4666 - ANNA, O PERIGO TEM NOME (2019)

 

 ANNA, O PERIGO TEM NOME (USA, França, 2019) – Este thriller de Luc Besson tem muitas qualidades. A primeira é o elenco: Helen Mirren e Cillian Murphy estão maravilhosos, como sempre; e a protagonista, Sasha Luss está perfeita como uma hitwoman/modelo, capaz de realizar as mais perigosas missões sem perder uma única unidade estética. O tema, revisitado inúmeras vezes, é muito bem dirigido por Besson, com flash backs originais e bem insertos na narrativa de ritmo ágil e magnético. De fato, Sasha Luss é a alma – além do corpo, claro – do filme, com uma performance segura e, creia, convincente, apesar das licenças poéticas do roteiro. This thriller by Luc Besson has many qualities. The first is the cast: Helen Mirren and Cillian Murphy are wonderful, as always; and the protagonist, Sasha Luss is perfect as a hitwoman/model, capable of carrying out the most dangerous missions without losing a single aesthetic unit. The theme, revisited countless times, is very well directed by Besson, with original flash backs that are well inserted in the narrative of agile and magnetic rhythm. In fact, Sasha Luss is the soul – in addition to the body, of course – of the film, with a safe and, believe me, convincing performance, despite the poetic licenses of the script. Netflix.

4665 - HEREGE (2024)

HEREGE (HERETIC, USA, 2024) – Duas missionárias mórmons chegam à casa do senhor Reed (Hugh Grant) no intuito de pregar sua crença. Logo em seguida, elas se veem em uma armadilha preparada por ele, para tentar, primeiramente via debate, desconstruir (e não só metaforicamente) o edifício da fé sobre o qual elas se apoiam. O filme apresenta uma premissa interessante ao discutir os limites da religião e seu caráter mimético de crenças ancestrais, porém, no entrecho final, falha na conclusão mais equilibrada de suas proposições. O roteiro deixa de lado uma dialética promissora (e bem apropriada em relação ao delírio religioso atual) sobre o traço manipulador das religiões, além de outras questões sobre a natureza da fé, para resvalar no caminho mais fácil do terror hidratado com algumas litragens de sangue. Na sequência final, a solução do deus ex-machina parece, no mínimo, preguiçosa e, em parte, compromete a ótima atuação de Grant num papel atípico de sua carreira, sem desenvolver satisfatoriamente as discussões da primeira parte da história. Two Mormon missionaries arrive at Mr. Reed's (Hugh Grant) house in order to preach their belief. Soon after, they find themselves in a trap prepared by him, to try, first through debate, to deconstruct (and not only metaphorically) the edifice of faith on which they rest. The film presents an interesting premise when discussing the limits of religion and its mimetic character of ancestral beliefs, however, in the final excerpt, it fails in the most balanced conclusion of its propositions. The script leaves aside a promising dialectic (and very appropriate in relation to the current religious delirium) about the manipulative trait of religions, in addition to other questions about the nature of faith, to slip into the easier path of hydrated terror with a few liters of blood. In the final sequence, the deus ex machina solution seems, to say the least, lazy and, in part, compromises Grant's great performance in an atypical role of his career, without satisfactorily developing the discussions of the first part of the story. 

4664 - AUTO FOCUS (2002)

AUTO FOCUS (USA, 2002) – Cinebio de Bob Crane, astro de GUERRA, SOMBRA E ÁGUA FRESCA, cujo vício em sexo o levou à ruína e à eventual morte sob condições misteriosas. Greg Kinnear está perfeito como Bob. O filme começa como uma quase comédia, num mood campy, mas logo se transforma no torvelinho de uma vida totalmente desregrada, e isso o leva a perder o prestígio, o emprego e o casamento, até sua vida pessoal implodir. A partir daí, o filme mergulha numa atmosfera depressiva, ao acompanhar o declínio de uma pessoa famosa vítima de seus erros. O roteiro registra muito bem a relação simbiótica com John Carpenter (Willem Dafoe, excelente), um técnico de som responsável pelo fascínio de Crane em gravar as próprias aventuras sexuais. A dupla persona de Crane se presta a uma análise mais profunda da vida de algumas celebridades destruídas por seus comportamentos inconfessáveis numa sociedade altamente hipócrita. Bob Crane's biopic, star of HOGAN’S HEROES, whose addiction to sex led to his ruin and eventual death under mysterious conditions. Greg Kinnear is perfect as Bob. The film starts as an almost comedy, in a campy mood, but soon turns into the whirlwind of a totally unruly life, and this leads him to lose prestige, his job and his marriage, until his personal life implodes. From there, the film plunges into a depressive atmosphere, following the decline of a famous person who is a victim of his mistakes. The script registers very well the symbiotic relationship with John Carpenter (Willem Dafoe, excellent), a sound technician responsible for Crane's fascination with recording his own sexual adventures. Crane's dual persona lends itself to a deeper analysis of the lives of some celebrities destroyed by their unspeakable behaviors in a highly hypocritical society. TC Cult.

4663 - CIDADÃO BOILESEN (2009)

CIDADÃO BOILESEN (BRASIL, 2009) - Documentário de 2009 dirigido por Chaim Litewski, contando como foi o envolvimento e apoio do empresário dinamarquês naturalizado brasileiro Henning Albert Boilesen aos militares durante a ditadura militar no Brasil (1964-1985). Boilesen foi o responsável por financiar a repressão política no período, com recursos próprios e de outros empresários com os quais mantinha relações profissionais, sendo ele o coletor dessa ajuda com os demais empresários. 2009 documentary directed by Chaim Litewski, telling about the involvement and support of the Danish businessman naturalized Brazilian Henning Albert Boilesen to the military during the military dictatorship in Brazil (1964-1985). Boilesen was responsible for financing political repression in the period, with his own resources and those of other businessmen with whom he maintained professional relations, and he was the collector of this help with the other businessmen. YouTube. 

