EU (Brasil, 1987) – Pornochanchada
com a pretensão de filme cult, com Tarcísio Meira mais canastrão do que nunca,
reunindo aparentemente a única razão para atrair algum público: o desfile de
algumas das mulheres mais famosas da época: Nicole Puzzi, Monique Lafond, Monique
Evans, Bia Seidl e Christiane Torloni. O roteiro gira em torno da
irresistibilidade de Tarcísio e tangencia perigosamente a possibilidade de uma
relação incestuosa entre o personagem de Tarcísio e o de sua filha (Seidl). Pornochanchada with the pretension
of a cult film, with Tarcísio Meira more ham actor than ever, apparently
bringing together the only reason to attract some audience: the parade of some of
the most famous women of the time: Nicole Puzzi, Monique Lafond, Monique Evans,
Bia Seidl, and Christiane Torloni. The script revolves around Tarcisio's mojo and
dangerously touches on the possibility of an incestuous relationship between Tarcisio's
character and that of his daughter (Seidl). Canal Brasil.
A MULHER DA CABINE 10 (THE WOMAN IN CABIN 10, USA, UK, 2025) – Dois bons atores (Keira Knightley e Guy Pearce) deveriam ser garantia
de filmes igualmente bons. Mas não é o que acontece aqui. A trama, supostamente
de suspense, se passa dentro de um iate luxuoso, para onde um milionário
(Pierce) convida várias pessoas, inclusive uma repórter, Laura (Knightley), que
vê uma pessoa sendo jogada em alto mar, tenta alertar a tripulação, mas ninguém
acredita em sua história. É uma tentativa – frustrada - de emular Hitchcock,
com a situação de uma protagonista que testemunha um crime, mas não consegue
denunciá-lo, usando o mesmo conceito de um filme de 1938, dirigido por Hitch,
THE LADY VANISHES. A parte final parece escrita por adolescentes bêbados e põe
em risco a credibilidade de uma atriz correta, como Keira Knightley, e de
Pierce, um ator com bons trabalhos na carreira. Two good actors (Keira Knightley
and Guy Pearce) should be a guarantee of equally good films. But that's not what
happens here. The plot, supposedly suspenseful, takes place inside a luxurious yacht,
where a millionaire (Pierce) invites several people, including a reporter, Laura
(Knightley), who sees a person being thrown into the high seas, tries to alert the
crew, but no one believes his story. It is an attempt – frustrated – to emulate
Hitchcock, with the situation of a protagonist who witnesses a crime, but cannot
denounce it, using the same concept as a 1938 film, directed by Hitch, THE LADY
VANISHES. The final part seems written by drunk teenagers and jeopardizes the credibility
of a correct actress, such as Keira Knightley and Pierce, an actor with good works
in his career.
BUSCA
IMPLACÁVEL (TAKEN, USA, 2008) – Esta série com Liam Neeson
tem todos os componentes deste gênero, em especial, aqui, com a abordagem do
tráfico internacional de mulheres. Mas é atuação impressionante – e, até então,
surpreendente – de Neeson, como um protagonista num filme de ação (sem contar o
seminal DARKMAN, 1990), que move um roteiro ágil (com a assinatura de Luc
Besson), hipnótico e razoavelmente estruturado num motif universal – a figura
paterna capaz de tudo para proteger sua prole, no caso, sua filha, raptada para
ser oferecida a um sheik milionário em Paris. This
series with Liam Neeson has all the components of this genre, especially, here,
with the approach to the international trafficking of women. But it is Neeson's
impressive – and, so far, surprising – performance, as a protagonist in an action
movie (not to mention the seminal DARKMAN, 1990), that moves an agile script (with
the signature of Luc Besson), hypnotic and reasonably structured in a universal
motif – the father figure capable of anything to protect his offspring, in this
case, his daughter, kidnapped to be offered to a millionaire sheik in Paris. Disney
Plus.
HORAS
DE DESESPERO (NO ESCAPE, USA, 2015) – Uma família
americana viaja para um país asiático, é surpreendida por um sangrento golpe de
Estado e luta para fugir do conflito. Este é um dos thrillers mais tensos dos
últimos tempos – desde a gongórica sequência inical, quando o líder político do
país é assassinado, dando início ao banho de sangue que se seguiria, até à saga
da familia tentando se salvar, pois, com o golpe, os estrangeiros passam a ser
vistos como inimigos, especialmente os americanos, agora acusados de explorar a
população através de suas empresas no país. Owen Wilson, longe de suas comédias
românticas, surpreende como Jack, incansável na proteção de sua esposa e filhas.
Pierce Brosnan, assim como Owen, parecia uma escolha improvável para um personagem
aparentemente não alinhado com sua fleuma irlandesa, mas ele prova ser um ator
excepcional, especialmente quando o roteiro lhe exige um twist espetacular e
totalmente coerente com a história. A ação pulsante é tão impressionante que
nos faz sentir na alma e no coração as mesmas sensações terríveis daquelas pessoas
totalmente abandonadas, num lugar muito distante de casa, com as suas vidas em
permanente risco. An American family travels to an Asian country, is
surprised by a bloody coup d'état, and fights to escape the conflict. This is one
of the tensest thrillers of recent times – from the initial bloody sequence, when
the country's political leader is assassinated, starting the bloodbath that would
follow, to the saga of the family trying to save themselves, because, with the coup,
foreigners are seen as enemies, especially Americans, now accused of exploiting
the population through their companies in the country. Owen Wilson, far from his
romantic comedies, surprises as Jack, tireless in protecting his wife and daughters.
Pierce Brosnan, like Owen, seemed like an unlikely choice for a character seemingly
not aligned with his Irish phlegm, but he proves to be an exceptional actor, especially
when the script demands a spectacular twist that is fully coherent with the story.
The pulsating action is so impressive that it evokes in our soul and heart the same terrible sensations as those people who are totally abandoned, in a place far from
home, with their lives at permanent risk. HBO.
This Is What Life Was Like for Germans in 1936 When Hitler Was in Power! - In 1936, Germany was experiencing a
period of transformation marked by the absolute control of the Nazi regime.
