4993 - O HOMEM DO ANO (2003)

1.

O HOMEM DO ANO (Brasil, 2003) - Dirigido por José Henrique Fonseca, o filme é uma comédia dramática ácida que destrincha a violência urbana carioca por meio do absurdo. Com roteiro de Rubem Fonseca (baseado no romance O Matador, de Patrícia Melo), o longa transforma a tragédia cotidiana da Baixada Fluminense em uma sátira social mordaz sobre como o crime pode ser gourmetizado pela própria elite. A trama acompanha Máiquel (Murilo Benício), um homem comum e desempregado que decide pintar o cabelo de loiro após perder uma aposta. Essa mudança estética banal desencadeia uma série de eventos absurdos. Ao se envolver em uma briga de bar com um criminoso local e matá-lo, Máiquel deixa de ser uma vítima do sistema para se tornar o "herói" da comunidade. Rapidamente, o protagonista é cooptado por comerciantes locais e pela elite burguesa para atuar como justiceiro particular. O filme brilha ao demonstrar a facilidade com que um homem pacato se corrompe quando a violência passa a lhe garantir dinheiro, respeito, status e um senso distorcido de pertencimento. A crítica social afiada aparece quando o roteiro expõe a hipocrisia das classes média e alta, que repudiam a violência pública, mas financiam milícias e grupos de extermínio por conveniência e segurança privada. Murilo Benício entrega uma interpretação cirúrgica. Sua transição de um sujeito ingênuo e apático para um assassino frio e elegante é feita de forma sutil e magnética. A Direção de Arte e Fotografia sublinha o contraste visual entre a crueza cinzenta da Baixada e a opulência artificial dos ambientes da elite, reforçando a divisão social da narrativa. O terço final do filme acelera os acontecimentos de forma um pouco atropelada, fazendo com que o desfecho perca parte do impacto psicológico construído no início. O Homem do Ano continua extremamente atual. É uma obra essencial do cinema brasileiro dos anos 2000 que evita o melodrama e o fetiche da violência, preferindo usar o humor negro para nos fazer rir do nosso próprio horror social. É uma radiografia desconfortável de um país que, muitas vezes, idolatra o opressor em nome de uma falsa sensação de ordem, base da argumentação da extrema-direita fascista. Directed by José Henrique Fonseca, the film is an acid comedy-drama that unravels Rio's urban violence through the absurd. With a screenplay by Rubem Fonseca (based on the novel O Matador, by Patrícia Melo), the feature transforms the daily tragedy of the Baixada Fluminense into a scathing social satire on how crime can be gourmetized by the elite itself. The plot follows Máiquel (Murilo Benício), an ordinary and unemployed man who decides to dye his hair blonde after losing a bet. This banal aesthetic change sets in motion a series of absurd events. By getting involved in a bar fight with a local criminal and killing him, Máiquel goes from being a victim of the system to becoming the "hero" of the community. Quickly, the protagonist is co-opted by local merchants and the bourgeois elite to act as a private vigilante. The film shines by demonstrating the ease with which a quiet man becomes corrupted when violence starts to guarantee him money, respect, status, and a distorted sense of belonging. The sharp social criticism when the script exposes the hypocrisy of the middle and upper classes, who repudiate public violence, but finance militias and death squads for convenience and private security. Murilo Benício delivers a surgical interpretation. His transition from a naïve and apathetic fellow to a cold and elegant killer is done subtly and magnetically. The Art Direction and Photography underline the visual contrast between the gray rawness of the Baixada and the artificial opulence of the elite environments, reinforcing the social division of the narrative. The final third of the film accelerates the events in a somewhat hurried way, making the outcome lose part of the psychological impact built at the beginning. O Homem do Ano remains extremely current. It is an essential work of Brazilian cinema of the 2000s that avoids melodrama and the fetish of violence, preferring to use black humor to make us laugh at our own social horror. It is an uncomfortable X-ray of a country that often idolizes the oppressor in the name of a false sense of order, the basis of the fascist far-right's argumentation.

4992 - MALENA (2001)

 

MALENA (Italy, USA, 2001) – Um garoto de 12 anos, numa cidadezinha no litoral da Sicília, em 1940, se vê tomado de encantamento por Monica Bellucci, ou melhor, Malena, uma suposta viúva que catalisa todos os olhares e desejos do vilarejo. O filme de Giuseppe Tornatore vai além da convencional história “coming-of-age”, até um pouco banalizada cinema, para dar um mergulho numa questão interessante: como a beleza de uma mulher pode ser capaz de estremecer (no mal sentido, tá?) os valores e o comportamento de uma sociedade que tenta se reconstruir depois do horror da guerra. Malena viúva já seria um problema. Mas ela também é sensual, misteriosa e tem uma fidelidade inabalável ao marido, compondo um personagem ao mesmo tempo vulnerável e poderoso. O filme retrata a hipocrisia dos detestáveis “cidadãos de bem” e a incontida selvageria das mulheres que não sabem lidar com a própria limitação estética, diante do poder silente e devastador de Monica Belluci, sendo apenas bela sob o sol inclemente da Sicília. O roteiro também aborda a perda da inocência e como esse processo pode transformar um garoto cheio de sonhos e fantasias num adulto precoce e incapaz de esconder a amargura de ter deixado tanta beleza para trás. A 12-year-old boy, in a small town on the coast of Sicily, in 1940, is enchanted by Monica Bellucci, or rather, Malena, a supposed widow who catalyzes all the looks and desires of the village. Giuseppe Tornatore's film goes beyond the conventional "coming-of-age" story, so trivialized in movies, to dive into an interesting question: how a woman's beauty can be able to shake (in the bad sense, okay?) the values and behavior of a society that tries to rebuild itself after the horror of war. Malena, being just a widow, would already be a problem. But she is also sensual, mysterious and has an unwavering fidelity to her husband, composing a character that is both vulnerable and powerful. The film portrays the hypocrisy of the detestable "good citizens" and the unrestrained savagery of women who do not know how to deal with their own aesthetic limitations, in the face of the silent and devastating power of Monica Belluci, being just beautiful under the inclement sun of Sicily. The script also addresses the loss of innocence and how this process can transform a boy full of dreams and fantasies into a precocious adult, unable to hide the bitterness of having left so much beauty behind.