4662 - A GAROTA DA AGULHA (2024)

 

A GAROTA DA AGULHA (PIGEN MED NALEN, Dinamarca, Polônia, 2024) – Há algo de O HOMEM ELEFANTE neste filme, no sentido de questionar, entre quem consideramos aberrações e os humanos “normais”, cidadãos de bem, o verdadeiro monstro. A fotografia excepcional em preto e branco evoca o início do Expressionismo alemão, logo depois da WW2, quando o filme começa: Karoline (Vic Carmen Sonne, magnífica) começa sua maratona de sofrimento em um vilarejo dinamarquês marcado ainda pelo trauma da guerra, onde as pessoas, pobres e deprimidas, não têm como esconder seu lado sombrio e uma perversidade que corrói suas almas e escorre pelas frestas de suas personas supostamente civilizadas. A linguagem visual da narrativa nos leva a um quase niilismo em relação ao pior do ser humano, cujos princípios morais, segundo Nietzsche, não são naturais. Isso vai ficando evidente com o desenvolvimento da história, sem nada para redimir, mesmo da forma mais simplória, as augúrias da personagem central. Assim como é para Nietzsche, Karoline não encontra nada além da vida concreta, material, e realiza através de suas vontades instintivas a força revolucionária ainda presente em sua vida. Os jump-cuts, cortes próximos do mesmo plano, fragmentam a linearidade fluida da montagem, causando um estranhamento aparentemente desejado pelo diretor Magnus von Horn e nos deixando, de certa forma, desconfortáveis com a história. Há uma espontaneidade vívida na câmera de A GAROTA DA AGULHA, e isso dá uma sensação de improviso, algo meio alheio aos arcos dramáticos dos personagens. De qualquer forma, vê-se em AGDA uma verdade inconveniente: a dor humana pode sobreviver à guerra e, em muitos casos, com intensidade ainda maior. There is something of THE ELEPHANT MAN in this film, in the sense of questioning, between those we consider aberrations and "normal" humans, good citizens, the true monster. The exceptional black-and-white cinematography evokes the beginning of German Expressionism, right after WW2, when the film begins: Karoline (Vic Carmen Sonne, magnificent) begins her marathon of suffering in a Danish village still marked by the trauma of war, where people, poor and depressed, have no way to hide their dark side and a perversity that corrodes their souls and drips through the cracks of their supposedly civilized personas. The visual language of the narrative leads us to an almost nihilism in relation to the worst of the human being, whose moral principles, according to Nietzsche, are not natural. This becomes evident with the development of the story, with nothing to redeem, even in the simplest way, the auguries of the central character. As it is for Nietzsche, Karoline finds nothing but concrete, material life, and realizes through her instinctive wills the revolutionary force still present in her life. The jump-cuts, cuts close to the same shot, fragment the fluid linearity of the editing, causing an estrangement apparently desired by director Magnus von Horn and leaving us, in a way, uncomfortable with the story. There is a vivid spontaneity in the camera of THE GIRL WITH THE NEEDLE, and this gives a sense of improvisation, something somewhat alien to the dramatic arcs of the characters. In any case, one sees in TGWTN an inconvenient truth: human pain can survive war, and in many cases with even greater intensity. Mubi.

4661 - GALVESTON, DESTINOS CRUZADOS (2018)

 

GALVESTON, CAMINHOS CRUZADOS (GALVESTON, USA, 2018) – Ben Foster é um ator extraordinário. Ele é a força motriz deste noir triste sobre vidas desperdiçadas e interconectadas pelo abandono e a solidão. Roy (Foster), com uma doença terminal, encontra Rocky (Elle Fanning), cuja vida se resume à prostituição e à tentativa de resgate com o restante de uma família devastada. Não há muitas palavras em GALVESTON, apenas cenas com longos silêncios significativos, repletos de simbolismo substituindo uma dor maior se traduzida em palavras. Há a questão da redenção diante da dor, e isso leva os personagens a optar por atitudes radicais de fechamento para situações, talvez, sem conclusão possível, a não ser um certo niilismo que ronda suas vidas desde sempre. De fato, há uma precipitação nas ações constituintes do desfecho, mas nada disso atrapalha o lirismo melancólico do roteiro e a atuação sublime de Foster e Fanning. Ben Foster is an extraordinary actor. He is the driving force of this sad noir about wasted lives interconnected by abandonment and loneliness. Roy (Foster), terminally ill, meets Rocky (Elle Fanning), whose life is all about prostitution and trying to rescue the rest of a devastated family. There are not many words in GALVESTON, only scenes with long meaningful silences, full of symbolism replacing a greater pain if translated into words. There is the issue of redemption in the face of pain, and this leads the characters to opt for radical attitudes of closure to situations, perhaps, with no possible conclusion, except a certain nihilism that has always surrounded their lives. In fact, there is a precipitation in the constituent actions of the outcome, but none of this disturbs the melancholic lyricism of the script and the sublime performance of Foster and Fanning. Telecine.

4660 - PISQUE DUAS VEZES (2024)

PISQUE DUAS VEZES (BLINK TWICE, USA, 2024) - O filme de estreia na direção de Zoë Kravitz, também roteirista, tem uma criatividade inesperada e um bom ritmo narrativo, principalmente por causa da escolha de ângulos originais na composição da história. No entanto, no terço final do filme, há uma certa precipitação na mensagem da self-made woman, capaz de superar os traumas e se tornar a opressora. Três destaques do elenco: Naomi Ackie, Alia Shawkat (de THE OLD MAN) e Adria Ajorna. Mas foi especialmente triste ver Gena Davis, Christian Slate e Haley Joel Osment em papéis tão degradantes. The directorial debut film of Zoë Kravitz, also a screenwriter, has an unexpected creativity and a good narrative rhythm, mainly because of the choice of original angles in the composition of the story. However, in the final third of the film, there is a certain precipitation in the message of the self-made woman, capable of overcoming traumas and becoming the oppressor. Three highlights of the cast: Naomi Ackie, Alia Shawkat (from THE OLD MAN) and Adria Arjona. But it was especially sad to see Gena Davis, Christian Slate and Haley Joel Osment in such degrading roles. Prime.

