4677 - NOSFERATU, UMA SINFONIA DE HORROR (1922)

NOSFERATU: UMA SINFONIA DE HORROR (NOSFERATU, EINE SIMPHONIE DES GRAUENS, Alemanha, 1922) – Um dos filmes mais importantes do Expressionismo alemão, a obra de F.W. Murnau é uma obra-prima, cujo elementos dramáticos ainda povoam o imaginário popular. Seja pela caracterização magnífica de Max Schreck, como conde Orlok (a.k.a. Drácula), seja pelos enquadramentos expressionistas clássicos e o uso perfeito de luz e sombras, o filme é um marco no cinema de horror, com uma estética própria, a ponto de influenciar várias produções do gênero. O cotejo com o NOSFERATU de 2024 é inevitável. Robert Eggers seguiu literalmente a história contada por Murnau, mas comete uma imprecisão na elaboração de Orlok, personagem pivotal da história: sua caracterização não tem a força de Schreck (cuja presença em cena não excede os 9 minutos) e é uma nota dissonante na atual sinfonia macabra de Eggers. O filme de Murnau possui uma narrativa ágil e tensa, alinhada à atmosfera gótica e ameaçadora do roteiro, e continua sendo um dos filmes mais importantes de todos os tempos. One of the most important films of German Expressionism, the work of F.W. Murnau is a masterpiece, whose dramatic elements still populate the popular imagination. Whether for the magnificent characterization of Max Schreck, as Count Orlok (a.k.a. Dracula), or for the classic expressionist framing and the perfect use of light and shadows, the film is a milestone in horror cinema, with its own aesthetic, to the point of influencing several productions of the genre. The comparison with the 2024 NOSFERATU is inevitable. Robert Eggers literally followed the story told by Murnau, but commits an inaccuracy in the elaboration of Orlok, the pivotal character of the story: his characterization does not have the strength of Schreck (whose presence on stage does not exceed 9 minutes) and is a dissonant note in Eggers' current macabre symphony. Murnau's film has an agile and tense narrative, in line with the gothic and menacing atmosphere of the script, and remains one of the most important films of all time. DVD.

4676 - NOSFERATU (2024)

 

NOSFERATU (USA, UK, 2024) – O filme de Robert Eggers é uma homenagem a NOSFERATU, de Murnau, lançado em 1922, principalmente nos enquadramentos usados por Eggers. E é uma homenagem muito bem feita, com cinematografia caprichada e uma direção de arte excepcional, com detalhes precisos em um nível insano. Contudo, uma escolha de elenco comprometeu a história: Lily-Rose Depp exagera no sofrimento físico de sua personagem, e isso faz o espectador perder o foco da narrativa nas suas cenas, apesar de muitos acharem o contrário. Nicholas Hoult, depois de ter feito REINFELD, se vê novamente às voltas com um vampiro, agora com consequências mais deletérias. A construção de mundo, retratando a Europa no século XIX, é primorosa e oferece a atmosfera necessária para o desenvolvimento da história. No entanto, a concepção do conde Orlok, vivido (ou morrido) por Aaron Taylor-Johnson, parece um pouco distante da proposta do filme, embora se aproxime da descrição do livro que deu origem a isso tudo, o DRÁCULA, de Bram Stoker. Quem rouba as cenas é Willem Dafoe, como um genérico do Dr. Van Helsing – ele dá, se me permitem, um pouco de vida a uma narrativa reticente e sem grandes surpresas. A metáfora da peste, simbolizada pelos ratos e personificada por Orlok, é explorada até certo ponto, e é deixada de lado quando o foco recai sobre os sonhos românticos do conde, reforçando uma ideia trágica e estranhamente humana: nada pode ser mais destrutivo do que nossos sonhos realizados. Robert Eggers' film is a tribute to Murnau's NOSFERATU, released in 1922, mainly in the framing used by Eggers. And it's a very well done tribute, with neat cinematography and exceptional art direction, with precise details at an insane level. However, a casting choice compromised the story: Lily-Rose Depp exaggerates the physical suffering of her character, and this makes the viewer lose the focus of the narrative in her scenes, despite many thinking otherwise. Nicholas Hoult, after having made REINFELD, finds himself again grappling with a vampire, now with more deleterious consequences. The world-building, depicting Europe in the nineteenth century, is exquisite and offers the necessary atmosphere for the development of the story. However, the conception of Count Orlok, played (or died) by Aaron Taylor-Johnson, seems a little distant from the film's proposal, although it comes close to the description of the book that gave rise to all this, Dracula, by Bram Stoker. Who steals the scenes is Willem Dafoe, as a generic Dr. Van Helsing – he is the one who gives, if you allow me, a little life to a reticent narrative without major surprises. The metaphor of the plague, symbolized by rats and personified by Orlok, is explored to a certain extent, and is left aside when the focus falls on the count's romantic dreams, reinforcing a tragic and strangely human idea: nothing can be more destructive than our fulfilled dreams. Prime.