4991 - POST-MORTEM - FOTOS DO ALÉM (2022)

 

POST MORTEM – FOTOS DO ALÉM (HUNGRIA, 2022) - A photographer, an ex-soldier of the 1st World War, goes to a small village to capture the images of dead family members with the live relatives as it was frequent at the time. In a place that had many deaths because of the Spanish Flu and was unable to bury their dead due to the frozen land, the village is in the hands of unfriendly ghosts. The man is going to try to help them. This Hungarian thriller is not bad. In a time of such shortage of non-progressive movies, a good movie is a preciousness, climbs the concept for "great." It is a thriller with horror and mystery biases, perfectly decent - it is possible to watch it with the children present in the room. Good photography, empathic characters, good decoration of scenarios, and clothing characteristics of the time (early twentieth century). The film leaves to be desired in terms of originality and also, in the ending of the story. As for the latter, it is something that few filmmakers know how to do.

4990 - TOP SECRET (1984)

 

TOP SECRET – SUPERCONFIDENCIAL (TOP SECRET, USA, 1984) – Como misturar os filmes de Elvis Presley com o nazismo? O trio ZAZ conseguiu e com o brilhantismo de sempre. TOP SECRET é uma das melhores comédias nonsense já realizadas, ao lado de AIRPLANE e THE NAKED GUN,  recheada de referências pop, e conta com um elenco que dificilmente se reuniria numa comédia deste tipo: Omar Sharif, Peter Cushing e Val Kilmer (no primeiro papel da sua carreira de 82 filmes). As gags visuais são obras de arte, além dos diálogos repletos de referências pop e algumas alterações narrativas geniais, como a câmera reversa na cena da loja com Peter Cushing. Possivelmente, TP não seria entendido atualmente pelas novas gerações, que precisam de um tipo de humor menos complexo e sem sutilezas. How to mix Elvis Presley's films with Nazism? The ZAZ trio did it, and with the usual brilliance. TOP SECRET is one of the best nonsense comedies ever made, alongside AIRPLANE and THE NAKED GUN, and is full of pop references and has a cast that would hardly come together in a comedy of this type: Omar Sharif, Peter Cushing and Val Kilmer (in the first role of his career of 82 films). The visual gags are a work of art, in addition to the dialogues full of pop references and some genius narrative changes, such as the reverse camera in the store scene with Peter Cushing. Possibly, TP would not be understood today by the new generations, who need a less complex and less subtle type of humor.

4989 - CHEERS - TEMP 7 - 22 EPISÓDIOS (1988)

CHEERS – TEMP 7 – 22 EPISÓDIOS (CHEERS, USA, 1988) – Definitivamente, no lugar mais alto da minha lista de melhores séries de todos os tempos, CHEERS tem um altíssimo valor afetivo misturado com a qualidade insofismável dos roteiros e do elenco. Nesta sétima temporada, atenção para os seguintes episódios clássicos: Executive Sweet (7/3), com Rebecca tendo que lidar com as investidas de Mr. Teal, seu novo chefe, How to win friends and electrocute people, no qual Cliff usa um gadget elétrico acionado por seu médico, quando se mostra desagradável; The Cranemakers (7/16), mostrando Frasier e Lilith encantados pelo nascimento do filho e indo viver longe da civilização, até se darem conta de que são urbanites; The visiting lecher (7/22), em que um amigo de Frasier, Dr. Crandell, dá em cima de Rebecca, achando que ela está interessada nele. Definitely, at the top of my list of the best series of all time, CHEERS has a very high affective value mixed with the unmistakable quality of the scripts and the cast. In this seventh season, attention to the following classic episodes: Executive Sweet (7/3), with Rebecca having to deal with the advances of Mr. Teal, her new boss, How to win friends and electrocute people, in which Cliff uses an electric gadget activated by his doctor, when he proves to be unpleasant; The Cranemakers (7/16), showing Frasier and Lilith enchanted by the birth of their son and going to live far from civilization, until they realize that they are urbanites; The visiting lecher (7/22), in which Frasier's friend, Dr. Crandell, hits on Rebecca, thinking she is interested in him.

