EL ÚLTIMO ELVIS, Argentina 2012) - eu sei que já falei que o cinema
argentino dá um baile (de tango) no brasileiro. Temos comparações a
mancheias. Mesmo levando em conta que apenas a nata da filmografia dos
hermanos desembarca em nossas salas, o cinema de lá é muitíssimo
superior ao nosso atual, que se contenta em requentar programas de
televisão e transpô-los preguiçosamente para a tela grande. É um cinema
descerebrado para um público idem. Em O ÚLTIMO ELVIS, vemos como a
simplicidade e a falta de pretensão resultam num trabalho singelo e
eficiente. O professor universitário John McInerny, considerado um dos
melhores covers latinos de Elvis, faz sua estreia no cinema na pele do
protagonista, Carlos Gutiérrez, funcionário de uma fábrica que, nas
horas vagas, solta o vozeirão apresentando-se em qualquer lugar em que
receba algum dinheiro. O patético habita seu cotidiano e sua figura -
Carlos não só se veste como Rei do Rock mas, além disso, tem certeza de
que é Elvis. Em seu primeiro trabalho na direção, um dos roteirista de
BIUTIFUL (2010), Armando Bo, nos apresenta um personagem desgostoso, por
vezes fora da realidade, mas imbuído da missão de reverenciar seu ídolo com
um entrega absoluta e emocionante. O fim do filme é extremamente emocionante.
(MATCH POINT, UK 2005) - Em muitos momentos, tenho ímpetos de comparar Woody Allen a Nelson Rodrigues. MATCH POINT, de certa forma, poderia muito bem ter saído de algum "a vida como ela é", do universo rodrigueano. Não que Nelson tenha inventado a tara pela cunhada, ou pela mulher do cunhado, mas quando esta mulher é Scarlett Johansson, fica mais fácil entender o que se passa por dentro do personagem de Jonathan Rhys Meyers, Chris Wilton, um instrutor de tênis que não tem como resisir a um fenômeno da natureza em forma de mulher, que é Nola, interpretada com o máximo de sedução por esta nova-iorquina que Ryan Reynolds não soube apreciar. E é nela, Scarlett, os dois ts do nome soprando todo e qualquer pensamento mais ousado na nossa orelha fria, que a história se constrói para, logo depois, se reconstruir pelo olhar de Scarlett, sentido e verbo. O olhar de Scarlett é tão mais notável quanto, apesar de colocado num belo e fresco rosto, encima um corpo que faz a gente pensar que a engenharia divina, vez por outra, se supera nos seus nobres e sagrados projetos para o ser humano sobre a Terra. Uma coisa.
(PARKLAND, USA 2013) - Parkland é o nome do hospital para onde levaram Kennedy, logo depois dos tiros em Dealey Plaza, no centro de Dallas. O filme procura focalizar os eventos que se sucederam neste dia e nos dois seguintes, quando Lee Oswald é preso e assassinado por Jack Ruby. Para quem conhece, mais profundamente, os fatos relacionados à morte de Kennedy, o filme deixa um pouco a desejar, pois dá a sensação de apenas mostar, superficialmente, as repercussões daquela tarde em Dallas. Um ponto alto, devo dizer, foi escalar o excelente Paul Giamatti para o papel de Abraham Zapruder, o sortudo (não na visão do próprio) que filmou os 30 segundos mais dramáticos de todos os tempos. De qualquer forma, o filme é uma forma de informar às novas gerações o que aconteceu num tempo em que câmeras de filmagens eram tão raras e quase nunca estavam no lugar certo e na hora idem.
