sentirá o gosto das cerejas”. Há, aí, um espaço ético entre proposta e resposta, entre o desejo de morrer e o direito de não julgar. O filme se instala neste intervalo, e nele se define, sem fechamento, clímax ou resolução dramática. Uma obra-prima.  A man roams the arid landscapes of Tehran offering money to anyone who agrees to bury him after suicide. Director Abbas Kiarostami starts from this simple but intriguing premise, avoiding drama, explanatory dialogues and spectacular images, to install silence and pauses as structural narrative markers. The script does not reveal the protagonist's motives – an ordinary man, with a passive gaze, without any apparent reason for such a radical attitude. Then comes the director's subtle game, as he places us as one of the passengers approached by the main character, a lifeless man looking for his own death. There is apparently no emotional logic capable of stitching together such an unusual story, in which the proposition is placed as the most important drive, even causing a different strangeness in each non-response received by him. Kiarostami films in an intense, almost minimalist way as well, predominantly from inside the protagonist's car, provoking in the viewer the same feeling of anguish and silent despair, and this is intensified with the arid and sinuous landscape from the beginning to the final third of the film, when we start to observe traces of vegetation, constructions more in harmony with the physical space, groups of people apparently happier. This change in the landscape coincides with the third passenger and his definitive phrase: "If you kill yourself, you will no longer taste the cherries." There is an ethical space between proposal and response, between the desire to die and the right not to judge. The film settles in this interval, and defines itself in it, without closure, climax or dramatic resolution. A masterpiece. Reserva Imovision.

4751 - UM DIA NO PARAÍSO (2003)

 UM DIA NO PARAÍSO (UN DÍA EM EL PARAÍSO, Argentina, 2003) – Guillermo Francella é obrigatório. Nesta comédia romântica, ele é um fotógrafo apaixonado por uma modelo, para quem ele inventa algumas histórias para glamorizar sua vida, aparentemente pouco interessante. Por outro lado, ela também não conta toda a verdade sobre si, achando, da mesma forma, pouco atraente para ele. Sim, há diversas situações pouco críveis, muitos desencontros casuais e um desfecho previsível, mas ainda é uma produção, mesmo que menor, do excelente cinema argentino, desta vez fazendo uma discussão – sim, meio superficial – sobre o valor da verdade na construção das relações verdadeiras. Guillermo Francella is mandatory. In this romantic comedy, he is a photographer in love with a model, for whom he invents some stories to glamorize his seemingly uninteresting life. On the other hand, she also doesn't tell the whole truth about herself, finding it unattractive to him. Yes, there are several unbelievable situations, many casual mismatches and a predictable outcome, but it is still a production, even if smaller, of the excellent Argentine cinema, this time making a discussion – yes, somewhat superficial – about the value of truth in the construction of true relationships. Prime.

4750 - CABO DO MEDO (1991)

 

 CABO DO MEDO (CAPE FEAR, USA, 1991) – O filme de Martin Scorsese envelheceu mal. Apesar do bom desempenho de Robert de Niro, como um psicopata em busca de vingança, a história se perde em situações ilógicas (quem tenta se esconder de um maníaco dentro de um barco, no meio de uma tempestade?) e atuações bem fraquinhas, como a de Jessica Lange – quase o tempo todo e de Nick Nolte, em alguns momentos. As presenças-relâmpago de Robert Mitchum, Gregory Peck e de Martin Balsam mais parecem um favor ao amigo diretor do que justificáveis dentro da trama: não agregam em nada e diminuem a estatura mítica dos veteranos astros. Juliette Lewis faz uma adolescente desmiolada, cujo comportamento, por si só inexplicável, não tem nada a ver com o roteiro. É um Scorsese menor, sem o brilho de outras obras do diretor. Martin Scorsese's film has aged badly. Despite Robert de Niro's good performance as a psychopath seeking revenge, the story gets lost in illogical situations (who tries to hide from a maniac inside a boat, in the middle of a storm?) and very weak performances, such as Jessica Lange's – almost all the time - and Nick Nolte's, at times. The fast presences of Robert Mitchum, Gregory Peck and Martin Balsam seem more like a favor to their director friend than justifiable within the plot: they add nothing and diminish the mythical stature of the veteran stars. Juliette Lewis plays a brainless teenager, whose behavior, in itself inexplicable, has nothing to do with the script. It is a smaller Scorsese, without the brilliance of other works by the director. Prime.