4988 - BUGONIA (2025)

 

BUGONIA (USA, 2025) – Com sua raiz no grego, a palavra “bugonia” refere-se a um antigo ritual agrário, segundo o qual haveria uma geração espontânea de abelhas a partir da carcaça em decomposição de um boi ou vaca. O filme é um produto característico de Yorgos Lanthimos: ousado, heterodoxo, desconfortável e, claro, também original na sua proposta narrativa. Michelle (Emma Stone) é a CEO de uma empresa farmacêutica e é sequestrada por dois homens (um deles, Jesse Plemons, que ainda não me convenceu de que é um ator com talento), motivados pela crença de que ela é uma alienígena que poderia salvar a Terra. Aqui, temos uma mistura de humor sombrio, paranoia e horror psicológico, elementos que poderiam se dissipar numa análise de um possível desfecho preguiçoso, meio estilizado e decepcionante, ou uma jogada magistral de um diretor caracterizado por soluções incomuns. A abordagem apícola do desenho de produção – evidenciada nos cenários onde formas hexagonais se repetem até formarem algo semelhante a uma colmeia – pode representar o renascimento, a renovação e  emergência da vida a partir da decadência física e moral, refletindo a antiga crença de que a morte pode dar início a uma nova humanidade depois de atingir o colapso social e ambiental. Além disso, os personagens, de certa forma, agem como apicultores preocupados em proteger uma espécie nos seus estertores (a humanidade), quando o meio ambiente já se encontra praticamente destruído. Afinal, as abelhas nos lembram do delicado equilíbrio da natureza e das severas consequências da exploração irracional do planeta. With its roots in Greek, the word "bugonia" refers to an ancient agrarian ritual, according to which there would be a spontaneous generation of bees from the decaying carcass of an ox or cow. The film is a characteristic product of Yorgos Lanthimos: daring, unorthodox, uncomfortable and, of course, also original in its narrative proposal. Michelle (Emma Stone) is the CEO of a pharmaceutical company and is kidnapped by two men (one of them, Jesse Plemons, who still hasn't convinced me of being a talented actor), motivated by the belief that she is an alien who could save Earth. Here, there is a mixture of dark humor, paranoia and psychological horror, elements that could dissipate through an analysis of a possible lazy, somewhat stylized, and disappointing outcome, or a masterful move by a director characterized by unusual solutions. The beekeeping approach to production design – evidenced in the scenarios where hexagonal shapes repeat until they form something resembling a beehive – can represent the rebirth, renewal and emergence of life from physical and moral decay, reflecting the ancient belief that death can usher in a new humanity after reaching social and environmental collapse. In addition, the characters, in a way, act like beekeepers concerned with protecting a species in its death throes (humanity), when the environment is already practically destroyed. After all, bees remind us of the delicate balance of nature and the severe consequences of irrational exploitation of the planet.

4987 - HOMELAND - TEMP 1 - 12 EPISÓDIOS (2011)

 

HOMELAND – TEMP 1 – 12 EPISÓDIOS (HOMELAND, USA, 2011) - O maior mérito da primeira temporada é manter o espectador constantemente dividido sobre a verdadeira identidade e lealdade de Nicholas Brody (Damian Lewis). Após oito anos de cativeiro no Iraque, ele retorna aos Estados Unidos como herói nacional, mas a agente da CIA Carrie Mathison (Caire Danes) suspeita que tenha sido convertido por terroristas. Em vez de apresentar um vilão evidente, constrói um personagem complexo, traumatizado e contraditório, que pode ter se tornado outra pessoa após a guerra. O suspense não depende apenas da pergunta "Brody é culpado?", mas também de "quem ele se tornou após a guerra. A interpretação de Claire Danes como Carrie Mathison se destaca – seu personagem é brilhante, obsessivo, impulsivo e emocionalmente vulnerável. A série retrata seu transtorno bipolar sem reduzi-la a um estereótipo. Sua condição psicológica afeta seu trabalho, mas também está ligada à sua capacidade de perceber padrões que os outros ignoram. Essa complexidade confere profundidade rara a uma protagonista de thriller. A temporada reflete as ansiedades dos Estados Unidos após os ataques de 2001. Em vez de simplesmente reproduzir discursos patrióticos, questiona temas como: vigilância estatal; guerra ao terror; paranoia coletiva; limites éticos da inteligência; consequências psicológicas da guerra. Nesse sentido, Homeland funciona tanto como thriller político como estudo de caso. Damian Lewis transforma Nick Brody em um complexo universo no qual ele pode ser a vítima, herói, traidor e pai de família. O ator consegue transmitir sofrimento genuíno sem revelar completamente as intenções do personagem, elemento fundamental para o suspense da temporada. Imperdível. The greatest merit of the first season is to keep the viewer constantly divided about the true identity and loyalty of Nicholas Brody (Damian Lewis). After eight years of captivity in Iraq, he returns to the United States as a national hero, but CIA agent Carrie Mathison (Caire Danes) suspects he has been converted by terrorists. Instead of presenting an obvious villain, he builds a complex, traumatized and contradictory character, who may have become someone else after the war. The suspense doesn't just hinge on the question "Is Brody guilty?" but also on "who he became after the war. Claire Danes' portrayal of Carrie Mathison stands out – her character is brilliant, obsessive, impulsive, and emotionally vulnerable. The series portrays her bipolar disorder without reducing it to a stereotype. Her psychological condition affects her work, but it's also linked to her ability to notice patterns that others ignore. This complexity gives rare depth to a thriller protagonist. The season reflects the anxieties of the United States after the 2001 attacks. Instead of simply reproducing patriotic speeches, it questions topics such as: state surveillance, the war on terror, collective paranoia, the ethical limits of intelligence; psychological consequences of war. In this sense, Homeland works both as a political thriller and a case study. Damian Lewis transforms Nick Brody into a complex character who can be the victim, hero, traitor, and family man. The actor manages to convey genuine suffering without completely revealing the character's intentions, a fundamental element for the season's suspense. Unmissable.