Under Adolf Hitler's leadership, propaganda permeated every aspect of daily
life, from education to entertainment. The population was constantly exposed to
speeches and images that exalted the figure of the Führer and reinforced the
idea of a people united under a common ideal. The regime sought to shape not
only politics but also the mentality and behavior of every citizen. The economy
showed signs of recovery after the post-war crisis and the Great Depression.
The government promoted major infrastructure projects, such as the construction
of highways and factories, which reduced unemployment and generated a sense of
progress. However, these achievements were accompanied by increasing
militarization, as industry focused on preparing the country for the impending
war. Many Germans felt that the future was once again promising, although this
optimism was built on a dangerous foundation. In social life, surveillance and
control were constant. Youth organizations, such as the Hitler Youth,
indoctrinated young people from an early age, instilling obedience, discipline,
and unwavering loyalty to the regime. At the same time, those who did not share
Nazi ideology or belonged to persecuted minorities, such as Jews, were
increasingly marginalized, suffering restrictions in work, education, and
public life. The year 1936 was also marked by symbolic events such as the
Berlin Olympic Games, an international showcase through which the regime sought
to showcase a modern and powerful Germany. For many Germans, these events
reinforced national pride and the illusion of a rebirth under Hitler. However,
behind this facade of unity and greatness lay the seeds of terror and
repression that would soon be unleashed throughout Europe. YouTube.
SOMBRAS DE UM CRIME (MARLOWE, USA, 2022) – Liam Neeson
é um ator estupendo, capaz de atuações memoráveis, como em A LISTA DE
SCHINDLER. Lamentavelmente, seu talento é desperdiçado em muitas produções
pouco inspiradas, como esta, um noir insípido, com personagens que apenas vagam
de cena em cena, graças a uma edição pouco inventiva e diálogos vazios e
confusos. Tudo é sem originalidade, a partir do título (em inglês, alusão ao personagem
de Raymond Chandler) e dos personagens estereotipados e situações idem. E Liam
tenta levar a sério a investigação de um crime meio óbvio desde o começo, enquanto
digladia emocionalmente com a femme fatale escalada para o filme, interpretada
com preguiça por Diane Kruger. Liam Neeson is a stupendous actor,
capable of memorable performances, such as in SCHINDLER'S LIST. Unfortunately, his
talent is wasted in many uninspired productions, such as this one, a bland noir,
with characters that just wander from scene to scene, thanks to unoriginal editing
and empty and confusing dialogue. Everything is unoriginal, from the title (in
English, an allusion to Raymond Chandler's character) and the stereotyped characters
and situations as well. And Liam tries to get serious about investigating a somewhat
obvious crime from the beginning, while emotionally fighting the femme fatale cast
in the film, played lazily by Diane Kruger. Prime.
POSSUÍDAS
PELO PECADO (Brasil, 1976)– Da série “trash made in Brazil”, este filme dirigido por Jean Garret
tem o indefectível David Cardoso numa de suas não atuações já consabidas por
mim e por Michaeeeel. A trama gira em torno de um milionário, suas amantes e seu
desejo frustrado de ter um filho homem, fato que o afasta da esposa, amante do
motorista (Cardoso). A partir daí, temos um empilhamento de cenas sem muito nexo
nas quais, mais uma vez, a mulher é tratada como mero objeto de satisfação para
os homens, todos, aliás, de péssimo caráter. Outros filmes da época, na mesma
linha de abordagem, reproduzem uma sociedade inquestionavelmente misógina, em
que as relações profissionais são perpassadas por chantagens e manipulações de
baixo jaez. Não há nem a sutil crítica social (presente nas chanchadas da Atlântida)
que daria uma pátina de credibilidade tanto à história como aos atores
envolvidos neste crime hediondo contra a sétima arte. A cena inicial, num
plano-sequência que restou ser a única coisa aproveitável do filme, procura
retratar, assim mesmo com limitadíssima força dramática, o que seria uma das
festas de arromba que teriam seu auge, no sentido da ilimitação total, na
década seguinte. From the "trash made in Brazil" series,
this film directed by Jean Garret has the indefectible David Cardoso in one of his
non-performances already known by me and Michaeeeel. The plot revolves around a
millionaire, his lovers and his frustrated desire to have a son, a fact that distances
him from his wife, the driver's lover (Cardoso). From there, we have a pile of scenes
without much nexus in which, once again, women are treated as a mere object of satisfaction
for the men, all, by the way, of very bad character. Other films of the time, in
the same line of approach, reproduce an unquestionably misogynistic society, in
which professional relationships are permeated by blackmail and low-level manipulation.
There is not even the subtle social criticism (present in the chanchadas of Atlântida) that would give
a patina of credibility both to the story and to the actors involved in this heinous
crime against the seventh art. The initial scene, in a sequence shot that remained
to be the only usable thing in the film, seeks to portray, even with minimal
dramatic force, what would be one of the wild parties that would have its peak,
in the sense of total limitlessness, in the following decade. Canal Brasil.
QUANTUM OF SOLACE (UK, 2008) – Esta é a
edição mais fraca da série protagonizada por Daniel Craig, embora ele, como
James Bond, tenha sempre sido mais que perfeito. Ainda temos o vilão mais sem
graça deste período, Dominic Greene Mathieu Amalric (quase um sósia do Pedro
Cardoso), e uma bond girl igualmente desenxabida, Olga Kurylenko,
principalmente depois de ter sucedido a inesquecível Vesper Lynn de Eva Green. O
roteiro é quase infantil – Dominic quer roubar a água da Bolívia e ajudar um
golpe de Estado, numa clara referência à crise de abastecimento do ano 2000,
durante a qual as reservas de água foram vendidas a investidores estrangeiros –
e a história acaba tão fragmentada quanto a shaky câmera do diretor Marc Forster.
Apesar de um
tempo de cena maior para M (Judy Dench), todos sentimos falta de Moneypenny e
Q. Coming to think of it, this is the weakest installment of the series starring Daniel Craig, although
he, as James Bond, has always been more than perfect. We still have the most dullest
villain of this period, Dominic Greene, Mathieu Amalric (almost a Pedro Cardoso lookalike),
and an equally unabashed Bond girl, Olga Kurylenko, especially after having succeeded
the unforgettable Vesper Lynn by Eva Green. The script is almost childish – Dominic
wants to steal Bolivia's water and help a coup d'état, in a clear reference to the
supply crisis of the year 2000, during which water reserves were sold to foreign
investors – and the story ends up as fragmented as director Marc Forster's shaky
camera. Despite a longer screen time for M (Judy Dench), we all miss Moneypenny
and Q. Prime.