4749 - JIM DAS SELVAS NA TERRA PROIBIDA (1952)

 

JIM DAS SELVAS NA TERRA PROIBIDA (JUNGLE JIM IN THE FORBIDDEN LAND, USA, 1952) – Johnny Weissmuller estrelou vários filmes de sucesso para a MGM, no papel de Tarzan nos anos 30 e 40. Em 1952, já meio fora de forma, ele aceitou fazer um genérico do personagem famoso, pois os produtores destes filmes não tinham os direitos da criação de Edgar Rice Burroughs. Daí, então, Weissmuller assumiu o Jim das Selvas, cujos direitos autorais eram muito mais baratos, além de ser um herói com mais roupas, o que o ajudou a esconder os quilos extras da meia-idade. Neste filme, a parte mais curiosa é constatar sua voz fraca, quase infantil, totalmente em desacordo com a imagem do então Rei das Selvas. Ainda bem que Tarzan quase não falava. Johnny Weissmuller starred in several successful films for MGM, in the role of Tarzan in the 30s and 40s. In 1952, already out of shape, he agreed to make a generic of the famous character, as the producers of these films did not have the rights to Edgar Rice Burroughs' creation. Then Weissmuller took on Jungle Jim, whose royalties were much cheaper, as well as being a hero with more clothes, which helped him hide the extra pounds of middle age. In this film, the most curious part is to see his weak, almost childlike voice, totally at odds with the image of the then King of the Jungles. Good thing Tarzan hardly spoke. YouTube.

4748 - THE KNICK - 10 EPISÓDIOS (2014)

 

THE KNICK – 10 EPISÓDIOS - (USA, 2014) – Steven Soderbergh é um diretor excepcional, assim como esta série. Além disso, Clive Owen é obrigatório – ele é John Thackeray, um cirurgião no início do século passado, num hospital em Nova Iorque. Andre Holland, um ator fabuloso, é o Dr. Algernon, um cirurgião negro graduado em Harvard e com grande experiência em hospitais em Paris, recém-chegado ao hospital, precisando enfrentar o preconceito dos outros médicos. Essa dinâmica entre os dois médicos talentosos, mas de origem social diferentes, dá margem a discussões sobre o elitismo da medicina, a exclusão da população negra e pobre da cidade e o preconceito racial – tudo muito atual, ao levarmos em conta a caótica realidade americana sob os arreganhos autoritários de Donald. Esta série é uma das melhores produções dos últimos tempos.  Steven Soderbergh is an exceptional director, and so is this series. In addition, Clive Owen is a must – he is John Thackeray, a surgeon at the beginning of the last century, in a hospital in New York. Andre Holland, a fabulous actor, is Dr. Algernon, a black surgeon with a Harvard degree and great experience in hospitals in Paris, newly arrived at the hospital, needing to face the prejudice of other doctors. This dynamic between the two talented doctors, but from different social backgrounds, gives rise to discussions about the elitism of medicine, the exclusion of the city's black and poor population, and racial prejudice – all very current, when we consider the chaotic American reality under Donald's authoritarian outbursts. This series is one of the best productions of recent times. Prime.

4747 - PECADORES (2025)

PECADORES (SINNERS, USA, 2025) – O filme de Ryan Coogler é uma homenagem à música negra americana nos anos 30 e ao seu sentido de consolidação da cultura e da influência da população negra em contrapartida com os preconceitos de uma sociedade incapaz de reconhecer, como acontece atualmente, a importância de seus imigrantes. PECADORES segue a linha do surrealismo negro, tendência maravilhosa surgida no cinema nos últimos tempos, como nos filmes de Jordan Peele, e também na literatura, como o escritor americano Henry Dumas. Atenção para a cena no bar de blues, na qual várias gerações de músicos e gêneros negros coexistem numa cena inesquecível. A inserção do elemento vampiresco levanta questões essenciais: o americano típico, preconceituoso e violento também sugou a força física, a cultura rica e a musicalidade natural da população negra, como nosferatus bonzinhos, supostos cidadãos de bem, protetores dos valores cristãos das famílias, mas capazes de tirar impiedosamente o sangue de quem eles odeiam e, ao mesmo tempo, se apropriar das suas almas, porque, no fundo, não as têm. Às vezes, só o surreal é capaz de explicar o real. Ryan Coogler's film is a tribute to black American music in the 30s and its sense of consolidation of culture and the influence of the black population in contrast to the prejudices of a society unable to recognize, as it currently happens, the importance of its immigrants. SINNERS follows the line of black surrealism, a wonderful trend that has emerged in cinema in recent times, such as in the films of Jordan Peele, and also in literature, such as the American writer Henry Dumas. Attention to the scene in the blues bar, in which several generations of black musicians and genres coexist in an unforgettable scene. The insertion of the vampire element raises essential questions: the typical, prejudiced and violent American also sucked the physical strength, the rich culture and the natural musicality of the black population, as good nosferatus, supposed good citizens, protectors of the Christian values of families, but capable of mercilessly drawing the blood of those they hate and, at the same time, appropriate their souls, because, deep down, they do not have them. Sometimes, only the surreal is able to explain the real. Max.