(THE ETERNAL SHINE OF A SPOTLESS MIND, USA 2004) - O filme de Michael Gondry é, na verdade, uma grande
declaração de amor que se passa quase que inteiramente na mente de
Joel Barish, personagem de Jim Carrey. O que mais me fascina na trama é a
possibilidade real de que pessoas possam simplesmente apagar da memória
lembranças indesejáveis, sempre que quiserem. Isto acontece com Joel, que decide eliminar as lembranças de sua namorada, Clementine
(Kate Winslet), após terem uma briga e descobrir que ela o apagara de
suas memórias. Movido por vingança e raiva de ter sido eliminado - o que também é uma extraordinária demonstração de vaidade ferida - Joel
decide fazer o mesmo com Clementine, para seu posterior desespero. A história, desta forma, se transforma oniricametne numa grande jornada pelos momentos, felizes
ou não, de Joel e Clementine. Se de início as lembranças apenas se
repetem, aos poucos, o próprio Joel toma consciência - dentro de sua
própria mente, vale ressaltar - de que não quer perder aquelas
lembranças que, se hoje são dolorosas por não ter mais Clementine ao seu
lado, fazem parte de sua própria história, de uma história vivida em comum e bela, do seu jeito. Joel começa então a combater o processo de eliminação de memórias,
de forma a manter a lembrança de Clementine viva. Uma luta para manter
vivo não o amor, mas a lembrança de que um dia ele existiu.
Ao contrário do que possa parecer, Brilho Eterno... não é um dramalhão.
Há uma delicadeza incomum na forma com que o diretor faz o personagem de Carrey descobrir a importância de manter viva estas
memórias. Outro
ponto importante é o formato com o qual a história é narrada, que usa de
forma magistral o inusitado o fato de uma pessoa estar em sua própria
mente lutando contra suas memórias. Sim, pois Joel não apenas revive
suas memórias como também as subverte, alterando acontecimentos e
personagens de sua vida e até mesmo criando memórias até então
inexistentes. Usando os mais diversos truques, da simples
mudança de iluminação e foco até métodos mais elaborados, Gondry
consegue fazer com que o espectador sinta a aflição passada por Joel e
passe a torcer por ele. As lembranças dos bons momentos vividos por Joel
e Clementine, ao mesmo tempo realistas e encantadores, também ajudam no
sentido de fazer com que o público torça para que aquele romance não
termine, ou melhor, não seja esquecido. Vale destacar a cena de abertura
do filme, em que Joel e Clementine se vêem na praia e, logo depois,
conversam no trem. Simples, cativante e com uma trilha sonora inusitada,
Brilho Eterno... possui uma grande quantidade de cenas surpreendentes,
utilizando a situação de Joel estar em sua própria mente. Este é um filme que faz as pessoas pensarem na forma como lembram dos momentos que, juntos, construíram histórias de felicidade que, por vezes, deixamos que se percam no tempo, como lágrimas na chuva.
(THE JACKAL, USA 1997) - Apesar de algumas falhas no roteiro, O CHACAL ainda é um filme muito bom, mas que periga ir perdendo suas qualidades com o tempo e com sucessivas visitas deste espectador. Uma das coisas que me incomodaram agora foi uma certa displicência com que Bruce Willis constrói seu personagem: um terrorista cujo rosto ninguém conhece, capaz das maiores atrocidades, sem demonstar qualquer coisa que se assemelhe a uma emoção. Desta vez, achei que ele está quase com um pé no estereótipo canastrão, que, devo dizer, me fez ter vontade de rir em algumas cenas. O filme, infelizmente, ficou datado - hoje em dia, dificilmente uma ação terrorista seria executada com tanta facilidade, sem que o FBI estivesse, pelo menos em alguns momentos, à frente do bandido. Mas, o filme traz o grande Sidney Potier ainda magnetizando o espectador, o que não é pouco. Richard Gere, meio preguiçoso, faz um ex-combatente do IRA, o único capaz de reconhecer o Chacal.