4659 - CHURCHILL AT WAR - 4 EPISÓDIOS (2024)

 

CHURCHILL AT WAR – 4 EPISÓDIOS (USA, 2024) – Em termos de narrativa, os quatro episódios cobrem de maneira didática e fiel, vários momentos da vida de Churchill, principalmente durante os eventos mais capitais da WW2. A intercessão de cenas com atores funciona na maior parte das vezes: destaque para Christian McKay, como Winston, numa boa representação da figura histórica central da minissérie. O mesmo não se pode dizer dos atores escolhidos para dar vida a Roosevelt e Stalin, ambos parecendo deslocados e sem conexão com os respectivos líderes. O lado negativo está na participação de Boris Johnson e George W Bush, cujas intervenções são irrelevantes e sem qualquer sentido histórico para a compreensão do legado por vezes duvidoso de Churchill. In terms of narrative, the four episodes cover in a didactic and faithful way, various moments in Churchill's life, especially during the most capital events of WW2. The intercession of scenes with actors works most of the time: Christian McKay, as Winston, stands out, in a good representation of the central historical figure of the miniseries. The same cannot be said of the actors chosen to give life to Roosevelt and Stalin, both of whom seem out of place and have no connection to their respective leaders. The downside is the participation of Boris Johnson and George W Bush, whose interventions are irrelevant and without any historical sense for understanding Churchill's sometimes dubious legacy. Netflix.

4658 - CÓDIGO DE CONDUTA (2009)

 

CÓDIGO DE CONDUTA (LAW ABIDING CITIZEN, USA, 2009) – O filme poderia ter sido um bom thriller, partindo da premissa de um homem buscando vingança, depois de ter perdido sua família, e manipulando o sistema penal americano a seu favor, mesmo confessando uma série de crimes. O problema do filme é a parte final, quando o homem corrompido pelo ódio vingativo (Gerard Butler, mais uma vez provando sua total incapacidade de atuar com um mínimo de dignidade) e apresentado como um gênio tecnológico capaz de ludibriar o advogado promotor (Jamie Foxx, sem qualquer inspiração), é literalmente destruído pela incúria do roteiro preguiçoso e pela falta de talento dos dois protagonistas. The film could have been a good thriller, starting from the premise of a man seeking revenge after having lost his family, and manipulating the American penal system in his favor, even confessing to a series of crimes. The problem of the film is the final part, when the man corrupted by vengeful hatred (Gerard Butler, once again proving his total inability to act with a minimum of dignity) and presented as a technological genius capable of deceiving the prosecutor lawyer (Jamie Foxx, without any inspiration), is literally destroyed by the carelessness of the lazy script and the lack of talent of the two protagonists. Prime.

4657 - BATMAN: O RETORNO (1992)

 