4746 - SÉTIMO (2013)

 

SÉTIMO (SÉPTIMO, Argentina, 2013) – Ricardo Darín é obrigatório. Neste filme, ele é um pai divorciado e, durante uma visita aos seus dois filhos, ele os perde de vista e precisar desvendar o mistério do seu desaparecimento. Esta produção não ds melhores do cinema argentino, embora esteja muitíssimo acima da média dos filmes brasileiros – e essa comparação se impõe porque, mesmo com uma história menos propícia à narrativa fílmica, os argentinos são muito superiores, quando nós, em muitas oportunidades, deixamos de explorar boas situações do nosso cotidiano. Por exemplo, SÉTIMO se passa num prédio de apartamentos (há vários filmes brasileiros com o mesmo cenário, mas realizados sem igual competência), e o personagem central, Darín, é o catalizador das ações propositivas, deparando-se com plot twists e tensão constante, bem ao estilo de Hitchcock. Ricardo Darín is mandatory. In this film, he is a divorced father and, during a visit to his two children, he loses sight of them and needs to unravel the mystery of their disappearance. This production is not the best of Argentine cinema, although it is far above the average of Brazilian films – and this comparison is imposed because, even with a story less conducive to the filmic narrative, Argentines are much superior, when we, on many occasions, fail to explore good situations of our daily lives. For example, SEVENTH takes place in an apartment building (there are several Brazilian films with the same setting, but made without equal competence), and the central character, Darín, is the catalyst for propositional actions, facing plot twists and constant tension, very much in the style of Hitchcock. Prime.

4745 - AURA (2005)

 

AURA (EL AURA, Argentina, 2005) – Ricardo Darín é obrigatório. Ele é Espinoza, um tímido taxidermista epilético, desiludido com a vida, até viajar para a Patagônia e acidentalmente matar um homem e assumir os planos deste para um assalto a banco. A atmosfera noir e a (sempre) excepcional atuação de Darín são o ponto alto do filme. De fato, seu personagem lembra um pouco o herói perdedor de Camus, Meursault, na banalidade de sua vida sem sentido, até a ocorrência de um crime – o desfecho do filme parece apontar para essa direção do absurdo da vida. O roteiro perpassa a questão aristotélica problematizada por Locke: as pessoas continuam sendo as mesmas, depois de algum fato determinantemente disruptivo alterar a natureza estática de suas vidas? Ricardo Darín is mandatory. He is Spinoza, a shy epileptic taxidermist, disillusioned with life, until he travels to Patagonia and accidentally kills a man and takes over his plans for a bank robbery. The noir atmosphere and Darín's (always) exceptional performance are the highlight of the film. In fact, his character is somewhat reminiscent of Camus's loser hero, Meursault, in the banality of his meaningless life, until the occurrence of a crime – the film's outcome seems to point to this direction of the absurdity of existence. The script goes through the Aristotelian question problematized by Locke: do people continue to be the same, after some determinately disruptive fact alters the static nature of their lives?

4744 - HOMEM COM H (2025)

 HOMEM COM H (Brasil, 2025) – Um personagem tão fascinante como Ney Matogrosso merecia mesmo uma cinebio à altura de sua importância no cenário artístico do Brasil há mais de 50 anos. Jesuíta Barbosa está perfeito no papel, dando ao personagem Ney a dimensão humana e histórica de um artista único, original e coerente com sua proposta revolucionária, incialmente num contexto de repressão política no Brasil.  A character as fascinating as Ney Matogrosso really deserved a biopic that lived up to his importance in the Brazilian art scene for more than 50 years. Jesuíta Barbosa is perfect in the role, giving the character Ney the human and historical dimension of a unique artist, original and coherent with his revolutionary proposal, initially in a context of political repression in Brazil.