(IRON MAN 3, USA 2013) - Novamente, Robert Downey Jr. tem uma interpretação inteligente - e aos mesmo tempo insolente - , e isso é o grande trunfo desta terceira edição do melhor casamento entre os super-heróis da Marvel e o cinema. Downey, no pináculo de uma interpretação cínica e visceral, traduz perfeitamente a dicotomia sagaz entre um superego público e heróico e um super ego quase incontrolável de Tony Stark. O filme entrega bons diálogos, humor afiado em quantidade generosa, uma excelente escalação de atores e um roteiro redondo, que oferece tanto familiaridade quanto surpresas. Porém, uma das coisas que ainda não digeri é a interpretação do grandíssimo Ben Kingsley, numa variação ainda mais transtornada e enigmática de Osama bin Laden - acho que ele chegou a um limite muito arriscado entre o paroxismo terrorista e a bazófia que, mesmo levando-se em conta o humor que perpassa o filme, ficou fora da curva do aceitável. O mais interessante nos roteiros dos filmes do HOMEM DE FERRO, e que está presente aqui, é focalizar o fato de o pior adversário de Tony Stark é o próprio Tony Stark. Shane Black substitui Jon Favreau na direção e imprime um ritmo alucinante na ação feérica, porém brincalhona, do filme no seu todo, e do ponto de vista técnico muito mais criativa e dinâmica do que Favreau seria capaz de conceber.Gwyneth Paltrow e Rebecca Hall são mais dois (muito) bons motivos para assistir IRON MAN 3.
(THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER, USA 2012) - Na trama de AS VANTAGENS DE SER INVISÍVEL, um
garoto de 15 anos, Charlie (Logan Lerman), entra no colegial enquanto se
recupera de uma depressão, que lhe rendeu tendências suicidas, e da
perda de seu único amigo. No colégio, porém, começa sua jornada de
socialização, de crescimento e recuperação com a inadvertida ajuda de
dois veteranos, Patrick (Ezra Miller) e Sam (Emma Watson), que o
recebem em seu mundinho à parte dos populares da escola. Achei que o filme perdeu uma boa oportunidade para analisar um pouco mais a fundo a questão do bullying nas escolas e as consequências disso nas pessoas que o sofrem. De certa forma, talvez pela limitação de tempo ou de cérebro, os roteiristas acabaram por arranjar algumas soluções "mágicas" para as questões levantadas, especialmente quando Charlie se vê diante do anseio amoroso e na hora que os meninos mais agressivos do colégio o atacam. Emma Watson está suavemente linda. E é mesmo uma excelente atriz.
(BRASIL, 2012) - Seguindo a onda das cinebios que andam invadindo o cinema, este filme sobre os primeiros anos de vida artística de Renato Russo dá o seu recado, embora uma série de preciosismos acabe por quebrar um pouco o ritmo, embora não comprometa o longa dirigido por Antonio Carlos da Fontoura. Por exemplo, a inserção de versos das músicas de Renato nos diálogos dos personagens ficou totalmente forçada e óbvia. O trio sexo-drogas-rock'n'roll, que seria uma das maiores características da vida do líder da Legião Urbana, ficou meio diluído entre quase clipes dos sucessos da banda, como se estivessem pedindo permissão para entrar na história. Thiago Mendonça faz uma caracterização quase perfeita de Renato, da voz aos trejeitos.
(THIS PROPERTY IS CONDEMNED, USA 1966) - Este drama dirigido por Sydney Pollack é baseado numa peça de Tenesse Williams. Williams é uma espécie de Nelson Rodrigues ianque, sempre focalizando nos seus trabalhos a paranóia do cotidiano do americano médio. Natalie Wood, linda e talentosa, como sempre, tem uma atuação tão magistral quando a que teve em SPLENDOUR IN THE GRASS. Robert Redford faz o papel do estranho que chega a uma cidadezinha do Mississipi, nos anos de depressão, para despedir os funcionários de uma ferrovia. Ao se encontrar com Alva (Wood), a vida de ambos se modifica. O enredo é bem construído, os diálogos são consistentes e, no fim, temos impressão de termos visto mais um clássico americano.