4986 - UMA MENINA SILENCIOSA (2022)

UMA MENINA SILENCIOSA (AN CAILÍN CIÚIN, Irlanda, 2022) – A narrativa acompanha Cait, uma menina introvertida e tímida que é enviada para passar o verão na casa de parentes distantes em uma zona rural da Irlanda. A interação com essa nova família, especialmente com um casal de meia-idade, vai, lentamente, abrir caminhos para que Cait se conecte com suas emoções e se sinta mais segura e amada. O filme se destaca por sua abordagem intimista, onde o silêncio não é apenas ausência de palavras, mas um espaço carregado de significado e sensibilidade. A atuação da jovem atriz (Caitríona Ní Mhurchú) é muito natural e convincente, transmitindo muito da narrativa pelas expressões e gestos, em vez de diálogos extensos. A direção e a fotografia também são muito cuidadosas, usando a paisagem irlandesa como um elemento quase vivo, que contribui para a atmosfera introspectiva. O que torna o filme especialmente tocante é seu olhar delicado para as dificuldades da infância e a resiliência emocional. A forma como o filme lida com o mutismo seletivo de Cait e seu processo de crescimento emocional é feita de maneira respeitosa, evitando sentimentalismos fáceis. É uma obra que convida o espectador a desacelerar, observar e sentir, valorizando o olhar interno e o mundo emocional das crianças de forma muito humana. Em resumo, é um filme poético, suave e com um tratamento sensível de temas relevantes como o pertencimento, o silêncio e a superação das feridas emocionais. Uma produção que fica marcada por sua serenidade e pela força da sutileza. É um dos filmes mais belos e emocionantes dos últimos tempos. Prepare o lenço de papel. A SILENT GIRL (AN CAILÍN CIÚIN, Ireland, 2022) – The narrative follows Cait, an introverted and shy girl who is sent to spend the summer at the home of distant relatives in a rural area of Ireland. The interaction with this new family, especially with a middle-aged couple, will slowly open up ways for Cait to connect with her emotions and feel more secure and loved. The film stands out for its intimate approach, where silence is not just the absence of words, but a space loaded with meaning and sensitivity. The performance of the young actress (Caitríona Ní Mhurchú) is very natural and convincing, conveying much of the narrative through expressions and gestures, rather than extensive dialogues. The direction and photography are also very careful, using the Irish landscape as an almost living element, which contributes to the introspective atmosphere. What makes the film especially touching is its delicate look at childhood difficulties and emotional resilience. The way the film deals with Cait's selective mutism and her emotional growth process is done in a respectful way, avoiding easy sentimentality. It is a work that invites the viewer to slow down, observe and feel, valuing the internal look and the emotional world of children in a very human way. In short, it is a poetic, soft film with a sensitive treatment of relevant themes such as belonging, silence and overcoming emotional wounds. A production that is marked by its serenity and the strength of subtlety. It is one of the most beautiful and exciting films of recent times. Be prepared to use the tissue. Reserva Imovision.

4985 - OBSESSÃO (2025)

 OBSESSÃO (OBSSESSION, USA, 2025) – Bear (Michael Johnston) é apaixonado por Nikki (Inde Navarrette), mas é muito tímido para se declarar. Por meios mágicos, Bear usa de um encantamento para realizar seu sonho: fazê-la apaixonada por ele. Como quase todas as histórias de amor tórrido, o namoro vai se transformando em terror. Contudo, o roteiro usa de uma artimanha, a princípio nada original, mas que funciona – a inserção de comédia em uma trama sombria. Não é o terrir de Sam Raimi. É algo mais elaborado, a partir, principalmente, da extensão das cenas, que podem ocupar longos segundos quando o esperado é uma edição mais frenética. OBSESSÃO trata de um relacionamento tóxico levado aos estertores da relação dominador x dominado. No sentido diegético, não há jump scares, e sim a condução de um interesse quase mórbido do espectador pelas razões das atitudes dos personagens principais. Bear (Michael Johnston) is in love with Nikki (Inde Navarrette), but is too shy to declare himself. By magical means, Bear uses an incantation to make his dream come true: to make her fall in love with him. Like almost all torrid love stories, courtship turns into terror. However, the script uses a trick, at first unoriginal, but which works – the insertion of comedy in a dark plot. It's not Sam Raimi's terrir. It is something more elaborate, mainly based on the length of the scenes, which can occupy long seconds when a more frenetic editing is expected. OBSESSION deals with a toxic relationship taken to the death throes of the dominator x dominated relationship. In the diegetic sense, there are no jump scares, but the driving of an almost morbid interest of the viewer in the reasons for the attitudes of the main characters.