CASSINO ROYALE (CASINO ROYALE, UK, 2006) – Quando Bond
(Daniel Craig) conhece Vesper Lynd (Eva Green) num trem, depois de quase uma
hora de filme, ele percebe que sua vida teria um novo sentido: aqueles olhos
verdes mostravam um novo caminho para o agente menos secreto do planeta, e
ainda havia a inteligência aguda de uma mulher com a mesma capacidade de ver o
mundo, uma versão feminina do Zelig woodyalleniano, cujo mistério era
simplesmente irresistível, mesmo para quem tem licença para matar. Assim, Bond
começa a vislumbrar uma vida com Vesper, mesmo que isso significasse largar o
MI-6, M e toda a parafernália inventada por Q. E ele se joga de cabeça, obnubilado
pela esperança emanada dos olhos de Vesper, até perceber, um pouco tarde
demais, que o amor pode ser mais perigoso do que todos os vilões e seus planos
de destruir o mundo. When
Bond (Daniel Craig) meets Vesper Lynd (Eva Green) on a train, after almost an hour
of film, he realizes that his life would have a new meaning: those green eyes showed
a new path for the least secret agent on the planet, and there was still the acute
intelligence of a woman with the same ability to see the world, a female version
of the Woodyallenian Zelig, whose mystery was simply irresistible, even to
those who have a license to kill. Thus, Bond begins to glimpse a life with Vesper,
even if it meant setting aside MI-6, M, and all the paraphernalia invented by Q. He throws himself headlong, clouded by the hope emanating from Vesper's eyes, until
he realizes, a little too late, that love can be more dangerous than all the villains
and their plans to destroy the world. Prime.
HOMENS COMUNS: ASSASSINOS DO HOLOCAUSTO (Ganz
normale Männer - Der 'vergessene Holocaust', Alemanha, 2022) - The Nuremberg Einsatzgruppen
trial of 1947/1948 is considered the largest murder trial in history against
members of four death squads from the security police and SD (the security
service of the SS). During World War II, six million Jews were murdered. Four
million died in the extermination camps, but two million people were killed in
systematic mass shootings. A fact that is hardly known today. The perpetrators
came face-to-face with their victims. They shot at men, women, children - day
after day, obediently and assiduously, as if it were normal work. Tens of
thousands of Germans belonged to the mobile commandos of the task forces and
police battalions. Who were these men? How could they commit such murders? What
did the few survivors tell? How were they able to escape the mass extinction
and live on with the horrific experience? Based on written traditions, original
documents, film footage, and photos, as well as expert statements, the
documentary traces the path of one of these murder battalions. NETFLIX.
SÍNDROME
DA APATIA (QUIET LIFE, Suécia, França, UK, 2024) – Uma família refugiada
na Suécia enfrenta um drama, quando, sem explicação, sua filha entra em um coma
e é internada num hospital que, supostamente, cuida destes casos. Os pais enfrentam
as burocracias do Estado sueco para conseguir asilo num país onde os espaços
públicos e privados são rigorosamente simétricos e refletem a rigidez de uma
sociedade infensa às manifestações saudavelmente caóticas dos trópicos e
reforçam a tendência à padronização tão afeita a um mundo controlado por uma
pauta de costumes questionável. A família refugiada (eles são russos), depois
que o pai, um professor, ter sido espancado e perseguido na Rússia por divulgar
às suas turmas textos proibidos, vive sob um evidente estresse, e essa pressão
se manifesta na súbita síncope da filha mais nova, peça-chave na arquitetura do
pedido de asilo. Há alguns laivos de solidariedade num roteiro tão rígido
quanto fiel ao enquadramento exigido pelas leis suecas, num país onde as
instituições de saúde se aproveitam das leis draconianas para faturar com
terapias misteriosas, nas quais a sensação de charlatanismo equivale a sorrisos
obrigatórios que servem de anestesia para a truculência de um mundo sem
empatia. A refugee family in Sweden faces a drama when, without
explanation, their daughter falls into a coma and is admitted to a hospital that
supposedly takes care of these cases. The parents face the bureaucracies of the
Swedish state to obtain asylum in a country where public and private spaces are
rigorously symmetrical and reflect the rigidity of a society immune to the healthily
chaotic manifestations of the tropics, and reinforce the tendency to standardization
so accustomed to a world controlled by a questionable agenda of customs. The refugee
family (they are Russian), after their father, a teacher, was beaten and persecuted
in Russia for disseminating forbidden texts to their classes, lives under evident
stress, and this pressure manifests itself in the sudden syncope of the youngest
daughter, a key piece in the architecture of the asylum application. There are some
hints of solidarity in a script as rigid as it is faithful to the framework required
by Swedish laws, in a country where health institutions take advantage of draconian
laws to make money from mysterious therapies, in which the feeling of quackery is
equivalent to obligatory smiles that serve as anesthesia for the truculence of a
world without empathy. Reserva Imovision.
O
ILUSIONISTA (THE ILLUSIONIST, USA, 2006)– Na virada do século XIX, Eisenheim (Edward Norton) é um mágico que usa
suas habilidades para ficar junto de seu grande amor, Sophie (Jessica Biel),
depois de reencontrá-la, 14 anos depois, numa de suas apresentações. O filme do
diretor Neil Burger é uma bela metáfora da natureza das histórias de amor, no
sentido de que elas são, basicamente, compostas de mágica. Mas na mágica do filme,
também conta um elenco em total consonância com o talento: Edward Norton está
perfeito como o ilusionista apaixonado, perseguido por um chefe de polícia
interpretado com gosto pelo grandíssimo Paul Giamatti, e capaz de transmitir
uma aspecto do sentimento humano que transcende o amor romântico – a capacidade
de ver na mulher amada uma chance de redenção consigo mesmo, de concretizar seu
sonho de infância (reencontrar Sophie) depois de fazer da ilusão a razão e a
subsistência de sua vida. At the turn of the nineteenth century,
Eisenheim (Edward Norton) is a magician who uses his skills to be with his great
love, Sophie (Jessica Biel), after meeting her again, 14 years later, in one of
his performances. Director Neil Burger's film is a beautiful metaphor for the nature
of love stories, in the sense that they are basically made up of magic. But in the
magic of the film, it also has a cast in total consonance with the talent: Edward
Norton is perfect as the illusionist in love, pursued by a police chief played with
gusto by the great Paul Giamatti, and able to convey an aspect of human feeling
that transcends romantic love – the ability to see in the beloved woman a chance
for redemption with himself, to fulfill his childhood dream (to meet Sophie again)
after making illusion the reason and subsistence of his life. Prime.