(WE BOUGHT A ZOO, USA 2011) - Há várias razões para eu rever este filme. A primeira delas é, claro, Scarlett Jonhasson. Mas, há também dois excelentes atores: Matt Damon e Thomas Hayden Church. Damon é Benjamim, um personagem na seguinte situação - viúvo recente, com dois filhos, ele compra um zoológico falido, numa região longe da cidade. É aí que o roteiro começa a mostrar como Ben precisa lidar com a brutal perda afetiva e ainda administrar este efeito devastador nos dois filhos. Damon dá ao seu personagem uma credibilidade impressionante, justamente porque ele passa o perfil de gente honesta, que quer fazer a coisa certa, apesar de todas as circunstâncias estarem contra.O esforço que ele e todos os outros fazem para levantar o zoológico é de uma simplicidade comovente: eles apenas querem que aquilo dê certo. Church faz o papel do irmão mais velho que todo mundo gostaria de ter. Gosto destes filmes que mostram como as pessoas lidam com suas perdas afetivas, como é o caso de Benjamim que, numa das cenas mais emocionantes, à noite, sentado no chão da cozinha, revê as fotos da esposa e, de repente, se dá conta de que te que aceitar o fato de ela não estar mais com eles. Claro que encontrar, assim, meio desgarrada do mundo, alguém parecido com Scarlett ajuda muito em qualquer recuperação emocional.
(THE LAST STAND, USA 2013) - Embora seja uma tentativa honesta de Arnold Schwarzenegger de voltar às telas com um personagem durão, bem no estilo de todos que ele fez durante sua carreira, o que fica evidente, assim que os créditos começam a rolar, que este é um triste fim de linha para o Arnoldão. O roteiro - se é que podemos chamar isso de roteiro - é de uma falta de originalidade constrangedora: um prisioneiro fugitivo, que o FBI não se mostra capaz de prender, tenta escapar para o México, passando por uma cidadezinha, onde um xerife linha-dura acaba dando conta do recado. É impressionante que ainda haja produtores que financiem uma coisa assim. Forrest Whitaker também entrou nesta roubada. Ah, no elenco, perdido, Rodrigo Santoro, num papel totalmente sem-noção. Melhor ter ficado apenas com Xerxers, de 300.
(LOVE, MARILYN, USA 2012) - Neste excelente documentário, várias personalidades do cinema interpretam trechos de anotações dos diários e cartas de Marilyn, entre cenas de filmes e de entrevistas da estrela mais mítica do universo de Hollywood. A maioria das cenas já foram vistas, mas a inserção das anotações pessoais da atriz, vivifica a revisão sobre sua vida glamourosa e seu trágico fim. Sabe, MM sempre me faz imaginar que sua vida real foi, na verdade, o roteiro de um filme, como no SHOW DE TRUMAN. Revendo tudo o que aconteceu com ela, parece mesmo que Norma Jean nasceu para viver um personagem que só ela poderia interpretar, dentro de um contexto histórico-social muito peculiar, onde a suposta realidade se misturava com a ficção, como numa produção inventada, ao mesmo tempo, pelo mais imaginativo roteirista e o último dos diretores mais paradigmáticos.
(AT MIDDLETON, USA 2013) - Claro que está muito além da ficção um sujeito assim, aparentemente sem graça, levar o filho para conhecer a faculdade e, lá, conhecer uma mulher linda, com todas as afinidades com ele, e, num único dia, perceberem que o encontro de almas era, por assim dizer, inevitável. Muito além da ficção, mas todos gostamos muito de histórias deste tipo, tão redondinhas, que acabam por rolar manso sobre os vastos gramados da Universidade de Middleton, onde se passa esta fábula pós-moderna, mas com raízes renascentistas. Andy Garcia é o tal sujeito de gravatinha borboleta, cirurgião cardiovascular, ou seja, um especialista em corações; Vera Farmiga - caramba, como consegue ser tão linda? - é a mulher que começa a se abrir para o recém-conhecido, ou recém-desconhecido, você escolhe, entre flashes de um sorriso mesmerizante e olhos de uma cor azul ainda não encontrada na escala Pantone. Ela está lá com a filha, que também acaba de entrar na faculdade. O fim do filme é previsível ou imprevisível? Diga. Poder-se-ia dizer que é como a vida de tantos que puderam ter o que, em inglês, se chama de "glimpse", ou seja, aquilo tudo que Bandeira disse que poderia ter sido e não foi. Fica a dúvida. Também fica a saudade de uma história muito parecida que aconteceu, há muito, entre nós.