 BATMAN: O RETORNO (BATMAN RETURNS, USA, 1992) – A sequência do filme de Tim Burton traz, novamente, um vilão marcantes: o Pinguim, estupendamente vivido por Danny DeVito, numa atuação perpassada por elementos trágicos, assim como o Coringa de Jack Nicholson, mas aduzida de um elemento traumático e simbólico de um medo universal – a angústia de não saber suas origens, além do sentimento de rejeição pelos próprios pais. Assim é o Pinguim, um clown tristonho e vingativo, buscando o direito de ter respostas sobre o imenso abandono que o atingiu ainda bebê. O filme começa com uma das cenas mais tristes do cinema: os pais de Oswald Chesterfield Cobblepot, em função de sua deformidade, o jogam, ainda no berço, num rio gelado, em plena época natalina. Ao se tornar um arqui-inimigo de Batman, o Pinguim baseia sua vingança, entre outros aspectos da sua sociopatia, numa perspectiva de baixa autoestima: ele não aceita sua imagem deformada, mas nada faz para alterá-la, e ainda a otimiza adotando um comportamento incivilizado, roupas sujas, maus modos ao comer e ao se dirigir aos outros. Isso poderia explicar sua crueldade e violência, como forma de destruir, nos outros, aquilo que o incomoda psicologicamente. Daí sua personalidade manipuladora e sedenta de poder; não à toa se candidata a prefeito de Gotham, estabelecendo uma ruptura das leis para alcançar seus objetivos... algo muito parecido com o atual incumbente da presidência estadunidense. Por outro lado, precisamos falar sobre Michelle Pfeiffer e da sua Mulher-Gato. É uma injustiça não a ter como heroína solo num filme só seu, com tempo de cena suficiente para o desenvolvimento da sua personagem: desvalorizada como secretária de Max Schreck (Christopher Walken), solitária, amargurada em virtude também de seus fracassos amorosos (entra aí o ódio estrutural contra os homens, manifestado sem pejo na sua persona como Mulher-Gato). Também marcada pelo sofrimento emocional e pela rejeição (traços comuns ao Pinguim e também a Bruce Wayne, como veremos em seguida), Selena Kyle se torna a Mulher-Gato em virtude de um acidente traumático (como acontece com o Pinguim e Batman), e daí decorre um transbordamento de atos de vingança. Friedrich Nietzsche analisou a vingança como uma falsa equivalência à justiça, enraizada na sociedade ocidental. Nietzsche acreditava que a vingança disfarçada de justiça não cumpre a finalidade de reparar os danos. E como isso se aplica aos três personagens basais deste filme? Eles buscam vingança em virtude das cicatrizes emocionais impostas por circunstâncias exógenas e tiveram plena consciência de seus atos. Partindo deste consenso, as motivações do trio se enfeixam naquilo que Hegel chamou de formação de consciência e Sartre apontou ao abordar a liberdade no seu sentido ontológico. Ainda apoiado em Sartre, podemos entender os três personagens num momento anterior às suas decisões existenciais, quando seriam apenas um grande nada: Bruce, um jovem milionário sem consciência social; o Pinguim, um bebê recém-nascido; e Selina, uma pessoa cuja vida vazia a leva a um total niilismo. Destarte, foi a partir de suas escolhas que eles saíram da existência para a essência, cada um a sua maneira, mas com uma proposta axiomática resumida nas intenções de vingança. No entanto, como diria Jean Paul, o fato de ser condenado à liberdade não exime o ser das responsabilidades de sua escolha, e a tríade do filme encontra, ou melhor, reencontra, a solidão imanente das consequências das suas decisões. The sequel to Tim Burton's film brings, once again, a remarkable villain: The Penguin, stupendously played by Danny DeVito, in a performance permeated by tragic elements, just like Jack Nicholson's Joker, but adduced with a traumatic and symbolic element of a universal fear – the anguish of not knowing his origins, in addition to the feeling of rejection by his own parents. This is the Penguin, a sad and vengeful clown, seeking the right to have answers about the immense abandonment that hit him as a baby. The film begins with one of the saddest scenes in cinema: Oswald Chesterfield Cobblepot's parents, due to his deformity, throw him, still in the cradle, into an icy river, in the middle of the Christmas season. By becoming Batman's archenemy, the Penguin bases his revenge, among other aspects of his sociopathy, on a perspective of low self-esteem: he does not accept his deformed image, but does nothing to change it, and even optimizes it by adopting uncivilized behavior, dirty clothes, bad manners when eating and addressing others. This could explain his cruelty and violence, as a way of destroying, in others, what bothers him psychologically. Hence his manipulative and power-hungry personality; no wonder he runs for mayor of Gotham, establishing a break in the laws to achieve his goals... Something very similar to the current incumbent of the US presidency. On the other hand, we need to talk about Michelle Pfeiffer and her Catwoman. It is an injustice not to have her as a solo heroine in a film of her own, with enough screen time for the development of her character: devalued as Max Schreck's (Christopher Walken) secretary, lonely, embittered also due to her love failures (this is where the structural hatred against men, manifested without shame in her persona as Catwoman). Also marked by emotional suffering and rejection (traits common to the Penguin and also to Bruce Wayne, as we will see below), Selena Kyle becomes Catwoman by virtue of a traumatic accident (as happens with the Penguin and Batman), and from there arises an overflow of acts of revenge. Friedrich Nietzsche analyzed revenge as a false equivalence to justice, rooted in Western society. Nietzsche believed that revenge disguised as justice does not fulfill the purpose of repairing the damage. And how does that apply to the three basal characters in this film? They seek revenge by virtue of the emotional scars imposed by exogenous circumstances and were fully aware of their actions. Based on this consensus, the trio's motivations are bundled in what Hegel called the formation of consciousness and Sartre pointed out when approaching freedom in its ontological sense. Still supported by Sartre, we can understand the three characters at a time before their existential decisions, when they would be just a big nothing: Bruce, a young millionaire with no social conscience; the Penguin, a newborn baby; and Selina, a person whose empty life leads her to total nihilism. Thus, it was from their choices that they left existence for the essence, each in their own way, but with an axiomatic proposal summarized in the intentions of revenge. However, as Jean Paul would say, the fact of being condemned to freedom does not exempt the being from the responsibilities of his choice, and the triad of the film finds, or rather, rediscovers, the immanent solitude of the consequences of his decisions. Prime.

4656 - O LOBO DE WALL STREET (2014)

 

O LOBO DE WALL STREET (THE WOLF OF WALL STREET, USA, 2014) – Personagens abjetos são uma das matérias-primas de que Martim Scorsese fez sua carreira. Aqui, Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio, insopitável) é um furacão do mercado imobiliário, um baluarte do capitalismo selvagem – e o adjetivo aqui não é apenas metafórico -, mergulhado em uma das maiores esbórnias já mostradas no cinema mainstream. Não há medidas nem barreiras – Scorsese e DiCaprio vão dobrando as apostas a cada sequência, num ritmo tão vertiginoso, capaz de deixar o espectador zonzo (não pelos mesmos motivos) como os personagens nas suas orgias tocadas a anfetaminas de todo tipo. Ah, claro, Margot Robbie mostra ser um bom motivo para viver intensamente. Abject characters are one of the raw materials from which Martin Scorsese made his career. Here, Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio, unstoppable) is a hurricane of the real estate market, a bulwark of savage capitalism – and the adjective here is not just metaphorical – immersed in one of the biggest shenanigans ever shown in mainstream cinema. There are no measures or barriers – Scorsese and DiCaprio double down with each sequence, at such a dizzying pace, capable of leaving the viewer dizzy (not for the same reasons) as the characters in their touched by amphetamines of all kinds. Oh, of course, Margot Robbie proves to be a good reason to live intensely. Prime.