NOSSAS NOITES (OUR SOULS AT NIGHT, USA, 2017) – Por causa da morte de Robert Redford, semana passada, rever este
filme é, no mínimo, uma homenagem à vida e à obra de um dos atores/diretores mais
importantes do cinema. Reunindo Redford e Jane Fonda, 50 anos depois de
DESCALÇOS NO PARQUE (1967), NS é uma história repleta de delicadezas, a começar
pela atuação contida e profunda de Redford, como Louis, um viúvo que recebe a
visita de Addie (Fonda), outra viúva e sua vizinha, com o singelo convite para dormirem
juntos, porque, segundo ela, é à noite que a sensação de solidão se
redimensiona. O roteiro segue alinhavando a crescente aproximação dos dois, de
modo lento e irreversível, focando na simplicidade das intenções, nos conflitos
com filhos e netos, na aceitação dos limites e na reconexão com a própria
natureza, não raro negligenciada na solidão da velhice. Redford está perfeito e
transforma cada cena num convite de reflexão para todo mundo, até mesmo para
quem ainda acha que não envelheceu. Because of Robert Redford’s death, last week, reviewing this film is, at
the very least, a tribute to the life and work of one of the most important actors/directors
in cinema. Bringing together Redford and Jane Fonda, 50 years after BEFOOT IN THE
PARK (1967), OSAN is a story full of delicacies, starting with Redford's restrained
and profound performance, as Louis, a widower who receives a visit from Addie (Fonda),
another widow and her neighbor, with the simple invitation to sleep together, because,
according to her, it is at night that the feeling of loneliness is stronger. The
script continues to align the growing approximation of the two, slowly and irreversibly, focusing on the simplicity of intentions, conflicts with children and grandchildren,
acceptance of limits, and reconnection with one's own nature, often neglected in
the loneliness of old age. Redford is perfect and transforms each scene into an
invitation to reflection for everyone, even for those who still think they haven't
aged. Netflix.
NOITE DAS TARAS (Brasil, 1980) – A pornochanchada
no Brasil tinha um papel próximo ao respiro psicanalítico para as pessoas com
problemas sexuais e que precisavam dar vazão ao seu voyeurismo de alguma forma.
Vamos admitir que o gênio David Cardoso tenha percebido isso e tenha desandado
a dirigir filmes – atuando em muitos – nos quais ele amontoa uma série de cenas
desconexas, supostamente eróticas, na tentativa de passar alguma mensagem
(atenção: isso é uma visão benigna). Nesta Noite das Taras, o futuro Bozo da TV
(e não o da antipolítica fascista), Arlindo Barreto (filho de Márcia de
Windsor), Matilde Mastrangi e outros menos conhecidos, aparecem em três episódios
desprovidos de qualquer sentido, a não ser mostrar algumas áreas recônditas do
corpo de Matilde Mastrangi e nos fazer duvidar da salubridade da vida íntima
das pessoas daquela época. Pornochanchada in Brazil had a role close to psychoanalytic respite for people
with sexual problems and who needed to give vent to their voyeurism in some way.
Let's assume that the genius David Cardoso has realized this and has gone on to direct films, in which he acts in many, in which he piles up a series of disconnected, supposedly
erotic scenes, in an attempt to convey some message (attention: this is a benign
view). In this Night of Taras, the future Bozo of TV (and not that of fascist anti-politics),
Arlindo Barreto (son of Marcia de Windsor), Matilde Mastrangi and others less known,
appear in three episodes devoid of any sense, except to show some hidden areas of
Matilde Mastrangi's body and make us doubt the healthiness of the intimate life
of the people of that time. Canal Brasil.
SEDE ASSASSINA (TO CATCH A KILLER, USA, 2023) – Um atirador solitário mata várias pessoas em Baltimore, e a polícia
está perdida. Uma policial (Shailene Woodley) chama a atenção de um agente do
FBI (Ben Mendelsohn), porque possui uma intuição capaz de desvendar a
identidade do assassino. TCAK é um thriller eficiente e, desde a primeira cena
impactante, vai construindo o suspense num roteiro que busca referências em THE
SILENCE OF THE LAMBS e PSICOSE, sem, no entanto, se perder numa mera imitação. Ben
Mendelsohn sempre garante uma atuação marcante e estabeleceu com Shailene uma
dupla convincente. A
lone gunman kills several people in Baltimore, and the police are lost. A police
officer (Shailene Woodley) catches the attention of an FBI agent (Ben Mendelsohn)
because she has an intuition capable of unraveling the identity of the killer. TCAK
is an efficient thriller and, from the first impactful scene, it builds suspense
in a script that seeks references in THE SILENCE OF THE LAMBS and PSYCHO, without,
however, getting lost in a mere imitation. Ben Mendelsohn always guarantees a remarkable
performance and establishes with Shailene a convincing duo. HBO.