(Itália/França, 2011) - É com pânico que o cardeal Melville (Michel Piccoli) reage à sua eleição como papa no conclave fictício imaginado pelo diretor Nanni Moretti, enquanto os outros cardeais suspiram aliviados por não terem sido eles os escolhidos. A toda hora, o mundano se intromete na história: seguem-se sessões emergenciais de terapia (Moretti faz o psicanalista), os cardeais, impacientes, querem deixar o Vaticano para comer fora, e o próprio Papa, que aproveita uma sessão de terapia para fugir, se vê nas ruas de Roma, maravilhando-se com uma vida da qual está há tanto tempo apartado. O tom, na verdade, é de sátira. Mas o assunto é sério. Trata-se de uma sátira sem o ridículo. Na maravilhosa atuação tragicômica do francês Piccoli, o cardeal é antes de mais nada um homem idoso e cansado, cujo conhecimento supremo é saber-se assim - humano e falível. Ator de imensos recursos dramáticos, Piccoli transforma o silêncio do exercício de reflexão num fardo que o consome de incertezas. Iconoclasta, Moretti, dessacraliza a liturgia da Igreja, para fazer uma obra maior sobre os conflitos da natureza humana, que nada têm de divinos. Ele não se propõe a questionar o sagrado, mas sim as contradições que nos tornam humanos. O filme é excelente.
(AMERICAN PSYCHO, USA/Canada, 2000) - Ainda bem que Leonardo DiCaprio resolveu desistir do papel principal de PA. Pelo menos, não passou pela saia justa de passar o vexame de não saber o que fazer com um material dramático extremamente difícil, do qual ele, na época, não saberia se desemcubir. Sorte nossa que tivemos a chance de ver um desempenho matador - em todos os sentidos - de Christian Bale como Patrick Bateman, um jovem executivo de Wall Street que compete duramente com seus colegas para ver quem ostenta os símbolos de status mais valiosos - os sapatos, os ternos, os cartões de visita, a reserva no restaurante esnobe, a namorada socialite. Artigos que, supõe-se, deveriam distinguir seu usuário da massa, mas têm o dom perverso de tornar todos idênticos entre si. Este é um filme que retrata à perfeição a vaidade em estado puro. Egoísta ao extremo, Bateman sabe que, por dentro, não vale muita coisa, e tem uma espécie de consciência do profundo asco de si mesmo. A diretora Mary Harron transformou um retrato circunscrito no tempo e no espaço em uma fábula perfeita para os dias de hoje, em que a cultura ultracompetitiva e ultra-aquisitiva representada pelo protagonista se tornou contagiosa e inevitavelmente nociva. Bale, mais uma vez, está organicamente sensacional.
(PROOF OF LIFE, USA 2000) - Só desta vez notei a excelente fotografia deste filme com Russel Crowe e Meg Ryan, que começaram um romance na vida real durante a produção. O filme é longo demais, embora seja correto na sua proposta de mostrar - um pouco estereotipadamente, é verdade - o clima de guerrilhas em países subdesenvolvidos da América do Sul. Meg Ryan continua, aqui, a ser uma péssima atriz, além de ser a dona do andar mais feio que o cinema já focalizou. Neste filme, ela ainda não apresentava o constrangedor contorno "bico de pato" na boca, resultado de uma aplicação de Botox, que a deixou ainda mais sem graça e feia. Crowe, por outro lado, mostra que é excelente, mesmo num papel sem grande envergadura.
(MIGHTY JOE YOUNG, USA 1998) - Eu nunca tinha assistido a este filme com atenção, mas, hoje, enquanto passava na TV, comecei a perceber que, tecnicamente, PODEROSO JOE é muito bom. Se compararmos com o KING KONG de Peter Jackson, com falhas técnicas evidentes, o Joe desta história ficou perfeito, em todas as cenas. A produção, em si, está à altura do original de 1949, ou seja, um exemplo de um remake que valeu a pena. Bacana ver o cameo de Terry Moore, o protagonista do filme original, e Harry Harryhausen, responsável pelos efeitos daquela produção. Ah, e, claro, tem Charlize Theron, linda e suave.