4675 - A MULHER DO LADO (1981)

 

A MULHER DO LADO (LA FEMME D’À COTÉ, França, 1981) – Este filme de François Truffaut é sobre reencontros. Os caminhos de Mathilde (Fanny Ardant) e Bernard (Gerard Depardieu) se cruzam depois de 8 anos, quando ela e o marido se mudam para a casa ao lado de onde moram Bernard e sua esposa. Há, aí, uma dedução inevitável: a velha chama ainda não se apagara por completo, e os dois se reaproximam, mesmo correndo os riscos imanentes à suas atuais situações maritais. Talvez o ponto imaginado por Truffaut seja a prevalência dos sentimentos – egoístas, por sinal – sobre uma racionalidade que inviabilizaria a história na sua origem. Afinal, qual o custo de perder o resultado de suas escolhas supostamente mais maduras em função da tentativa de reacender a excitação irresponsável da juventude? Mathilde, aparentemente, é infeliz no casamento; mas Bernard tem uma vida tranquila e satisfatória com sua esposa. No entanto, a chegada de Mathilde abala esse estado de coisas, fazendo-o manter uma relação clandestina com ela, apenas para, de certa forma, reparar um sentimento de culpa por tê-la deixado anos atrás. Nesta altura, inserir-se-ia o que Sartre dizia sobre opor-se a qualquer ética de heteronomia: a ação não se move em função de uma vontade exterior à consciência nem por um conjunto de desejos e paixões. Sendo a liberdade (no caso de Bernard e Mathilde e de suas ações) o princípio fundamental da ação humana, ela se constitui no plano da ética e está indissoluvelmente ligada à responsabilidade dessas ações. Portanto, a ética é indispensável – sem ela, impera a força, a violência, os interesses individuais privados e mesquinhos. Destarte, o filme propõe essa reflexão acerca da responsabilidade de Mathilde e Bernard em relação às suas decisões prévias envolvendo outras pessoas não diretamente ligadas a situações inconclusas de suas vidas. Assim, Truffaut parece reforçar a necessidade fechamento emocional dos ciclos afetivos da vida, pois, caso contrário, corre-se o risco de aprofundar feridas já abertas, sem a menor possibilidade de cicatrização, e com o risco colateral de envolver, de modo deletério, personagens despertencentes a um drama oriundo de expectativas frustradas. This film by François Truffaut is about reunions. Mathilde and Bernard's paths cross after 8 years, when she and her husband move into the house next door to where Bernard and his wife live. There is, here, an inevitable deduction: the old flame has not yet been completely extinguished, and the two get closer again, even taking the risks immanent to their current marital situations. Perhaps the point imagined by Truffaut is the prevalence of feelings – selfish, by the way – over a rationality that would make history unfeasible at its origin. After all, what is the cost of losing the result of your supposedly more mature choices due to the attempt to rekindle the irresponsible excitement of youth? Mathilde is apparently unhappy in her marriage; but Bernard has a quiet and satisfying life with his wife. However, Mathilde's arrival shakes this state of affairs, making him maintain a clandestine relationship with her, just to, in a way, repair a feeling of guilt for having left her years ago. At this point, what Sartre said about opposing any ethics of heteronomy would be inserted: action does not move according to a will external to consciousness or by a set of desires and passions. Since freedom (in the case of Bernard and Mathilde and their actions) is the fundamental principle of human action, it is constituted on the level of ethics and is indissolubly linked to the responsibility of these actions. Therefore, ethics is indispensable – without it, force, violence, private and petty individual interests prevail. Thus, the film proposes this reflection on the responsibility of Mathilde and Bernard in relation to their previous decisions involving other people not directly linked to unfinished situations in their lives. Thus, Truffaut seems to reinforce the need for emotional closure of the affective cycles of life, because, otherwise, there is a risk of deepening wounds that are already open, without the slightest possibility of healing, and with the collateral risk of involving, in a deleterious way, characters who do not belong to a drama arising from frustrated expectations. TC Cult.