PAT GARRET &
BILLY THE KID (USA, 1973) – Sam Peckinpah era um diretor rebelde,
enfrentava os estúdios, fez os filmes que queria dentro do possível, sempre às
voltas com problemas com a bebida e com os que ele mesmo criava, dado seu
temperamento difícil com os atores e produtores. Não obstante, realizou uma
série de grandes filmes, estando esse faroeste revisionista um pouco abaixo dos
demais, protagonizado por James Coburn e Kris Kristofferson. PG&BYK aborda
temas como a amizade e as dicotomias provocadas por uma sociedade onde a lei
tem valor relativo. Bob Dylan está no elenco e também na trilha sonora:
“Knocking on Heaven’s door” foi escrita especialmente para o filme. Dylan tem
um papel pequeno, quase não fala, mas provoca uma curiosidade natural em função
de sua participação inusitada. O espectador fica esperando uma cena mais marcante
com ele, mas ela não acontece, provavelmente por causa dos severos cortes
promovidos pelos estúdios, que quase levaram Peckinpah à loucura. É necessário
ficar atento para ver a rápida atuação de Jason Robards, numa cena igualmente
curta. Sam Peckinpah was a rebellious director; he stood
up to the studios, made the films he wanted as much as possible, always dealing
with problems with drinking and with those he created himself, given his difficult
temperament with actors and producers. Nevertheless, he made a series of great films,
this revisionist western being a little below the others, starring James Coburn
and Kris Kristofferson. PG&BYK addresses topics such as friendship and the dichotomies
caused by a society where the law has relative value. Bob Dylan is in the cast and
also on the soundtrack: "Knocking on Heaven's Door" was written especially
for the film. Dylan has a small role, almost doesn't speak, but provokes a natural
curiosity due to his unusual participation. The viewer is waiting for a more striking
scene with him, but it doesn't happen, probably because of the severe cuts promoted
by the studios, which almost drove Peckinpah crazy. It is necessary to be attentive
to see the quick performance of Jason Robards, in an equally short scene. Looke.
TRUE BLOOD – TEMP
6 – 10 EPISÓDIOS (USA, 2013) – Está difícil acompanhar as últimas
temporadas da série criada por Alan Ball. Nesta sexta temporada, os roteiros
estão cada vez mais fracos, com subplots confusos e personagens perdidos entre
mundos dos vampiros, o paraíso das fadas que, convenhamos, foi um golpe mortal
no universo criado nas primeiras temporadas. Andy virou pai de quatro meninas
que crescem de um dia para o outro, Jason ficou sem saber o que fazer com sua
ingenuidade, Arlene continua sofrendo, Tara não teve mais relevância, depois de
ser transformada em vampira, assim como Lafayette, outro bom personagem esquecido
pelos roteiristas. A boa surpresa é Rutger Hauer, num papel esquisito (e como
seria diferente?), mas logo eliminado, sem qualquer motivo aparente para o desenvolvimento
de uma temporada em si profundamente precária. It's
hard to keep up with the last seasons of the series created by Alan Ball. In this
sixth season, the scripts are getting weaker and weaker, with confusing subplots
and characters lost between vampire worlds, the fairy paradise that, let's face
it, was a mortal blow to the universe created in the first seasons. Andy became
the father of four girls who grow up from one day to the next, Jason didn't know
what to do with his naivety, Arlene continues to suffer, Tara no longer had relevance
after being turned into a vampire, as well as Lafayette, another good character
forgotten by the writers. The good surprise is Rutger Hauer, in a strange role (and
how would it be different?), but soon eliminated, without any apparent reason for
the development of a season in itself deeply precarious. Netflix.
A K A CHARLIE
SHEEN – 2 EPISÓDIOS (USA, 2025) – Mais uma história trágica do showbiz
americano: Sheen teve tudo e, de certa forma, perdeu tudo, menos a vida, que,
por vários momentos, esteve a ponto de encontrar seu fim, em função dos excessos
e da sensação de onipotência característica dos bad boys de Hollywood. Charlie parece
muito honesto nos seus depoimentos (e como não ser, depois da exposição midiática,
involuntária ou não, de seus altos e baixos?). O documentário expõe profundas
mágoas na família, pois Martin Sheen e Emilio Estevez se recusaram a participar,
e chega a ser um pouco constrangedora a presença de Denise Richards e Brooke Mueller,
na condição de suas ex-esposas, apesar da forma favorável com que se referem a
Charlie. No mais, Sheen se mostra invulgarmente vulnerável ao falar de fases
pouco abonadoras de sua carreira, incluindo aí a briga com Chuck Lorre, quando
foi demitido de TWO AND A HALF MEN. Another tragic story in American showbiz: Sheen had everything, and in a way, lost everything, except his life, which, for several moments, was on the verge of ending due to the excesses and
the feeling of omnipotence characteristic of Hollywood bad boys. Charlie seems very
honest in his testimonies (and how can he not be, after the involuntary media exposure of his ups and downs?). The documentary exposes deep grievance in the family,
as Martin Sheen and Emilio Estevez refused to participate, and the participation
of Denise Richards and Brooke Mueller, as their ex-wives, is a little embarrassing,
despite the favorable way in which they refer to Charlie. In addition, Sheen is
unusually vulnerable when talking about unflattering phases of his career, including
the fight with Chuck Lorre, when he was fired from TWO AND A HALF MEN. Netflix.
JURASSIC WORLD:
RECOMEÇO (JURASSIC WORLD: REBIRTH, USA, 2025) – Nem a presença de Scarlett Johansson
salva este desastre jurássico: ruim do início ao fim, muito pouco se salva neste
roteiro de ideias mais curtas do que os braços de um Tiranossauro Rex. Apenas
duas sequências são satisfatórias – a da perseguição no rio e a descida da
escarpa. Muito pouco mesmo para uma franquia com muito mais decepções, se
comparada ao primeiro filme, dirigido por Spielberg. Além disso, a assinatura
de humor, responsável pelo equilíbrio da tensão diante dos dinossauros, está completamente
ausente. Outro problema é o elenco – Scarlett tem muito pouco material para
desenvolver e, para dizer a verdade, seu personagem fica em dissonância com uma
atriz com seu perfil. Uma pena, pois desperdiçar Scarlett com um papel ruim já
é um problema incontornável. Jonathan Bailey não tem carisma e parece
totalmente perdido, assim como o ótimo Mahershala Ali, cujo talento se perde num
personagem estereotipado. Fuja dos dinossauros, mas, principalmente, deste
filme, se você quiser preservar na memória a emoção do primeiro Jurassic Park,
de 1993. Not even the presence of Scarlett Johansson saves
this Jurassic disaster: bad from start to finish, very little is saved in this script
of ideas shorter than the arms of a Tyrannosaurus Rex. Only two sequences are satisfactory
– the chase in the river and the descent of the escarpment. Very little, even for
a franchise with many more disappointments, compared to the first film, directed
by Spielberg. In addition, the signature humor, responsible for balancing the tension
in front of the dinosaurs, is completely absent. Another problem is the cast – Scarlett
has very little material to develop and, to tell the truth, her character is at
odds with an actress with her profile. A shame, because wasting Scarlett with a
bad role is already an unavoidable problem. Jonathan Bailey has no charisma and
seems totally lost, as does the great Mahershala Ali, whose talent is lost in a
stereotypical character. Run from dinosaurs,
but especially from this movie, if you want to preserve in your memory the emotion
of the first Jurassic Park, from 1993.