(THE SECRET OF SANTA VITTORIA, USA 1969) - Este é um dos filmes que marcaram a minha vida, pois é uma história cativante, principalmente pela atuação ígnea de Anthony Quinn, como Bombolini, um simplório prefeito de uma cidadezinha italiana, no pós-guerra, Santa Vitória. É ali que os nazistas pretendem fazer uma ocupação, saqueando o maior tesouro da população: um milhão e trezentas mil garrafas de vinho. Ciente disso, Bombolini executa um plano ousado: esconder a maioria da produção numa das cavernas próximas da cidade. Atenção para a atuação igualmente vibrante de Anna Magnani, que consegue, em inglês, dar a sonoridade italiana a um discurso sempre colérico, engraçado e, claro, politicamente incorreto. A sequência final é hilariante, inesquecível! Um clássico.
(MELANCHOLIA, Dinamarca, Suécia, França, Alemanha, 2011) - Nos oito minutos iniciais, ao som de Tristão e Isolda, de Wagner, Lars von Trier dá a partida para a história de duas irmãs que esperam o fim do mundo. Sim, o mundo vai acabar, e vemos isso claramente quando o gigantesco planeta Melancolia se aproxima da Terra e colide com ela estrondosamente. Ver isso logo no início do filme tem um propósito específico: surpreender não com a ideia do fim do mundo, mas com a maneira como seus personagens o receberão. Este ano, vi um outro filme com temática semelhante, PROCURA-SE UM AMIGO PARA O FIM DO MUNDO, que também me emocionou muito. É uma ideia interessante ver os dois em sequência.
(THE FAMILY MAN, USA 2000) - Este é um dois filmes que sempre vejo no fim de ano. Nicolas Cage é Jack Campbell, um investidor de Wall Street, que tem a oportunidade de ver como sua vida teria sido se ele tivesse casado com a namorada da época da faculdade (Téa Leoni, lindíssima). É uma boa oportunidade para pensarmos como seria a nossa vida se tivéssemos tomado decisões diferentes. Platão dizia: "Uma vida não examinada não merece ser vivida" - o filme, portanto, pode ter este viés filosófico, que instiga um questionamento sobre coisas como o "destino", o livre-arbítrio e a capacidade de empatia.
(2 DAYS IN NEW YORK, França/Alemanha/ Bélgica, 2012) - Evidentemente, vi este filme por causa de Julie Delpy, que protagoniza e dirige esta comédia meio sem graça. O casamento de seu personagem, Marion, com um americano naufragou, deixando-lhe só o filho pequeno - mas ela está feliz no namoro como Mingus (Chris Rock, péssimo), que também tem uma filha de outro relacionamento. Essa simetria harmônica é fragorosamente rompida com a chegada a Nova York do pai de Marion, sua irmã doidinha e o namorado idiota desta. Imagino que Julie tenha querido dar ênfase ao choque cultural, mas o que se vê é uma série de estereótipos preconceituosos em relação ao comportamento inapropriado dos franceses quando em visita a um país estangeiro. No fim, como se quisesse ser politicamente correta, a bela e talentosa Julie acaba fazendo a apologia da união da família, sem as devidas visões críticas.
(WEREWOLF - THE BEAST AMONG US, USA 2012) - Tenho sempre curiosidade a respeito dos filmes de terror, para compará-los com as pioneiras produções da Universal, lá da década de 30. Apesar de todo o avanço tecnológico, os filmes antigos eram infinitamente melhores. Este filme é muito bem cuidado na fotografia e nos cenários, mas falha no principal: o dono da festa, o lobisomem, é feito no pior CG possível, destoando totalmente da decente produção que até apresentou um roteiro bem original, dentro do possível, pois lembra, em algumas sequências, VAN HELSING. O cubano Steven Bauer e o irlandês Stephen Rea são os nomes mais famosos do elenco praticamente desconhecido.