4984 - A PASSAGEM (2005)

 A PASSAGEM (STAY, USA, 2005) – Embora classificado como um drama, STAY vai muito além disso, especialmente quando insere o componente de mistério numa trama que envolve, a princípio, a tentativa de um psiquiatra de demover um paciente da ideia de se suicidar. Os dois protagonistas, Ewan McGregor (Sam, o psiquiatra) e Ryan Gosling (Henry, o paciente) fazem um interessante contraponto entre o que é realidade e o que não é. Há uma importante referência a Shakespeare no roteiro: Hamlet é ensaiada pela namorada de Henry, cujo sobrenome, “Letham”, um anagrama de “Hamlet”, já dá uma clara indicação dos caminhos a serem seguidos pelo diretor Mark Foster. Aliás, “foster”, sobrenome de Sam, é aquele que cuida, que dá proteção, no lugar do pai e da mãe – e é assim o relacionamento de Sam com Henry, já que seu pai morre, juntamente com a mãe e a namorada, num acidente de carro, na ponte do Brooklyn, na primeira sequência do filme. Henry é o único sobrevivente, e isso acarretará uma culpa da qual ele não consegue se livrar. STAY é um filme sobre como (não) lidamos com a culpa, sobre solidão, medo e os limites entre realidade e sonho, coisa que a estranha edição e montagem aparentemente anárquica emergem do filme como um abalo sísmico na nossa forma de ver o mundo. Isso é corroborado, quando o pai de Henry (o ótimo Bob Hoskins) lhe diz: “O mundo é uma ilusão”, e quando aparecem citações de um suposto pintor francês, inventado por Henry e chamado Rêveur (“sonhador” em francês). Poder-se-ia admitir semelhanças com CORAÇÃO SATÂNICO e O SEXTO SENTIDO, mas STAY parece ir além disso, ao sugerir sutilmente (talvez nem tanto) que pensemos em como será o nosso último momento de vida, aquele em que a brisa fria da morte nos acariciar os cabelos. THE PASSAGE (STAY, USA, 2005) – Although classified as a drama, STAY goes far beyond that, especially when it inserts the mystery component in a plot that involves, at first, a psychiatrist's attempt to dissuade a patient from the idea of committing suicide. The two protagonists, Ewan McGregor (Sam, the psychiatrist) and Ryan Gosling (Henry, the patient) make an interesting counterpoint between what is reality and what is not. There is an important reference to Shakespeare in the script: Hamlet is rehearsed by Henry's girlfriend, and "Letham", his surname, an anagram for "Hamlet", already gives a clear indication of the paths to be followed by director Mark Foster. By the way, "foster", Sam's last name, is the one who cares, who gives protection, in place of his father and mother – and that's Sam's relationship with Henry, since his father dies, along with his mother and girlfriend, in a car accident, on the Brooklyn Bridge, in the first sequence of the film. Henry is the only survivor, and this will entail a guilt that he cannot extricate himself from. STAY is a film about how we (don't) deal with guilt, about loneliness, fear, and the limits between reality and dream, something that the strange and apparently anarchic editing emerges from the film as a seismic shock in our way of seeing the world. This is corroborated when Henry's father (the great Bob Hoskins) tells him: "The world is an illusion", and when quotes appear from a supposed French painter, invented by Henry and called Rêveur ("dreamer" in French). One could admit similarities with ANGEL HEART and THE SIXTH SENSE, but STAY seems to go beyond that, by subtly suggesting (perhaps not so much) that we think about what our last moment of life will be like, the one in which the cold breeze of death caresses our hair.

4983 - A NOIVA (2026)

 

A NOIVA (THE BRIDE, USA, 2025) – O filme é uma homenagem a A NOIVA DE FRANKENSTEIN, DE 1935, com Boris Karloff e Elsa Lanchester, com a trama levada a Chicago da década de 30. É uma proposta ousada, meio alternativa, que só dois grandes atores como Jessie Buckley e Christian Bale seriam capazes de realizar. O roteiro irregular sofre com uma trama desconectada, um pouco pueril na tentativa de fazer uma crítica social com referências a filmes famosos (METRÓPOLIS, de Fritz Lang e JOVEM FRANKENSTEIN, de Mel Brooks, além de musicais da Metro e Bonnie & Clyde) e pontuada com mecanismos emancipatórios femininos numa sociedade claramente machista e perpassada pela ação dos gangsteres da época. Jessie Buckley – ganhadora do Oscar de Melhor Atriz este ano com HAMNET – tem um papel talhado para sua linha de atuação: histriônico, barulhento, apostando na fisicalidade de um personagem tão icônico como o monstro de Frankenstein de Bale. A criatura, como no filme seminal, está a procura de uma companheira, e a encontra como seu contraponto anímico: ele é sensível e romântico, enquanto ela é dominadora e agressiva, numa quase troca de papéis tradicionais masculinos e femininos.  Esse blending coloca, por vezes a narrativa numa trajetória confusa, dificultando o engajamento do espectador. A direção de Maggie Gyllenhaal é um tanto errática, pesando a mão em algumas sequências, como a da dança meio Elaine Banes na boate. E mais: depois que os pombinhos são soltos no mundo, tudo no filme parece desconexo, sem espaço para mais explicações ou simples contemplação, o que deixa o espectador perdido na trama. Por exemplo: por que Frank é obcecado por musicais do cinema, cujo protagonista é Roonie Reed (Jake Gyllenhaal), ou por que os detetives estão procurando Ida, a prostituta morta que dá origem à noiva? Esse e outros aspectos se perdem num torvelhinho frenético, em função da cinematografia pretensamente impactante. A Noiva fica no meio do caminho entre a comédia sutil e o terror mediano, sem ser na realidade nenhum dos dois, como uma criatura sem identidade, criada em meio ao caos criativo do filme. THE BRIDE (USA, 2025) – The film is a tribute to THE BRIDE OF FRANKENSTEIN, from 1935, with Boris Karloff and Elsa Lanchester, with the plot taken to Chicago in the 30s. It's a daring, somewhat alternative proposal, which only two great actors like Jessie Buckley and Christian Bale would be able to accomplish. The irregular script suffers from a disconnected plot, a little puerile in an attempt to make a social critique with references to famous films (Metropolis, by Fritz Lang and YOUNG FRANKENSTEIN, by Mel Brooks, as well as musicals by Metro and Bonnie & Clyde) and punctuated with female emancipatory mechanisms in a clearly sexist society permeated by the action of the gangsters of the time. Jessie Buckley – winner of the Oscar for Best Actress this year with HAMNET – has a role tailored to her line of acting: histrionic, noisy, betting on the physicality of a character as iconic as Bale's Frankenstein monster. The creature, as in the seminal film, is looking for a mate, and finds her as his soul counterpoint: he is sensitive and romantic, while she is domineering and aggressive, in an almost exchange of traditional male and female roles. This blending sometimes puts the narrative on a confusing trajectory, making it difficult for the viewer to engage. Maggie Gyllenhaal's direction is somewhat erratic, overdoing in some sequences, such as the Elaine Banes-like dance in the nightclub. What's more: after the lovebirds are released into the world, everything in the film seems disconnected, with no room for further explanation or simple contemplation, which leaves the viewer confused likewise. For example: why is Frank obsessed with movie musicals, whose protagonist is Roonie Reed (Jake Gyllenhaal), or why are the detectives pursuing Ida, the dead prostitute who gives birth to the bride? This and other aspects are lost in a frenetic whirlwind, due to the allegedly impactful cinematography. The Bride is halfway between subtle comedy and average horror, without actually being either, as a creature without identity, created in the midst of the creative chaos of the film. HBO Max.