4655 - BATMAN (1989)

 BATMAN (USA, 1989) – O primeiro grande filme de Tim Burton já traz suas marcas registradas, com cenários góticos, personagens marginalizados, a trilha sonora precisa de Danny Elfman e direção de arte meio retrô, sem locações externas. A escolha de Michael Keaton, na época, provocou revolta entre os fãs, mas, de certa forma, sua escalação tem muito a ver com a vertente disruptiva da direção de Burton. Acaba funcionando, principalmente porque o grande destaque do filme é o Coringa de Jack Nicholson. É ele o comandante das ações mais vibrantes da história, em torno do qual os outros personagens se tornam mero coadjuvantes. Na cena na qual ele vandaliza obras de arte, ele poupa a pintura “Figure with Meat”, de Francis Bacon – esse quadro aparece em CORINGA, de 2019. Kim Bassinger tem uma atuação fraca, sem qualquer participação mais efetiva na história, à parte de se encarregar de ser o objeto amoroso de Bruce Wayne. Tim Burton's first major film already brings his trademarks, with gothic settings, marginalized characters, Danny Elfman's precise soundtrack and somewhat retro art direction, with no external locations. The choice of Michael Keaton, at the time, caused outrage among fans, but, in a way, his casting has a lot to do with the disruptive aspect of Burton's direction. It ends up working, mainly because the highlight of the film is Jack Nicholson's Joker. He is the commander of the most vibrant actions in history, around which the other characters become mere supporting actors. In the scene in which he vandalizes works of art, he spares the painting "Figure with Meat", by Francis Bacon – this painting appears in CORINGA, from 2019. Kim Bassinger has a weak performance, without any more effective participation in the story, apart from being in charge of being Bruce Wayne's love object. Prime.

4654 - THE BIG BANG THEORY - TEMPO 11 - 23 EPISÓDIOS (2017)

 

THE BIG BANG THEORY – TEMP 11 – 23 EPISÓDIOS (USA, 2017) – TBBT, na sua temporada 11, continua uma imensa frustração. Episódios preguiçosos, elenco sem a mínima inspiração e roteiros repetitivos, nos quais as meninas continuam sendo cruéis com os rapazes (principalmente Bernadette), Sheldon completamente descaracterizado e pouco à vontade no figurino de uma pessoa “quase” normal, Leonard sem mais nada para conquistar, depois de ter casado com Penny, e sem qualquer elemento novo para seu personagem, Howard sendo humilhado pela esposa e só Raj parece ter tido algum avanço no seu universo pessoal, embora sem originalidade. O único personagem ainda engraçado é Stuart, apesar de ter tido menos cenas no cotejo com a temporada anterior. TBBT, in its 11th season, continues to be an immense frustration. Lazy episodes, uninspired cast and repetitive scripts, in which the girls continue to be cruel to the boys (especially Bernadette), Sheldon completely out of character and uncomfortable in the costume of an "almost" normal person, Leonard with nothing left to conquer, after having married Penny, and without any new element for his character, Howard being humiliated by his wife and only Raj seems to have had some advancement in his personal universe, although without originality. The only character still funny is Stuart, although he had fewer scenes in comparison with the previous season. Prime.

4653 - AINDA ESTOU AQUI (2024)

 AINDA ESTOU AQUI (Brasil, 2024) – Como pode tanta sensibilidade caber num filme? Essa é a pergunta feita quando os créditos começam a cair com as nossas lágrimas. O filme é uma viagem aos afetos de quem foi atingido diretamente pela violência da ditadura militar – e também de quem não foi, mas viveu os resquícios de um período tão nefasto na história do país. AEA é um filme sobre Eunice Paiva, apenas. E isso não é um reducionismo narrativo. É ela o elemento aglutinador dos sentimentos profundamente díspares entre a primeira e a segunda parte do filme, é ela o símbolo da procura de um sentido na vida, mesmo depois de todo o seu sentido ter sido arrancado dela e de sua família. AEA é um filme sobre Eunice, mas também é um filme de Fernanda Torres, uma atriz maiúscula, capaz de transitar entre a comédia e a tragédia com a mesma competência artística. Aliás, ela traduz a tragédia de Eunice de maneira fantasticamente contida, sem exageros ou lágrimas, e é isso a força motriz do filme: como lidar com uma perda tão dilacerante e ainda ser o elemento de equilíbrio dos filhos, quando há, inexoravelmente, uma silenciosa ausência de uma presença e a devastadora presença de uma ausência. Filme perfeito. How can so much sensitivity fit into a film? That's the question asked when the credits start to fall with our tears. The film is a journey into the affections of those who were directly affected by the violence of the military dictatorship – and also of those who were not, but lived the remnants of such a nefarious period in the country's history. AEA is a film about Eunice Paiva, only. And this is not a narrative reductionism. She is the unifying element of the profoundly disparate feelings between the first and second parts of the film, she is the symbol of the search for meaning in life, even after all its meaning has been taken away from her and her family. AEA is a film about Eunice, but it is also a film by Fernanda Torres, a wonderful actress, capable of moving between comedy and tragedy with the same artistic competence. In fact, it translates Eunice's tragedy in a fantastically restrained way, without exaggeration or tears, and this is the driving force of the film: how to deal with such a heartbreaking loss and still be the element of balance for the children, when there is, inexorably, a silent absence of a presence and the devastating presence of an absence. Perfect movie.

4652 - A SUBSTÂNCIA (2024)

 