(SHALLOW HAL, USA 2002) - Os irmãos Farrelly conquistaram espaço nobre no coração da novíssima crítica cinematográfica a partir de uma série de comédias calcadas na incorreção política, na qual limitações físicas estimulam o debate sobre exclusão. Neste filme, eles apostam numa das (muitas) doenças da nossa sociedade: a obsessão pela magreza. Soma-se a isso um boa catucada nas bases do desejo visual masculino, e temos Jack Black e seu humor cínico na pele de Hal, ensinado desde garoto a só se interessar por mulheres dentro dos padrões espartanos de beleza e desprezado por, ele mesmo, não estar dentro da expectativa feminina. Até que conhece Rosemary (uma Gwyneth Paltrow capaz de provocar abandono de lar), um exemplo de mulher tamanho GG, mas que, aos olhos dele é a mais bela das sílfides, graças à hipnose de um guri de autoajuda.
(SOLITARY MAN, USA 2010) -O equivocado título em português quase estraga este interessante filme em que Michael Douglas meio que faz um personagem-espelho de sua vida afetiva, consabidamente afetada pelo vício que ele próprio fazia questão de declarar, não sem com uma ponta de orgulho: sexo. Pois bem, neste filme, ele é Ben Kalmen, um famoso vendedor de carros, que já conheceu melhores dias, que dinamita seu futuro ao ceder à sedução de sua enteada, numa visita a um campus universitário. Lá, trava amizade com um garotão nerd (Jesse Eisenberg), para quem será uma espécie de tutor. A relação dos dois não descamba para o paternalismo raso. O roteiro do filme é delicado demais para sentimentalismos. Não se fala em redenção. Fala-se da em inconsequências afetivas - e em seus efeitos colaterais - sem juízos morais. Kalmen não tem medo da solidão, mas, sim, da miséria, da qual se dá conta após um torvelinho de episódios comoventes e hilários que nos levam ao impacto da cena final, tão singela como dramática. Atenção para o excepcional Danny DeVito e para a sempre resignada ex-esposa interpretada por Susan Sarandon.
(CAPTAIN SIMBAD, USA 1963) - Meu maior interesse, neste filme, é rever Guy Williams, o professor Robinson de Perdidos no Espaço, no papel de Simbad, numa história que envolve todo o universo fantástico do mundo árabe, incluindo um dragão invisível ( ! ). É uma boa oportunidade de comparar os efeitos deste filme com os do mestre Harry Harryhausen, sempre em produções de pouca criatividade. Aqui, não: a história é repleta de surpresas e as cenas super coloridas estimulam o interesse sobre uma típica atração da Sessão da Tarde.
(STOLEN, USA 2012) - Apesar de não andar fazendo bons filmes, Nicolas Cage ainda conta com crédito comigo. O RESGATE não é um filme ruim. É péssimo. Com qualquer outro ator, seria insuportável por mais de 10 minutos. A história é muito parecida com TAKEN, estrelado por Liam Neeson e tudo parece ter sido feito meio às pressas, como fica evidenciado no roteiro. Não lhe soa familiar uma trama em que um ex-presidiário procura pela filha, com quem tem problemas de relacionamento, é rejeitado por ela que, por sua vez, é sequestrada por um antigo comparsa do pai procurando vingança, para, no fim, todos se harmonizarem? Pois é, o filme é isso apenas. A falta de originalidade só agrava o que, por si só, já seria ruim. Os personagens são muito estereotipados, especialmente o psicopata com uma perna de pau interpretado por Josh Lucas. A sequência final é constrangedora, com direito até a uma pálida alusão ao EXTERMINADOR DO FUTURO.