4674 - ELIS & TOM - SÓ TINHA QUE SER COM VOCÊ (2022)

ELIS & TOM – SÓ TINHA QUE SER COM VOCÊ (Brasil, 2022) - Documentário dirigido por Roberto de Oliveira e Jom Tob Azulay, com imagens da gravação do antológico álbum da cantora com Antonio Carlos Jobim. Gravado pelo produtor Roberto de Oliveira durante os registros, em Los Angeles, nos Estados Unidos, do álbum lançado em 1974, o filme apresenta uma série de materiais de bastidores inéditos, inéditos desde então, e mostrando todos os altos e baixos por trás da produção do álbum - que por muito pouco não foi interrompida, em função dos desentendimentos inicias entre Tom e Elis, principalmente pela presença de César Camargo Mariano, arranjador e marido da maior cantora do Brasil na época. Documentary directed by Roberto de Oliveira and Jom Tob Azulay, with images from the recording of the singer's anthological album with Antonio Carlos Jobim. Recorded by producer Roberto de Oliveira during the recordings, in Los Angeles, in the United States, of the album released in 1974, the film presents a series of unpublished behind-the-scenes materials, unpublished since then, and showing all the ups and downs behind the production of the album - which was almost interrupted, due to the initial disagreements between Tom and Elis, mainly due to the presence of César Camargo Mariano, arranger and husband of the greatest singer in Brazil at the time. Arte 1. 

4673 - QUEM TEM MEDO DE LOBISOMEM? (1975)

 

QUEM TEM MEDO DE LOBISOMEM? (Brasil, 1975) – Dirigido e roteirizado por Reginaldo Farias, o filme é considerado um protesto velado contra a ditadura, segundo depoimento de Stepan Nercessian. Sim, pode-se vislumbrar alguma crítica no roteiro baseado numa história ocorrida em Macuco onde, anos antes, alguns moradores haviam avistado algo parecido com um lobisomem. A licantropia do filme representaria, assim, a repressão do regime, num cenário onde havia um coronel (Carlos Kroeber) enfurecido com as ações supostamente subversivas dos personagens de Reginaldo e Stepan. Tecnicamente, o filme tem falhas na edição, e isso compromete significativamente a narrativa, principalmente nas transições entre as sequências de ação. É uma boa oportunidade de rever Friburgo naquela época, nas cenas inicias. Directed and scripted by Reginaldo Farias, the film is considered a veiled protest against the dictatorship, according to Stepan Nercessian's testimony. Yes, one can glimpse some criticism in the script based on a story that took place in Macuco where, years before, some residents had seen something similar to a werewolf. The lycanthropy of the film would thus represent the repression of the regime, in a scenario where there was a colonel (Carlos Kroeber) enraged by the supposedly subversive actions of Reginaldo and Stepan's characters. Technically, the film has flaws in editing, and this significantly compromises the narrative, especially in the transitions between action sequences. It's a good opportunity to see Friburgo again at that time, in the opening scenes. Canal Brasil.

4672 - QUEER (2024)

 