4982 - FOME DE AMOR (2968)

 

FOME DE AMOR (Brasil, 1968) – O filme de Nelson Pereira dos Santos é uma alegoria típica das produções do período da ditadura militar no Brasil e em vários países da América do Sul, com personagens tipificados de acordo com os estratos sociais, numa forma de criticar o sistema fechado dos anos de chumbo. No entanto, o roteiro é confuso e as atuações erráticas e aparentemente sem propósito para a trama. Paulo Porto tem um personagem secundário, Arduíno Colasanti não sabe atuar, e apenas Leila Dinis e Irene Stefânia aduzem algo próximo de uma linha dramática. Nelson Pereira dos Santos' film is a typical allegory of the productions of the period of the military dictatorship in Brazil and in several South American countries, with characters typified according to social strata, in a way of criticizing the closed system of the years of lead. However, the script is confusing, and the performances are erratic and seemingly purposeless to the plot. Paulo Porto has a secondary character, Arduíno Colasanti doesn't know how to act, and only Leila Dinis and Irene Stefânia adduce something close to a dramatic line. Canal Brasil.

4981 - THE BIG C - TEMP 1 - 13 EPISÓDIOS (2010)

 

THE BIG C – TEMP 1 – 13 EPISÓDIOS (USA, 2010) – Cathy Jameson (Laura Linney, numa atuação estupenda, como sempre, aliás) é uma dona de casa que recebe um diagnóstico de câncer e mergulha numa pletora de emoções, na medida em que procura conviver com a doença e com o marido (Oliver Platt), o filho adolescente (Gabriel Basso) e o irmão naturalista (John Benjamin Hickey). Já adianto: a série não tem nada de depressiva, apesar do tema, e é conduzida com extremo bom humor deslizando sobre um roteiro arguto e, ao mesmo tempo, bittersweet e encantadoramente leve. Porém, há momentos em que o humor se encontra com a tragédia, e é exatamente aí o grande diferencial de THE BIG C: ela nos faz refletir sobre o que é realmente essencial na vida, sobre a importância das relações pessoais e o valor de viver o aqui e agora. Imperdível. Cathy Jameson (Laura Linney, in a stupendous performance, as always, by the way) is a housewife who receives a cancer diagnosis and plunges into a plethora of emotions, as she tries to live with the disease and with her husband (Oliver Platt), teenage son (Gabriel Basso) and naturalist brother (John Benjamin Hickey). I'll tell you in advance: the series is not depressive at all, despite the theme, and is conducted with extreme good humor sliding over a shrewd script and, at the same time, bittersweet and charmingly light. However, there are times when humor meets tragedy, and that's exactly where THE BIG C makes us reflect on what is really essential in life, on the importance of personal relationships and the value of living in the here and now. Unmissable. Netflix.

4980 - ESQUEÇA PARIS (1995)

 

ESQUEÇA PARIS (FORGET PARIS, USA, 1995) – Este filme escrito e dirigido por Billy Crystal é exemplo das melhores comédias dos anos 90 – bom roteiro, excelentes atuações de Crystal (Mickey), Debra Winger (Ellen) e do ótimo elenco de apoio, com Joe Mantegna e Cynthia Stevenson, e, além de tudo engraçadíssimo. De certa forma, a direção e a história nos remetem aos filmes de Woody Allen, nos quais a discussões sobre os problemas dos relacionamentos amorosos se sobressaem quase como um personagem com vida própria. A história de Mickey e Ellen é contada por diversos personagens à mesa de um restaurante, numa chave diagética original e habilmente executada. This movie, written and directed by Billy Crystal, is an example of the best comedies of the 90s – good script, excellent performances by Crystal (Mickey), Debra Winger (Ellen), and the great supporting cast, with Joe Mantegna and Cynthia Stevenson, and, above all, very funny. In a way, the direction and the story remind us of Woody Allen's films, in which discussions about the problems of love relationships stand out almost like a character with a life of its own. The story of Mickey and Ellen is told by several characters at a restaurant table, in an original and skillfully executed diagnostic key. HBO Max.