A SUBSTÂNCIA (THE SUBSTANCE, USA, 2024) – Na contramão da maioria das opiniões, o grande destaque do filme Coralie Fargeat é Margareth Qualley. Não que Demi Moore não esteja bem num papel corajoso para qualquer atriz. No entanto, é no contraponto com a Sue de Margareth Qualley que a Elisabeth Sparkle de Demi se mostra como um personagem tão impactante, como produto da pressão para ser eternamente jovem. E é exatamente essa premissa – a da juventude eterna – a ligação imediata com o Dorian Gray de Oscar Wilde. A decrepitude gradativa de Elisabeth, no cotejo com seus vários pôsteres, além da onda midiática da imagem de Sue, é a representação da dicotomia desejo/realidade tão comum nos dias de hoje. Além disso, o filme mostra a falta de limite das pessoas com os próprios corpos, além da exigência do reconhecimento desses mesmos corpos por parte dos outros. Sue é, a princípio, a melhor versão de Elisabeth, e logo vemos o óbvio: nem aquela é um produto aprimorado e nem esta é tão ruim assim, embora o desfecho catártico embaralhe um pouco essas dimensões. Há uma série de questionamentos filosóficos no roteiro: como lidar com a autoimagem, a supervalorização da juventude em detrimento dos mais velhos, as pressões insanas do showbiz, a solidão existencial em todas as fases da vida, as soluções mágicas para problemas fabricados pela indústria de cosméticos (leia-se capitalismo sem freios), o papel da mulher numa dimensão diagética, na qual a imagem se sobrepõe ao conteúdo, além de toda discussão sobre a aceitação da passagem do tempo e seus efeitos e a percepção de que a única comparação real é a que as pessoas fazem com elas mesmas. Contrary to most opinions, the highlight of the film Coralie Fargeat is Margaret Qualley. Not that Demi Moore isn't doing well in a courageous role for any actress. However, it is in counterpoint to Margaret Qualley's Sue that Demi's Elisabeth Sparkle shows herself as such an impactful character, as a product of the pressure to be eternally young. And it is exactly this premise – that of eternal youth – that is the immediate link with Oscar Wilde's Dorian Gray. Elisabeth's gradual decrepitude, in comparison with her various posters, in addition to the media wave of Sue's image, is the representation of the desire/reality dichotomy so common today. In addition, the film shows people's lack of limits with their own bodies, in addition to the demand for recognition of these same bodies by others. Sue is, at first, the best version of Elisabeth, and soon we see the obvious: neither that one is an improved product nor is this one that bad, although the cathartic outcome confuses these dimensions a little. There are a series of philosophical questions in the script: how to deal with self-image, the overvaluation of youth to the detriment of older people, the insane pressures of showbiz, existential loneliness at all stages of life, the magical solutions to problems manufactured by the cosmetics industry (read unbridled capitalism), the role of women in a diagnostic dimension, in which the image is superimposed on the content, in addition to all the discussion about the acceptance of the passage of time and its effects and the perception that the only real comparison is the one people make with themselves. Mubi.

4651 - FILHOS E AMANTES (1981)

FILHOS E AMANTES (Brasil, 1981) – Esse filme de Francisco Ramalho Jr é uma produção típica dos anos 80, com três atrizes icônicas desta época: Lúcia Veríssimo, Denise Dumont e Nicole Puzzi. O roteiro é ruim, assim como a fotografia e o som, mas assim era o cinema supostamente feito para a juventude nos estertores da ditadura militar: uma certa ousadia nos costumes refletida em várias cenas de sexo e em diálogos repletos de jargões e sementes do que viria a ser pílulas de autoajuda. This film by Francisco Ramalho Jr is a typical production of the 80s, with three iconic actresses of this time: Lúcia Veríssimo, Denise Dumont and Nicole Puzzi. The script is bad, as well as the photography and sound, but this was the cinema supposedly made for youth in the throes of the military dictatorship: a certain boldness in customs reflected in several sex scenes and in dialogues full of jargon and seeds of what would become self-help pills. Canal Brasil.

4650 - CONCLAVE (2024)

 

CONCLAVE (CONCLAVE, USA, UK, 2024) – Com a morte do Papa, o cardeal Lawrence (Ralph Fiennes, numa atuação assombrosa de tão magnífica) precisa organizar o conclave que vai eleger o novo pontífice. O filme do alemão Edward Berger é um panóptico sobre uma pletora de assuntos conexos com a política intestina do Vaticano. O roteiro muito bem estruturado tem de tudo: maniqueísmo, racismo, questões identitárias, disputa de poder, relacionamentos humanos, conflitos internos, questionamento da fé, num cenário evocador de um suspense filosófico. A história se caracteriza por mais palavras e silêncios do que ação, acentuando uma discussão interessante sobre a natureza da dúvida, numa abordagem cartesiana refletida num enredo desprovido de certezas. Provavelmente, o aspecto mais fundamental do pensamento de René Descartes (1596-1650) é a procura incansável pela certeza, esta que teria como resultado a fundamentação de uma ciência certa e universal. Essa fundamentação, como se sabe, deveria ser realizada de forma definitiva e, portanto, Descartes entende ser necessária uma reestruturação completa de todas as opiniões e concepções científicas existentes até aquele momento, começando pelos seus fundamentos, tanto epistemológicos quanto metafísicos. Essa concepção se aplica perfeitamente ao enredo de CONCLAVE: as divisões narrativas se enfeixam no tema central da trama – o futuro de uma igreja (leia-se ideologia) dividida entre o progresso e o reacionarismo, sempre sob a égide do poder absoluto. Ao fim, chega-se à conclusão da necessidade do mistério para a fé, assim como para o cinema, pois é ao redor desta instância inefável que a sétima arte se constrói. With the death of the Pope, Cardinal Lawrence (Ralph Fiennes, in an astonishing magnificent performance) needs to organize the conclave that will elect the new pontiff. Edward Berger’s movie is a panopticon on a plethora of issues related to the Vatican's internal politics. The very well-structured script has it all: Manichaeism, racism, identity issues, power struggle, human relationships, internal conflicts, questioning of faith, in a scenario evoking a philosophical suspense. The story is characterized by more words and silences than action, accentuating an interesting discussion about the nature of doubt, in a Cartesian approach reflected in a plot devoid of certainties. Probably the most fundamental aspect of René Descartes' (1596-1650) thought is the tireless search for certainty, which would result in the foundation of a certain and universal science. This foundation, as is known, should be carried out definitively and, therefore, Descartes understands that a complete restructuring of all scientific opinions and conceptions existing up to that moment is necessary, starting with their foundations, both epistemological and metaphysical. This conception applies perfectly to the plot of CONCLAVE: the narrative divisions are bundled in the central theme of the plot – the future of a church (read ideology) divided between progress and reactionarism, always under the aegis of absolute power. In the end, one concludes the necessity of mystery for faith, as well as for cinema, because it is around this ineffable instance that the seventh art is built.