QUEER (USA, Itália, 2024) – O filme estrelado por Daniel Craig é sobre um amor dessincronizado, conforme entrevista dada pelo melhor James Bond do cinema. Na adaptação da obra de William Burroughs, Craig se entrega ao personagem de tal forma, que emerge dali um feito de que só os grandes atores são capazes: conseguir tirar das especificidades de um personagem complexo aquilo que pode ser de mais universal, e isso ele faz magistralmente bem. O Lee feito por Craig é um expatriado no México nos anos 50, encharcado de tequila e chapado de heroína até a alma, sobrevivendo a uma solidão cósmica, indizível, dolorida, até conhecer Eugene (Drew Starkey), bem mais jovem que ele e com um perfil gelado e distante, totalmente o oposto de Lee. Fica bem clara a percepção de Lee em relação a Eugene: ele vislumbra a possibilidade de uma verdadeira conexão, a chance de um entendimento pleno, capaz de dar sentido à sua vida. isso tudo é mostrado pelo diretor Luca Guadagnino de forma intensa, sensual e sensorial. Ele filma com uma intensidade quase embriagante para quem assiste, usando magnificamente as angulações inesperadas das paredes em quase todas as cenas e lembrando muito o impacto visual dos quadros de Edward Hopper. A trilha sonora anacrônica, com Nirvana e New Order, traz ao filme uma sensação de atemporalidade responsável pela quase imediata identificação de elementos universais componentes da vida de todo mundo. The film starring Daniel Craig is about an unsynchronized love, according to an interview given by the best James Bond in cinema. In the adaptation of William Burroughs' work, Craig gives himself to the character in such a way that emerges from it a feat that only great actors are capable of: being able to take from the specifics of a complex character what can be most universal, and this he does masterfully well. The Lee played by Craig is an expatriate in Mexico in the 50s, drenched in tequila and stoned with heroin to the soul, surviving a cosmic, unspeakable, painful loneliness, until he meets Eugene (Drew Starkey), much younger than him and with an icy and distant profile, totally the opposite of Lee. Lee's perception of Eugene is very clear: he glimpses the possibility of a true connection, the chance for a full understanding, capable of giving meaning to his life. this is all shown by director Luca Guadagnino in an intense, sensual and sensorial way. He films with an almost intoxicating intensity for those who watch, magnificently using the unexpected angles of the walls in almost every scene and very reminiscent of the visual impact of Edward Hopper's paintings. The anachronistic soundtrack, with Nirvana and New Order, brings to the film a sense of timelessness responsible for the almost immediate identification of universal elements that are components of everyone's life.

4671 - BATMAN ETERNAMENTE (1995)

BATMAN ETERNAMENTE (BATMAN FOREVER, USA, 1995) – De fato, deu tudo errado neste filme de Joel Schumacher: os cenários exagerados, com prédios em neon, iluminados em excesso, e sempre muito coloridos, transformaram Gotham City, uma cidade sombria e soturna, em algo que ela nunca foi; os vilões vividos por Jim Carrey e Tommy Lee Jones, com suas atuações caricatas, transformaram o Charada e Duas Caras em palhaços over, com falas piores ainda; a inserção de Robin parece totalmente artificial, sem qualquer conexão com a história de Batman, além do uniforme esdrúxulo; o roteiro, em si, é fraco em relação aos planos dos bandidos e no combate feito por Batman – não se pode, obviamente, cobrar muito realismo no universo criado por Bob Kane, mas aqui deram um pontapé na suspensão de descrença num limite inaceitável. No mais, Val Kilmer faz um Batman bem palatável, apesar de ser jovem demais para o personagem, e Nicole Kidman nem de longe se parece com o festival de procedimentos estéticos a que se submeteu e a desfigurou hoje em dia. Seria uma boa escolha para uma versão feminina do Duas Caras.  In fact, everything went wrong in this Joel Schumacher film: the exaggerated sets, with neon buildings, overlit, and always very colorful, transformed Gotham City, a gloomy and dark city, into something it never was; the villains played by Jim Carrey and Tommy Lee Jones, with their caricatured performances, turned the Riddler and Two-Face into exaggerated clowns, with even worse lines; the insertion of Robin seems totally artificial, without any connection to Batman's story, besides the weird uniform; the script itself is weak in relation to the plans of the bad guys and the combat done by Batman – one cannot, obviously, demand much realism in the universe created by Bob Kane, but here they kicked the suspension of disbelief in an unacceptable limit. In addition, Val Kilmer makes a very palatable Batman, despite being too young for the character, and Nicole Kidman doesn't even remotely resemble the festival of aesthetic procedures she underwent and disfigured her today. It would be a good choice for a female version of Two-Face.