MASSAGISTAS
PROFISSIONAIS (Brasil, 1976) – A pornochanchada no Brasil já era
praticamente indefensável na época, mas essa produção (!), escrita e dirigida por
Carlo Mossy, conseguiu chegar a níveis abissais de bizarrice e mau gosto. O fiapo
de roteiro se perde sob o vazio de personagens que, certamente, não estão à
procura de um autor nem se sustentam ao longo de cansativos 108 minutos, durante os quais se amontoam clichês desenxabidos e figuras caricatas, além do
costumeiro desprezo que esse tipo de filme tinha pelas mulheres em geral. Não se
nota, em momento algum, um esforço mínimo em alinhavar a cenas mal feitas, para
dar à narrativa qualquer camada de compreensão e sentido, apesar da
estereotipagem do mulherengo carioca, da ingenuidade oportunista dos oriundos
dos interior para tentar a sorte na cidade grande, da visão preconceituosa em
relação aos homossexuais e do falso moralismo já apontado com muito mais brilhantismo
por Nelson Rodrigues. Até mesmo o cinema esteticamente decadente deste período
já teve melhores exemplos de produções escapistas realizadas por pessoas mais
talentosas e com um quantum de adesão aos padrões mínimos da arte
cinematográfica. Pornochanchada in Brazil was already practically indefensible at the time, but this production
(!), written and directed by Carlo Mossy, managed to reach abyssal levels of bizarreness
and bad taste. The plot line is lost in the emptiness of characters who, certainly, are not looking for an author or sustain themselves over the course of a tiring 108 minutes, during which clumsy clichés and caricatured figures are piled up, in addition to the usual contempt that this type of film has for women in general.
There is no notice, at any time, a minimal effort to stitch together poorly made
scenes, to give the narrative any layer of understanding and meaning, despite the
stereotyping of the womanizer from Rio de Janeiro, the opportunistic naivety of
those from the countryside to try their luck in the big city, the prejudiced view
of homosexuals and the false moralism already pointed out with much more talent
by Nelson Rodrigues. Even the aesthetically decadent cinema of this period has had
better examples of escapist productions made by more talented people and with a
quantum of adherence to the minimum standards of cinematographic art.
UM BOM ANO (A
GOOD YEAR, UK, USA, 2006) – Este é um dos meus filmes favoritos, e a ele
eu volto sempre, especialmente quando é domingo e há alguma coisa do ar provençal,
por estranho que pareça, enquanto o céu vai se azulando entre nuvens
insistentes. Há também algo de conforto em ver Max (Russell Crowe) às voltas
com o chateau e o vinhedo deixado por seu tio Henry (o magnífico Albert Finney)
no sul da França e conhecer Fanny Chenal (Marion Cotillard), um deslumbramento
difícil de traduzir com o conjunto vocabular disponível no mundo atualmente. E a
isso acrescente-se uma emocionante relação de afeto entre tio e sobrinho,
constituída na infância deste e no ocaso existencial daquele, cujas cenas
retroativas são intercaladas com a gradual humanização do Max adulto e egoísta,
egresso do sistema financeiro e surpreso ao reencontrar a felicidade vivida em
La Siroque. O filme de Ridley Scott é uma mistura de comédia e drama pessoal,
daqueles em que o personagem principal se redescobre a partir das experiências
inesperadas, envolvendo pessoas simples e a descoberta do amor na forma e no conteúdo de Marion Cotillard. This is one of my favorite films,
and I always come back to it, especially when it's Sunday and there's something
of the Provençal air, strange as it may seem, as the sky turns blue between insistent
clouds. There is also something of comfort in seeing Max (Russell Crowe) dealing
with the chateau and the vineyard left by his uncle Henry (the magnificent Albert
Finney) in the south of France and meeting Fanny Chenal (Marion Cotillard), a dazzling woman difficult to translate with the vocabulary set available in the world today. And
to this must be added an exciting relationship of affection between uncle and nephew,
constituted in the latter's childhood and in the existential sunset of the former,
whose retroactive scenes are interspersed with the gradual humanization of the adult
and selfish Max, who has left the financial system and is surprised to rediscover
the happiness experienced in La Siroque. Ridley Scott's film is a mix of comedy
and personal drama, in which the main character rediscovers himself from unexpected
experiences, involving simple people and the discovery of love in the form and content
of Marion Cotillard. Disney Plus.