4979 - ALIEN, O OITAVO PASSAGEIRO (1979)

ALIEN, O OITAVO PASSAGEIRO (ALIEN, USA, 1977) – Ainda hoje, um dos maiores filmes de ficção científica de todos os tempos. Ridley Scott foi o responsável pelo template de todas as produções do gênero space horror, dali por diante. Um dos muitos pontos altos do roteiro é a construção artesanal do suspense, até a aparição final do xenomorfo, tendo como cenário uma espaçonave transformada num cemitério espacial, além da exploração perfeita das sombras e dos vazios da Nostromo. Even today one of the greatest science fiction films of all time. Ridley Scott was responsible for the template for all space horror productions thereafter. One of the many highlights of the script is the artisanal construction of the suspense, until the final appearance of the xenomorph, with a spaceship transformed into a space cemetery, in addition to the perfect exploration of the shadows and voids of the Nostromo. Disney Plus. 

4978 - FOI APENAS UM SONHO (2008)

FOI APENAS UM SONHO (REVOLUTIONARY ROAD, USA, 2008) – O filme de Sam Mendes reúne a dupla de Titanic, Leonardo DiCaprio e Kate Winslet, cuja química elétrica ancora este drama emocionalmente devastador sobre a deterioração de um casamento nos anos 50. Michael Shannon e Kathy Bates completam o elenco, com atuações magníficas. O roteiro extremamente crítico dos valores da sociedade estadunidense mostra o óbvio: o sonho americano é, na realidade, um pesadelo. E, por conseguinte, este falso paraíso propagado pela indústria cultural, mostrando famílias felizes, emoções harmoniosas, riqueza e prosperidade, acaba se tornando um paradigma para aspirações pessoais em várias culturas de diferentes países. É a história é sobre duas pessoas tentando lidar com suas frustrações , que têm grandes sonhos e se dão conta de que devem se sacrificá-los para poder viver suas vidas. Triste, mas real. Sam Mendes' film reunites Titanic duo Leonardo DiCaprio and Kate Winslet, whose electrical chemistry anchors this emotionally devastating drama about the deterioration of a marriage in the 1950s. Michael Shannon and Kathy Bates complete the cast, with magnificent performances. The extremely critical script of the values of American society shows the obvious: the American dream is, in reality, a nightmare. And therefore, this false paradise propagated by the cultural industry, showing happy families, harmonious emotions, wealth, and prosperity, ends up becoming a paradigm for personal aspirations in various cultures of different countries. The story is about two people trying to deal with their frustrations, who have big dreams and realize that they must sacrifice them in order to live their lives. Sad, but real.

4977 - FARRAPO HUMANO (1945)

  

FARRAPO HUMANO (THE LOST WEEKEND, USA, 1945) – O filme de Billy Wilder aborda corajosamente o alcoolismo, um tema pouco comum na década de 40. Ray Milland se entrega ao papel que talvez seja o mais importante da sua vida (certamente não é o médico louco e racista de O MONSTRO DE DUAS CABEÇAS (1972), onde tem a sua cabeça transplantada para o corpo de um homem negro (Rooselvet Grier, primo da deusa Pam). A direção e o roteiro de Wilder abordam o assunto de maneira séria, pela primeira vez, numa época em que o alcoolismo era tratado como gancho cômico no cinema. Milland dá gravitas ao papel de um homem degradado pela bebida, numa dimensão só alcançada décadas depois com Nicolas Cage, em LEAVING LAS VEGAS, cujo personagem se propõe a beber até morrer. Billy Wilder's film courageously tackles alcoholism, an uncommon theme in the 40s. Ray Milland takes the plunge and grabs perhaps the most important role of his life (it is certainly not the crazy and racist doctor in THE TWO-HEADED MONSTER (1972), where he has his head transplanted into the body of a black man (Rooselvet Grier, cousin of the goddess Pam). Wilder's direction and script address the subject seriously, for the first time, at a time when alcoholism was treated as a comic hook in cinema. Milland plays the role with sufficient gravitas to depict a man degraded by drinking, in a performance only achieved decades later with Nicolas Cage, in LEAVING LAS VEGAS, whose character proposes to drink until he dies. Oldflix.

4976 - JUVENTUDE TRANSVIADA (1955)

JUVENTUDE TRANSVIADA (REBEL WITHOUT A CAUSE, USA, 1955) – Certos aspectos do roteiro ficaram datados, mas, emocionalmente, o filme ainda encontra forças para estabelecer conexões com as gerações mais novas – tanto cronológica quanto etariamente. O filme de Nicholas Ray (REI DOS REIS, de 1961) fez de James Dean um template para a juventude rebelde em todo o mundo, em conformidade com os padrões sociais e morais da América do pós-guerra, principalmente expondo a falsa pudicícia da classe média (não só ela, claro). O trio da história, Natalie Wood, James Dean e Sal Mineo transmite um compadrio além da tela, não fosse o fato de os três terem perdido a vida em circunstâncias violentas. O fato é: dali surgiu, pela primeira vez, o conceito de uma juventude rebelde, iconoclasta em relação aos valores dos pais, o que era impensável até o final dos anos 40. Certamente, esta geração sofreu as consequências do pós-guerra, entre as quais se sobressaem o desencanto com os padrões rígidos da sociedade e um questionamento das então expectativas draconianas dos pais em relação aos filhos. Certain aspects of the script have become dated, but emotionally, the film still finds the strength to establish connections with the younger generations, both chronologically and agedly. Nicholas Ray's film (KING OF KINGS, 1961) made James Dean a template for rebellious youth around the world, in accordance with the social and moral standards of post-war America, mainly exposing the false prudishness of the middle class (not only it, of course). The trio of the story, Natalie Wood, James Dean, and Sal Mineo convey a camaraderie beyond the screen, were it not for the fact that the three lost their lives in violent circumstances. The fact is: from there emerged, for the first time, the concept of a rebellious youth, iconoclastic in relation to the values of their parents, which was unthinkable until the end of the 40s. Certainly, this generation suffered the consequences of the post-war period, among which stand out the disenchantment with the rigid standards of society and a questioning of the draconian expectations of parents in relation to their children. TC Cult.