4670 - O JÚRI (2003)

 O JÚRI (RUNAWAY JURY, USA, 2003) – Este é um filme cujo elenco é muito maior do que a história – só a cena com Dustin Hoffmann e Gene Hackman trancados num banheiro, discutindo sobre a ética de um julgamento já valeria o ingresso. Além dos dois, John Cusak e Rachel Weisz, como um casal com uma agenda escondida, estão no tom certo dentro do roteiro capaz de questionar o sistema jurídico americano, especialmente na fragilidade de manipulação da composição da bancada de jurados. O romance de John Grisham, do qual o filme é adaptado, se baseia na premissa de que seria muito fácil manipular o sistema de escolha de jurados, uma ilação muito preocupante, por sinal. O grande destaque do filme é, sem dúvida, a atuação, sempre magnífica de Hackman, seguida bem de perto por Hoffmann. This is a film whose cast is much important than the story – the scene with Dustin Hoffmann and Gene Hackman locked in a bathroom, arguing about the ethics of a trial would be worth the ticket. In addition to the two, John Cusak and Rachel Weisz, as a couple with a hidden agenda, are in consonance with the script capable of questioning the American legal system, especially in the fragility of manipulation of the composition of the jury panel. John Grisham's novel, from which the film is adapted, is based on the premise that it would be very easy to manipulate the juror selection system, a very worrying conclusion, by the way. The great highlight of the film is, without a doubt, Hackman's performance, always magnificent, followed very closely by Hoffmann. Prime.

4669 - A MÁSCARA DA TRAIÇÃO (1969)

 

A MÁSCARA DA TRAIÇÃO (Brasil, 1969) – Aproveitando a popularidade de Tarcísio Meira, Glória Menezes e Claudio Marzo, o filme conta a história de dois amantes tramando o roubo da renda de um jogo de futebol no Maracanã, até um desfecho inesperado e, de certa forma, bem urdido pelo roteiro. Tarcísio tem uma atuação talvez propositadamente engessada e é um elemento dissonante dramaticamente na narrativa, onde Claudio Marzo se destaca como uma das pontas do triângulo amoroso, fazendo um personagem angustiado pelo risco do golpe tramado com Cristina (Glória Menezes). É interessante ver o entorno do Maracanã àquela época, com a Tijuca mostrada praticamente como uma cidade do interior, quase sem prédios. Taking advantage of the popularity of Tarcísio Meira, Glória Menezes and Claudio Marzo, the film tells the story of two lovers plotting to steal the income from a soccer game at Maracanã, until an unexpected outcome and, in a way, well woven by the script. Tarcísio has a perhaps purposely plastered performance and is a dissonant element dramatically in the narrative, where Claudio Marzo stands out as one of the ends of the love triangle, playing a character anguished by the risk of the coup plotted with Cristina (Glória Menezes). It is interesting to see the surroundings of Maracanã at that time, with Tijuca shown practically as a city in the countryside, with almost no buildings. Canal Brasil.

4668 - BETO ROCKFELLER (1970)

 

BETO ROCKFELLER (Brasil, 1970) – Versão para a tela grande do sucesso da novela também protagonizada por Luiz Gustavo sobre um bon vivant gaiato e simpático, sempre se aproveitando da boa lábia para entrar em festas na alta sociedade e posar de milionário. Beto Rockfeller, o personagem, seria a subcelebridade tão em voga atualmente graças à internet, com muita pirotecnia e nenhuma substância, mas, naquela época, representava um tipo de vida desejado pela juventude reprimida pelos anos de chumbo da ditadura militar. Representante de uma classe média baixa sem muitas perspectivas, BR se vale de artifícios para manter um aparente nível elevado de vida, sem qualquer preocupação com as consequências de suas mentiras, numa postura bem egoística em consonância com certos valores atribuídos a uma extração social reprimdia cuja única vantagem era ser mais “esperta” em relação a seus algozes. Big screen version of the success of the soap opera also starring Luiz Gustavo about a  friendly bon vivant, always taking advantage of good speech to enter parties in high society and pose as a millionaire. Beto Rockefeller, the character, would be the sub-celebrity so in vogue today thanks to the internet, with a lot of pyrotechnics and no substance, but, at that time, he represented a type of life desired by the youth repressed by the leaden years of the military dictatorship. Representative of a lower middle class without many prospects, BR uses artifices to maintain an apparently high standard of living, without any concern for the consequences of his lies, in a very selfish posture in line with certain values attributed to a repressive social extraction whose only advantage was to be “smarter” in relation to his tormentors. Canal Brasil.