(FANTASTIC VOYAGE, USA 1966) - Este é um dos meus filmes favoritos. Quando um diplomata, de importância vital nas relações da Guerra Fria, sofre um atentado em entra em coma, um grupo de médicos é convocado por um programa secreto do governo para operá-lo, depois de serem miniaturizados dentro do PROTEUS, um dos mais legais submarinos atômicos já mostrado pelo cinema de sci-fy. Entre os cientistas, está Raquel Welch, mais linda do que se pode imaginar, num uniforme colado ao corpo sinuoso. Vendo hoje, pude perceber que a música incidental é muito parecida com a que rolou, anos depois, em O PLANETA DOS MACACOS, com Charlton Heston, e que o roteiro pareceu ter sido feito meio às pressas, acentuando de maneira quase infantil o didatismo de algumas cenas. Mas, no todo, é ainda o mesmo filme que me impressionou indelevelmente, desde a primeira vez que o vi. Imagino como deve ter sido no cinema, com a tela grande.
(MAN HUNT, USA 1941) - Esta pequena obra-prima de Fritz Lang tem um ritmo quase teatral, mas que se coaduna muito bem com o clima da II Grande Guerra, no que diz respeito ao que, à época, era considerado um "serviço de inteligência". A história parte de uma premissa curiosa: um cidadão britânico, sem motivo aparente, enquanto de férias na Alemanha, aponta seu rifle de caça para o Führer em pessoa, tranquilamente dando bobeira numa sacada de uma casa de campo. Um soldado nazista se atraca com ele, antes de sabermos se o tiro seria ou não disparado. Os alemães concordam soltá-lo, sob a condição de que ele assinasse um documento responsabilizando o governo inglês pelo quase atentado. Walter Pidgeon é o protagonista, o oligopiônico John Carradine é o seu perseguidor e, para nossa surpresa, o jovenzinho Roddy MacDowell já mostra seu talento.
(A DANGEROUS METHOD, Inglaterra/Alemanha/Canadá/Suíça) - Sou fã de David Cronenberg, por isso fiquei curioso para saber como ele iria mostrar como Jung e Freud progrediriam de uma relação confortável entre discípulo e mestre para o ressentimento, o ataque e o ódio. Fica claro, no filme, o simbolismo psicanalítico entre o aluno e a figura paterna que, logicamente, Freud encarnava muito bem. De fato, o roteiro nos traz um Jung fraco que, no fundo, deseja o parricídio que nunca será capaz de perpetrar, emocionalmente, é claro - Jung teve um longo período de glória, mas é sob a égide de Freud, não a sua, que vivemos até hoje. Não obstante, Michael Fassbender dá a seu Jung a dimensão de uma colisão controlada de ambição científica, desejo rebelde e necessidade de afirmação. É por aí que, diante de Freud (Viggo Mortensen), ele tentar justificar sua relação amorosa com Sabine (Keira Knightely), uma ex-paciente que logo vai, também, se tornar uma psicanalista. Embora começasse a formular uma teoria dissidente da libido (como professava Freud), o Jung do filme quase põe tudo a perder ao se enrabichar pela mulher que lhe dava os prazeres que a esposa (esta, sim, objeto mais evidente de uma psicanálise mais intensa) lhe negava.
(ARGO, USA 2012) - Este filme dirigido por Ben Affleck ganhou o Globo de Ouro e o Oscar - isto é tão difícil de acreditar quanto o fato de sua história tratar de um episódio verídico. De fato, não achei o filme tivesse potencial para tanto, embora seja correto e bem dirigido por um dos piores atores que já pisaram a sombra do famoso letreiro de Hollywood. De talentos menos notáveis como ator que como diretor, Affleck repete a fórmula bem sucedida de ATRAÇÃO PERIGOSA, deixando os melhores papéis para quem sabe atuar e acertadamente escolhe o personagem cuja maior característica é nunca chamar atenção sobre si. De qualquer forma, apesar de todas as críticas que lhe fiz, Affleck é um exemplo de um profissional que cresceu ao se desviar do óbvio fracasso na frente das câmeras, para aí, sim, aparecer para o mundo do cinema como um bom diretor que pode ir ainda mais longe.