4975 - TWO AND A HALF MEN - TEMP 4 (2007)

TWO AND A HALF MEN – TEMP 4 (USA, 2007) – Esta é uma das melhores temporadas de TAHM, com episódios engraçadíssimos, especialmente o último, no qual Evelyn termina com Teddy, para o desespero de Charlie e Alan, que passaram a adorá-lo, depois que ele os levou a Las Vegas para uma farra com picolés e prostitutas. A sequência final, com Evelyn e seu novo namorado, Hugo (Mike Connors, de Mannix), sendo surpreendidos por C e A é simplesmente antológica, principalmente pela atuação de Holland Taylor. This is one of the best seasons of TAHM, with very funny episodes, especially the last one, in which Evelyn breaks up with Teddy, much to the dismay of Charlie and Alan, who have come to adore him, after he took them to Las Vegas for a spree with popsicles and prostitutes. The final sequence, with Evelyn and her new boyfriend, Hugo (Mike Connors, from Mannix), being surprised by C and A is simply anthological, especially for Holland Taylor's performance. 

4974 - O ULTIMATO BOURNE (2007)

O ULTIMATO BOURNE (THE BOURNE ULTIMATUM, USA, 2007) - Aqui temos uma daquelas raras franquias que ficam cada vez melhores. A grande notícia é que o diretor Paul Greengrass está de volta e, diga-se, melhor do que nunca. Ele traz mais realismo e técnica nesta sequência do que no filme anterior. Matt Damon envelheceu e se envolveu no personagem de forma mais perfeita, a ponto de parecer viver o papel e realisticamente o personagem. Não consigo imaginar mais ninguém no papel neste momento. David Strathairn é simplesmente magnífico, e Julia Stiles está surpreendentemente excelente. As sequências de perseguição estão entre as melhores, e goste ou não da shaky cam, ela faz exatamente o que é necessário e nos lugares certos. A intenção é ficar na mesma vibe, enquanto assiste ao filme, o que é exatamente o objetivo. O objetivo é sentir e experimentar o que Jason Bourne está vivendo. A cinematografia funciona brilhantemente. Here we have one of those rare franchises that constantly gets better and better. The great thing about it is that Director Paul Greengrass is back and better than ever. He brings more realism and technique in this sequel than he did in the last film. Matt Damon has gotten older and into the character more perfectly to where he seems to be living the role and realistically the character. I can't really picture anyone else in the role at this point. David Strathairn is just magnificent, and Julia Stiles was surprisingly quite excellent. The chase sequences are some of the best, and they like it or hate the shaky cinematography – it does exactly what is necessary and right on point. The intent is to be agitated as you watch the film, which is exactly the point. The intent is to feel and experience what Jason Bourne is experiencing and feeling. The cinematography technique works brilliantly.

 

4973 - O CHACAL (1997)

 

O CHACAL (THE JACKAL, USA, 1997) – O filme de Michel Caton-Jones, mesmo depois de tantos anos, ainda chama atenção principalmente pelo elenco estrelado, apesar dos furos do roteiro que, hoje, não passariam tão desconsiderados como o foram na época. A presença de Sidney Poitier, na sua última atuação, evidentemente, faz qualquer filme valer a pena, não? Richard Gere e Bruce Willis, como antagonistas, parecem estrelar sozinhos seus próprios filmes, já que só contracenam na sequência final – parece ficar evidente a antipatia entre os dois quando estão frente a frente, e isso dá uma certa autenticidade à atuação dos dois. Aliás, em virtude da atual situação de saúde de Willis, vê-lo atuando neste filme é indizivelmente emocionante. Mesmo levando em consideração as falhas do roteiro, O CHACAL (refilmagem de O DIA DO CHACAL, baseado no romance de Frederick Forsyth) ainda é um bom thriller policial, principalmente por causa de seu trio de protagonistas. THE JACKAL (USA, 1997) – Michel Caton-Jones' film, even after so many years, still draws attention mainly for the star-studded cast, despite the holes in the script that, today, would not go as unnoticed as they were at the time. The presence of Sidney Poitier, in his last performance, evidently makes any film worthwhile, doesn't it? Richard Gere and Bruce Willis, as antagonists, seem to star alone in their own films, as they only act together in the final sequence – the friction between the two seems to be evident when they are face-to-face, and this gives a certain authenticity to their performance. In fact, given Willis' current health situation, seeing him acting in this film is unspeakably exciting. Even considering the flaws of the script, THE JACKAL (remake of THE DAY OF THE JACKAL, based on the novel by Frederick Forsyth) is still a good crime thriller, mainly because of its trio of protagonists.