O BRUTALISTA (THE
BRUTALIST, USA, 2024) – Um arquiteto refugiado da WW2 (Adrien
Brody) chega aos EUA para reconstruir seu legado num país onde a modernidade
(sob a ótica norte-americana) começa a se desenvolver. A primeira parte do
filme de Brady Corbet é instigante e promete o desenvolvimento de um drama
pungente, até se perder em cenas desnecessárias – o filme é longo: 3h36m – e na
falta de concretude dos personagens, sempre a um passo do exagero. Essa
observação não se aplica, claro, a Adrien Brody (é dele o Oscar de Melhor
ator), cuja atuação brilhante emociona o espectador e carrega o filme com
dignidade até o fim. Brody possui uma capacidade de estar em cena como se
mostrasse o raio X de suas emoções, e não como ficar indiferente ao apelo de
seu olhar triste diante das escolhas impostas pelo ambiente quase hostil de um
país incapaz de tratar com respeito muitos de seus imigrantes (o atual estágio
patológico da sociedade americana sob os arreganhos autoritários de Tramp
confirma essa premissa). Seu personagem, Lászlo Tóth, se revela em seus feitos
profissionais e fraquezas, incluindo seu vício em drogas. É neste ponto que o
filme se perde na sua proposta: qual o objetivo de opor Lászlo ao seu mecenas,
Van Buren (Guy Pearce, excelente no papel), especialmente depois da sequência
na Itália, quando a atmosfera da história muda totalmente. O roteiro não
consegue se recuperar deste deslize. No mais, os saltos temporais prejudicam o
acompanhamento do arco dramático do protagonista, e tudo acaba num desfecho
aparentemente apressado e mal alinhavado. Atenção para a cena na qual Lászlo chega a Nova York e vê a estátua da Liberdade num ângulo torto, como se isso fosse o prenúncio de que os EUA também estão desta forma. A
refugee architect from WW2 (Adrien Brody) arrives in the US to rebuild his
legacy in a country where modernity (from the American point of view) begins to
develop. The first part of Brady Corbet's film is thought-provoking and
promises the development of a poignant drama, until it gets lost in unnecessary
scenes – the film is long, at 3 hours and 36 minutes – and in the lack of concreteness of the characters, which often teeters on exaggeration. This observation does not
apply, of course, to Adrien Brody (he won the Oscar for Best Actor), whose
brilliant performance moves the viewer and carries the film with dignity until
the end. Brody can be on stage as if showing the X-ray of his
emotions, and not as being indifferent to the appeal of his sad gaze in the
face of the choices imposed by the almost hostile environment of a country
incapable of treating many of its immigrants with respect (the current
pathological stage of American society under Tramp's authoritarian outbursts
confirms this premise). His character, Lászlo Tóth, is revealed through his professional achievements and weaknesses, including his addiction to drugs. It is
at this point that the film gets lost in its proposal: what is the objective of
opposing Lászlo to his patron, Van Buren (Guy Pearce, excellent in the role),
especially after the sequence in Italy, when the atmosphere of the story
changes completely. The script never recovered from this slip. In addition, the
time jumps hinder the follow-up of the protagonist's dramatic arc, and
everything ends up in an apparently hasty and poorly stitched outcome. Prime.
O PERDÃO (Ghasideyeh gave sefid, Irã, 2020) – A vida
de uma mulher, Mina, se transforma quando ela descobre que seu marido foi
executado pelo estado iraniano por engano – esta é a premissa de filme impactante,
dramático e, sobretudo, corajoso, do diretores Maryam Moghadam e Behtash Sanaeeha,
onde a injustiça institucional é debatida, tendo como pano de fundo a inacreditável
misoginia religiosa da cultura do Irã. Mina, então, começa uma batalha
silenciosa contra o cínico sistema judiciário, com a ajuda de Reza, que se
apresenta como um amigo do marido, escondendo o fato de ser ele o juiz
responsável pela sua condenação e assassinato. Corroído pela culpa, Reza se aproxima
de Mina e da filha, procurando aliviar a situação precária das duas, sem
revelar sua real identidade. O filme é um mergulho na questão da validade da
pena de morte e suas consequências, especialmente numa sociedade fechada e teocrática,
onde o remorso e a culpa não encontram ressonância diante de argumentos
baseados na “vontade de Deus”. Curiosamente, este país tão rígido e
persecutório é capaz de produzir um filme criticando frontalmente seu sistema
de leis arcaicas e mostrar uma verdade incontornável: a busca por justiça se
sobressai mesmo quando todas as condições são desfavoráveis. The life of a woman, Mina, is transformed when she discovers that her husband
was executed by the Iranian state by mistake – this is the premise of an impactful,
dramatic and, above all, courageous film, by directors Maryam Moghadam and Behtash
Sanaeeha, where institutional injustice is debated, against the backdrop of the
unbelievable religious misogyny of Iran's culture. Mina then begins a silent battle
against the cynical justice system, with the help of Reza, who poses as a friend
of her husband, hiding the fact that he is the judge responsible for her conviction
and murder. Corroded by guilt, Reza approaches Mina and her daughter, trying to
alleviate their precarious situation, without revealing his real identity. The film
is a plunge into the question of the validity of the death penalty and its consequences,
especially in a closed and theocratic society, where remorse and guilt do not find
resonance in the face of arguments based on the "will of God". Curiously,
this country so rigid and persecutory is capable of producing a film frontally criticizing
its system of archaic laws and showing an inescapable truth: the search for justice
stands out even when all conditions are unfavorable. Reserva Imovision.
MEGALÓPOLIS (USA, 2024) – Francis Ford
Coppola é um dos grandes diretores do cinema em todos os tempos – só por O
PODEROSO CHEFÃO, ele estaria na prateleira mais alta dos grandes da sétima arte,
isso sem falar em APOLCALIPSE NOW e DRÁCULA, este último provavelmente a melhor
versão desde o filme com Bela Lugosi. Isso posto, seu filme, MEGALÓPOLIS, é uma
daquelas produções que teriam tudo para dar certo – diretor, elenco, direção de
arte, fotografia -, mas fracassa na sua própria proposta, digamos, megalômana. M
é produto de uma condição peculiar aos grandes cineastas – a necessidade
imperiosa de fazer um filme, contra tudo e contra todos. M é uma daquelas
experiências cinematográficas nas quais o espectador ou entra de cabeça na história,
ou nada acontece. Exemplo clássico de cinema autoral, M deve ser visto, e
revisto, como uma realização caracteristicamente coppoliana, talvez menor no
seu resultado final, mas digna de um diretor maiúsculo, tão revolucionário quando
independente nos seus projetos. Francis Ford Coppola is one of the great directors of cinema of all time
– just for THE GODFATHER, he would be on the highest shelf of the greats of the
seventh art, not to mention APOLCALYPSE NOW and Dracula, the latter probably the
best version since the film with Bela Lugosi. That said, his film, MEGALÓPOLIS,
is one of those productions that would have everything to succeed – director, cast,
art direction, photography – but fails in its own, let's say, megalomaniac proposal.
M is the product of a condition peculiar to great filmmakers – the imperative need
to make a film, against everything and everyone. M is one of those cinematic experiences
in which the viewer either jumps headfirst into the story, or nothing happens. A
classic example of authorial cinema, M should be seen, and reviewed as a characteristically
Coppolian achievement, perhaps minor in its final result, but worthy of a capital
director, as revolutionary as independent in his projects. TC Premium.