4743 - VESTÍGIOS DO DIA (1993)

 

VESTÍGIOS DO DIA (THE REMAINS OF THE DAY, USA, UK, 1993) – Belo, sensível, intimista, o filme de James Ivory é de um romantismo silencioso, ao mesmo tempo impactante, graças a dois dos maiores atores do cinema contemporâneo, Anthony Hopkins e Emma Thompson. Além disso, tem um recorte sobre a influência do nazismo na sociedade britânica, cujos próceres não hesitaram em apoiar Hitler nos anos 30. Mas é o amor contido, sofrido, de Stevens e Miss Kenton a grande atração dessa história repleta de sutilezas, um romance entre duas pessoas que nunca expressaram seus sentimentos um para o outro, apesar de seu amor ser abertamente aparente e absolutamente cativante. Um dos mais belos filmes já feitos.  Beautiful, sensitive, intimate, James Ivory's film is of a silent romanticism, at the same time impactful, thanks to two of the greatest actors of contemporary cinema, Anthony Hopkins and Emma Thompson. In addition, it has a focus on the influence of Nazism on British society, whose leaders did not hesitate to support Hitler in the 1930s. But it is Stevens and Miss Kenton's restrained, suffering love that is the great attraction of this story full of subtleties, a romance between two people who have never expressed their feelings to each other, despite their love being blatantly apparent and absolutely endearing. One of the most beautiful films ever made.

4742 - VIAGEM À ITÁLIA (1954)

 

VIAGEM À ITÁLIA (VIAGGIO IN ITALIA, Itália, 1954) – Direção de Roberto Rosselini. Katherine (Ingrid Bergman) e Alexander (George Sanders) são um casal britânico, ricos e sofisticados, visitando Nápoles, a fim de se desfazerem de uma casa deixada como herança por um tio de Kate. A viagem e a cidade expõem a crise conjugal pela qual o casal passa após oito anos de casamento. Eles são muito diferentes – ela, romântica e interessada em artes; ele, materialista, frio, prefere a futilidade da vida social. O conflito e a perspectiva da separação se aproximam. O previsível happy end foi a forma encontrada por Rosselini para aliviar a pressão sofrida na ocasião por ele e Ingrid – ela decidira largar o marido, ficar na Itália e estava grávida de Rosselini. Uma separação de Katherine e Alexander poderia ser uma provocação a mais em uma sociedade pronta para inventar o que hoje se conhece por cancelamento. Rosselini, no seu filme mais próximo de Antonioni, visita seu país – cultura, tradições e modo de vida – através dos olhos de dois estrangeiros, um deles o amor de sua vida.  Directed by Roberto Rosselini. Katherine (Ingrid Bergman) and Alexander (George Sanders) are a wealthy and sophisticated British couple visiting Naples in order to get rid of a house left as an inheritance by Kate's uncle. The trip and the city expose the marital crisis that the couple is going through after eight years of marriage. They are very different – she, romantic and interested in the arts; he, materialistic, cold, prefers the futility of social life. Conflict and the prospect of separation are approaching. The predictable happy ending was the way found by Rosselini to relieve the pressure suffered at the time by him and Ingrid – she had decided to leave her husband, stay in Italy and was pregnant by Rosselini. A separation of Katherine and Alexander could be one more provocation in a society ready to invent what is now known as cancellation. Rosselini, in his closest film to Antonioni, visits his country – culture, traditions and way of life – through the eyes of two foreigners, one of them the love of his life. YouTube. 

    

 

4741 - A NOIVA DO GORILA (1951)

      

 

        A NOIVA DO GORILA (BRIDE OF THE GORILLA, USA, 1951) – O dono de uma plantação (Raymond Burr), no meio da selva, se casa com uma bela mulher, mas é amaldiçoado com uma magia voodoo e se transforma num gorila. Esse fiapo de roteiro é explorado com competência pelo diretor Curt Siodmark (também roteirista e responsável por diversos sucessos da galeria de monstros da Universal nos anos 30) neste noir-quase-terror, com um título ridículo mais para click bait, cuja função é manter o espectador na expectativa de ver Raymond Burr se transformar num gorila. Não sei se Perry Mason aprovaria. Entre um melodrama supernatural, efeitos de fundo de quintal e uma típica tragédia hollywoodiana do pós-guerra, o filme não deixa de ser um espasmo de estranheza, assistido menos pela qualidade e mais por admirar a coragem de quem colocou Burr num traje símio peludo. The owner of a plantation (Raymond Burr), in the middle of the jungle, marries a beautiful woman, but is cursed with a voodoo magic and transforms into a gorilla. This thread of script is competently explored by director Curt Siodmark (also a screenwriter and responsible for several successes in Universal's monster gallery in the 30s) in this quasi-horror noir, with a ridiculous title more like click bait, whose function is to keep the viewer expecting to see Raymond Burr turn into a gorilla. I don't know if Perry Mason would approve. Between a supernatural melodrama, bargain-bin effects and a typical post-war Hollywood tragedy, the film is still a spasm of strangeness, watched less for the quality and more for admiring the courage of those who put Burr in a furry ape suit. YouTube.