4649 - A SALA DOS PROFESSORES (2023)

A SALA DOS PROFESSORES (DAS LEHRERZIMMER, Alemanha, USA, 2023) – Numa escola alemã, uma professora desconfia de uma colega de trabalho, quando uma quantia em dinheiro desaparece da sala dos professores. Ela faz uma gravação e comprova suas suspeitas, mas também desperta animosidades dos outros professores. O filme de Ilker Catak tem muito do BLOW UP de Antonioni, ao ter uma imagem dando margem a diversas interpretações. O filme também trata de questões de xenofobia e racismo, mas a questão principal é a busca da verdade, numa perspectiva quase sartreana no sentido da consciência e intencionalidade. Neste sentido, a desconfiança da professora se traduz no empenho para buscar a verdade, e esse conhecimento se realiza no esforço da síntese, segundo a qual toda formação do sujeito está intrinsecamente ligada à intencionalidade: quem roubou o dinheiro? Quais os motivos dos envolvidos? De qualquer forma, o filme retrata um ambiente extremamente tóxico para quem, no caso, busca resolver as questões mais agudas com um mínimo de ética. In a German school, a teacher becomes suspicious of a co-worker when a sum of money disappears from the teachers' room. She makes a recording and proves her suspicions, but also arouses animosities from the other teachers. Ilker Catak's film has a lot of Antonioni's BLOW UP, as it has an image giving rise to several interpretations. The film also deals with issues of xenophobia and racism, but the main issue is the search for truth, in an almost Sartrean perspective in the sense of consciousness and intentionality. In this sense, the teacher's distrust translates into the effort to seek the truth, and this knowledge is realized in the effort of synthesis, according to which all the subject's formation is intrinsically linked to intentionality: who stole the money? What are the motives of those involved? In any case, the film portrays an extremely toxic environment for those who, in this case, seek to solve the most acute issues with a minimum of ethics. Prime.

4648 - ASTEROID CITY (2023)

 

ASTEROID CITY (USA, 2023) – Este filme de Wes Anderson é uma vertigem visual capaz de prescindir do roteiro e até mesmo dos atores – tudo gira em torno de uma cidadezinha no meio do deserto, em plenos anos 50, num cenário adredemente colorido em excesso, onde tudo parece gritar, desde as roupas dos personagens aos objetos de cena mais insólitos. Até mesmo o elenco estelar parece estar ali apenas para compor um mosaico de narrativa superpostas: um dramaturgo (Edward Norton) escreve a história de Asteroid City, enquanto um apresentador de TV (Bryan Cranston) tenta situar a ação num sentido quase pedagógico. Tudo aparentemente muito confuso, mas logo aparece Scarlett Johansson e conserta tudo. This film by Wes Anderson is a visual vertigo capable of dispensing with the script and even the actors – everything revolves around a small town in the middle of the desert, in the 50s, in an excessively colorful setting, where everything seems to scream, from the characters' clothes to the most unusual scene objects. Even the stellar cast seems to be there only to compose a mosaic of overlapping narratives: a playwright (Edward Norton) writes the story of Asteroid City, while a TV host (Bryan Cranston) tries to situate the action in an almost pedagogical sense. Everything apparently very confusing, but soon Scarlett Johansson appears and fixes everything. Prime.

4647 - THE PHANTOM EMPIRE (1935)

PHANTOM EMPIRE – 12 EPISÓDIOS - (USA, 1935) - Gene Autry was already a radio star when he went to Hollywood in the early '30s. Naturally, since Autry was known as "the Singing Cowboy," his first starring role was in a sci-fi serial about an underground civilization. One might think this was a brave example of casting against type; in fact, Autry plays exactly the same character he would continue to play on film and TV for the next twenty years: "Gene Autry, the Singing Cowboy." It's not as good as THE UNDERSEA KINGDOM, but it is worth watching if you appreciate this kind of adventure in chapters from the 30s. YouTube.

4646 - OS SENTIDOS DO AMOR (2011)

OS SENTIDOS DO AMOR (PERFECT SENSE, UK, 2011) – Eva Green é essencial. Uma epidemia toma conta do mundo: de repente, as pessoas vão perdendo cada um dos seus sentidos. No meio deste caos, Michael (Ewan McGregor) e Susan (Eva Green) se apaixonam, e o roteiro vai tangenciando o pesadelo e uma realidade bem parecida com o período da Covid. Seguindo a tradição dos bons filmes de ficção científica britânicos (vide FILHOS DO SILÊNCIO, como grandíssimo Clive Owen), OSDA trata muito bem a questão da finitude humana diante de uma doença incontornável, lembrando um pouco O ENSAIO SOBRE A CEGUEIRA, mas com uma construção narrativa mais ampla, na forma como as limitações sensoriais vão transformando as estratégias de sobrevivência e limitando as soluções racionais. No entanto, a relação amorosa de Michael e Susan encapsula essas tentativas de resgate ao básico da humanidade e, na cena final, com os dois prestes a se perder para sempre, tudo acaba fazendo sentido. Eva Green is essential. An epidemic takes over the world: suddenly, people are losing each of their senses. In the midst of this chaos, Michael (Ewan McGregor) and Susan (Eva Green) fall in love, and the script touches on the nightmare and a reality very similar to the Covid period. Following the tradition of good British science fiction films (see CHILDREN OF MEN, as the great Clive Owen), OSDA deals very well with the issue of human finitude in the face of an unavoidable disease, reminding us a little of THE ESSAY ON BLINDNESS, but with a broader narrative construction, in the way sensory limitations transform survival strategies and limit rational solutions. However, Michael and Susan's love relationship encapsulates these attempts to rescue the basics of humanity, and in the final scene, with the two about to be lost forever, it all ends up making sense.