THUNDERBOLTS (USA, 2025) – Depois de tantos
filmes de super-heróis, essa tentativa sem grande ambição da Marvel funciona
com uma fórmula simples, mas aparentemente esquecida: um roteiro simples,
funcional, sem multiverso e com o bom humor perdido nas últimas missões. Os
membros do grupo formado para tentar apagar as traquinagens de Valentina (Julia
Louis-Dreyfus), a começar pelo maravilhoso David Harbour, como o pai de Yelena
(Florence Pugh), e o Capitão América da Shopee, vivido na medida por Wyatt Russell.
Não é material para Oscar, mas feito com competência e consciência do seu apelo
original, THUNDERBOLTS consegue sucesso na sua tarefa primordial – divertir apenas.
After so many superhero
movies, this attempt, lacking great ambition by Marvel, works with a simple yet apparently forgotten formula: a straightforward script, devoid of multiverse elements, and with the
good humor lost in the last missions. The members of the group formed to try to
erase Valentina's (Julia Louis-Dreyfus) pranks, starting with the wonderful David
Harbour, as Yelena's father (Florence Pugh), and Shopee's Captain America, played
by Wyatt Russell. It's not Oscar material, but made with competence and awareness
of its original appeal, THUNDERBOLTS succeeds in its primary task – just to entertain.
Disney Plus.
A
ILHA MISTERIOSA (MYSTERIOUS ISLAND, USA, 1961) – Durante a Guerra Civil americana, um grupo de soldados escapam de uma
prisão num balão, até cair numa ilha no Pacífico, onde encontram animais
gigantes e o personagem responsável por este e outros fenômenos. Esta adaptação
de uma história de Jules Verne é uma produção típica dos anos 60 e é uma das
melhores da época, começando pela trilha mesmerizante de Bernard Herrmann e a
animação genial em stop-motion do mestre Ray Harryhousen. A envolvente
atmosfera de aventura fantástica permeia um roteiro seguro que assume um tom
mais político a partir da entrada do Capitão Nemo (Herbert Lom) no terço final
da história. O stop-motion não é apenas uma técnica de efeitos especiais, mas,
sim, uma forma de arte, e deve ser apreciada assim, como um traço de
genialidade do maior de todos, o mestre Harryhousen. Outro elemento do filme –
aparentemente inesperado - merece destaque: o microvestido de Beth Logan, muito
bem recheado pela atriz, rivaliza em atenção com os efeitos especiais de Harryhousen,
e deixa claro a preocupação de erotizar, já naquela época, uma aventura
tipicamente juvenil. During the American Civil War,
a group of soldiers escape from a prison in a balloon, until they crash on an island
in the Pacific, where they encounter giant animals and the character responsible
for this and other phenomena. This adaptation of a Jules Verne story is a typical
production of the 60s and is one of the best of the time, starting with the mesmerizing
score by Bernard Herrmann and the genius stop-motion animation by the master Ray
Harryhousen. The engaging atmosphere of fantastic adventure permeates a safe script
that takes on a more political tone from the entrance of Captain Nemo (Herbert Lom)
in the final third of the story. Stop-motion is not just a special effects technique,
but an art form, and should be appreciated as such, as a trait of genius of the
greatest of all, the master Harryhousen. Another element of the film – apparently
unexpected – deserves to be highlighted: Beth Logan's micro dress, very well stuffed
by the actress, rivals Harryhousen's special effects in attention, and makes clear
the concern to eroticize, already at that time, a typically juvenile adventure.
Looke.
MEDIANEIRAS (Argentina, 2011) – Mais um
filme argentino merecedor de todos os elogios possíveis. Aqui, o tema é a
solidão nas grandes cidades, a solidão invisível, quase parte da arquitetura
emocional das pessoas em seus pequenos apartamentos, como é o caso dos dois protagonistas,
Martin e Mariana, cujas vidas frustradas quase se entrelaçam em vários
momentos, como em AMARCORD. Enquanto a câmera do diretor e roteirista Gustavo
Taretto passeia pelo contorno dos prédios da cidade, ressaltando o isolamento e
a impessoalidade de um mundo feito de concreto. O roteiro nos leva a acreditar
no encontro inevitável de Martin e Mariana, numa mensagem de esperança tão
necessária para quem acredita no amor como destino e redenção. Another Argentine film deserving of all possible praise. Here, the theme
is loneliness in big cities, invisible loneliness, almost part of the emotional
architecture of people in their small apartments, as is the case of the two protagonists,
Martin and Mariana, whose frustrated lives are almost intertwined at various times,
as in AMARCORD. While the camera of director and screenwriter Gustavo Taretto walks
around the outline of the city's buildings, highlighting the isolation and impersonality
of a world made of concrete. The script leads us to believe in the inevitable meeting
of Martin and Mariana, in a message of hope so necessary for those who believe in
love as destiny and redemption. Reserva Imovision.
HOT
MILK (UK, 2025)– Numa praia na
costa da Espanha, Sophia (Emma Mackey, e BARBIE), desajustada socialmente e com
o olhar triste, acompanha sua mãe (Fiona Shaw), cuja doença psicossomática está
sendo tratada por um médico/curandeiro. Sentindo-se controlada pela mãe, Sophia
acaba se envolvendo com uma mulher misteriosa (Vicky Krieps) e essa relação
intensifica seus medos e traumas. A bela cinematografia ajuda o filme a ter um
início promissor, mas não há um desenvolvimento orgânico dos personagens, e o
roteiro balança entre explosões de raiva de Sophia – aparentemente sem motivo
relevante – e sequências mornas e herméticas, como a cena final, totalmente
destituída do suposto impacto dela esperado. On
a beach on the coast of Spain, Sophia (Emma Mackey, from Barbie), socially misfit
and with a sad look, accompanies her mother (Fiona Shaw), whose psychomatic illness
is being treated by a doctor/healer. Feeling controlled by her mother, Sophia ends
up getting involved with a mysterious woman (Vicky Krieps) and this relationship
intensifies her fears and traumas. The beautiful cinematography helps the film to
have a promising start, but there is no organic development of the characters, and
the script swings between Sophia's outbursts of anger – apparently for no relevant
reason – and lukewarm and hermetic sequences, such as the final scene, totally devoid
of the supposed expected impact of her. Mubi.