4645 - ROBERTO FARIAS - MEMÓRIAS DE UM CINEASTA (2023)

  ROBERTO FARIAS – MEMÓRIAS DE UM CINEASTA (Brasil, 2023) - O documentário dirigido por Marise, filha de Roberto, retrata a vida e obra do diretor de cinema e televisão, que conquistou um diálogo direto com o público através de sucessos como “O Assalto ao Trem Pagador” (1962), a trilogia com o cantor Roberto Carlos (1968 a 1971) e “Pra Frente Brasil (1982)”. Roberto Farias trabalhou na área durante sete décadas e reconhecia a importância do audiovisual na formação e defesa da identidade nacional. Há um olhar para sua cidade natal, Nova Friburgo, mas é exatamente aí a parte menos documental da produção: faltou explorar mais as influências do diretor na sua juventude, no lugar no qual nasceu. The documentary directed by Marise, Roberto's daughter, portrays the life and work of the film and television director, who conquered a direct dialogue with the public through hits such as "O Assalto ao Trem Pagador" (1962), the trilogy with singer Roberto Carlos (1968 to 1971) and "Pra Frente Brasil (1982)". Roberto Farias worked in the area for seven decades and recognized the importance of audiovisual in the formation and defense of national identity. There is a look at his hometown, Nova Friburgo, but that is exactly the least documentary part of the production: it lacked to explore more the director's influences in his youth, in the place where he was born. Canal Brasil.

4644 - INFERNO CARNAL (1977)

 

 INFERNO CARNAL (BRASIL, 1977) – Filme pouco conhecido de José Mojica Marins, talvez em função de um roteiro ruim e elenco pouco inspirado. Reconhece-se no filme laivos do cinema autoral em busca de uma identidade no campo de terror, uma impossibilidade como se viu na época. A evidente restrição orçamentária da produção compromete qualquer tentativa de emular qualquer referência ao horror sério e comprometido com os pilares do gênero. Inferno Carnal é uma adaptação ampliada de um episódio do programa O Estranho Mundo de Zé do Caixão, intitulado A Lei do Talião, com exibição em agosto de 1969 pela TV Tupi, a partir de um argumento do genial Rubens Lucchetti e atuações de José Parisi e Irene Ravache. O filme é uma tentativa de descarnar um braço musculoso. Little known film by José Mojica Marins, perhaps due to a bad script and uninspired cast. One recognizes in the film traces of authorial cinema in search of an identity in the field of horror, an impossibility as seen at the time. The evident budget constraint of the production compromises any attempt to emulate any reference to serious horror and committed to the pillars of the genre. Carnal Hell is an expanded adaptation of an episode of the program The Strange World of Coffin Joe, entitled The Law of Talion, aired in August 1969 by TV Tupi, based on a script by the brilliant Rubens Lucchetti and performances by José Parisi and Irene Ravache. The film is an attempt to flesh out a muscular arm. Canal Brasil.

4643 - TÁR (2022)

 

TÁR (USA, 2022) – O filme de Todd Field é um estudo profundo da capacidade – ou compulsão – de algumas pessoas no sentido de controlar tudo e todos à sua volta. Tár (Cate Blanchett, perfeita) é uma personagem com várias facetas, e isso é mostrado por Field em cenas com vários reflexos, expondo os muitos lados da condutora da prestigiada Filarmônica de Berlim. Ela controla os músicos e estende essa dominação a qualquer aspecto da sua realidade, sem muita preocupação com as estratégias, por vezes pouco éticas, usadas para alcançar seus objetivos. Isso nos leva a uma consideração sobre a necessidade de separar o artista da obra, ao fazermos desta uma análise estética e artística. A postura controladora de Tár funciona como uma forma de blindar seu universo afetivo, para evitar a intromissão dos sentimentos nas suas estratégias manipulativas. No entanto, esse esforço vai enfraquecendo sua suposta capacidade de intimidar as pessoas à sua volta, até provocar sua queda, num arco dramático muito similar às narrativas mitológicas gregas. Todd Field's film is a deep study of the ability – or compulsion – of some people to control everything and everyone around them. Tár (Cate Blanchett, perfect) is a character with several facets, and this is shown by Field in scenes with various reflections, exposing the many sides of the conductor of the prestigious Berlin Philharmonic. It controls the musicians and extends this domination to any aspect of their reality, without much concern for the sometimes-unethical strategies used to achieve their goals. This leads us to a consideration of the need to separate the artist from the body of work, by making the latter an aesthetic and artistic analysis. Tár's controlling posture works as a way to shield his affective universe, to prevent the intrusion of feelings into his manipulative strategies. However, this effort weakens his supposed ability to intimidate the people around him, until he causes his downfall, in a dramatic arc very similar to the Greek mythological narratives. Prime.

4642 - MAXXXINE (2024)

 

MAXXXINE (USA, 2024) – A cinematografia do filme remete aos anos 80, mas sem o charme dos filmes trash da época. Tudo parece artificial ao extremo, o roteiro não tem foco e a motivação da personagem principal, Maxine (Mia Goth, totalmente sem inspiração ou carisma necessários para esse tipo de papel) nunca é clara ou convincente. Como é o terceiro filme de uma trilogia, o resultado deveria ser mais caracterizado para um fechamento das histórias pregressas. No entanto, as ações se perdem num miasma narrativo sem qualquer interesse. The film's cinematography harkens back to the 80s, but without the charm of the trash movies of the time. Everything seems artificial in the extreme, the script has no focus and the motivation of the main character, Maxine (Mia Goth, totally uninspired or charisma necessary for this type of role) is never clear or convincing. As it is the third film in a trilogy, the result should be more characterized for a closure of the previous stories. However, the actions are lost in a narrative miasma without any interest.